rumah » Lainnya » Antoine Watteau – biografi dan lukisan seniman bergenre Rococo – Art Challenge. Jean Antoine Watteau Lukisan terkenal Antoine Watteau

Antoine Watteau – biografi dan lukisan seniman bergenre Rococo – Art Challenge. Jean Antoine Watteau Lukisan terkenal Antoine Watteau

Seni Watteau secara sensitif mencerminkan permulaan abad baru, yang membuka kemungkinan bagi seniman untuk melihat dunia dengan lebih bebas dalam segala ketidakkekalan dan kedalaman fenomenanya, mematahkan mekanisme berpikir para pendukung Descartes - Cartesian. Kehidupan singkat seniman yang meninggal pada usia tiga puluh tujuh tahun ini berada pada titik balik, dan dalam dua dekade pertama abad ke-18 ia seolah memasuki dunia seni seiring dengan abad baru. Apakah Antoine Watteau seorang seniman yang tak lekang oleh waktu, seperti yang kadang-kadang diyakini karena karya seninya segera ditolak oleh kritik resmi abad ke-18, yang menghargai moralisasi dan anti-heroisasi sesuai dengan selera estetika Zaman Pencerahan? Karya seninya sendiri membantah gagasan ini. Genre “liburan gagah” yang diciptakan oleh Watteau dengan penggambaran patung-patung bapak dan ibu yang ringan dan plastik, mengingatkan pada patung-patung Tanagra yang anggun dengan latar belakang kehijauan taman Paris, memang belum banyak memenuhi selera resmi di tengah-tengah. abad ini. Namun, melihat kanvas-kanvas kecil Watteau, Anda sepenuhnya merasakan keajaiban seni abad ke-18 dengan kehalusan sensasi "pesona kehidupan" yang melekat (begitulah sang seniman menyebut salah satu "liburan gagah") dan, pada saat yang sama, waktu, beberapa nuansa sedihnya. “Itu adalah era yang luar biasa,” saya ingin mengatakan, sambil memandangnya, dalam kata-kata Charles Baudelaire, yang, bersama dengan Goncourt bersaudara, mengapresiasi seni seniman yang terlupakan yang mengantisipasi pencarian estetika abad ke-19.

Pada masa Watteau, ketika budaya Rococo yang canggih mulai terbentuk, para seniman lebih bebas mencari cita-cita keindahan dibandingkan pada pertengahan dan paruh kedua abad ini, ketika teori rasionalistik tentang peniruan zaman kuno diangkat ke peringkat mode dan kemudian sebuah postulat. Namun, seni Watteau pada awal abad ini mengungkapkan fokus utama estetika Pencerahan - korelasi realitas dan cita-cita, visi realitas melalui gambaran ideal keindahan ini. Dan sang seniman, yang memiliki bakat imajinasi yang luar biasa, mampu, tidak seperti orang lain di zamannya, menemukan warnanya sendiri untuk mewujudkan sintesisnya. Imajinasilah, yang sangat dihargai oleh zaman, yang memungkinkannya melihat dan menguraikan realitas, mensintesis yang baru.

Watteau lahir di Valenciennes, di utara Perancis, dimana pengaruh seni Flemish sangat kuat. Guru pertamanya mungkin adalah Zh.A. Zherin, penulis gambar altar di gereja lokal. Pada tahun 1702, Watteau pergi ke Paris, yang membuka peluang besar bagi pengembangan diri bagi kaum muda provinsial. Perkenalan pada tahun 1704-1705 dengan C. Gilot, seorang pelukis Flemish yang mengapresiasi lukisan-lukisan kecil yang aneh dan melukis yang menggambarkan pertunjukan teater komik dan adegan topeng, memperkuat minat Watteau terhadap teater. Kerja singkat dengan pelukis dekoratif C. Audran, yang mendekorasi istana di Marly dan Meudon, juga terbukti berguna untuk memasuki lingkungan artistik Paris. Dari dia, Watteau menguasai seni ornamen, dan “arabesques” sang seniman, yang diterbitkan pada tahun 1731 dalam sebuah lukisan oleh J. de Julien, menemukan penggunaan terluas dalam seni abad ke-18. Di antara teman dekat seniman pada tahun 1700-1710-an adalah kritikus A. de La Rocque, marchands dan kolektor Sirois, Gersen, P. Crozat, penerbit lukisannya J. de Julien, musisi, aktor, dan pelukis asal Flemish N.Flugel. Ini adalah lingkaran orang-orang yang tercerahkan, di mana sang seniman, yang telah mendapat banyak pesanan dan menikmati pengakuan dari orang-orang sezamannya, merasa hebat.

Pada 1708-1709 Watteau belajar di Akademi Seni, tetapi tanpa menerima Hadiah Roma, dia tidak pernah mengunjungi Italia. Diketahui bahwa perjalanan ini adalah mimpinya; ia ingin melihat karya-karya Venesia, yang ia ketahui hanya dari karya-karya koleksi P. Crozat. Disposisi pejabat tertinggi Royal Academy terhadap Watteau dibuktikan dengan fakta bahwa presidennya, C. de Lafosse, memerintahkan seniman muda tersebut untuk memasang panel berdasarkan adegan Four Seasons untuk mendekorasi rumahnya di Jalan Richelieu.

Lukisan sejarah yang menempati posisi tertinggi dalam hierarki genre tidak memikat hati Watteau. Dia memiliki sejumlah lukisan tentang keagamaan ("Keluarga Suci", 1716-1717, Paris, Louvre) dan subjek mitologi ("Jupiter dan Antiope", c. 1712; "The Bathing of Diana", 1716; "The Judgment of Paris", 1720; semuanya - Paris, Louvre). Beberapa dari mereka dipengaruhi oleh kecintaan mereka pada lukisan Flemish dan pengetahuan mereka tentang karya-karya master “gaya agung” Prancis. Mereka agak kering dan indah dalam pelaksanaannya. Yang paling mengesankan adalah gambar Ceres berambut emas, yang melambangkan “Musim Panas” (1717-1718, Washington, Galeri Seni Nasional), dari serangkaian kanvas berdasarkan subjek “The Seasons”, yang ditugaskan oleh P. Croz .

Jelas sekali, genre ini tidak sesuai dengan bakat Watteau; genre ini tidak mengandung pesona yang ditimbulkan oleh adegan bivak dan “liburan gagah”, gambar aktor komedi Prancis dan Italia, dan potret genre. Seorang juru gambar yang terlahir, Watteau sejak awal, saat masih di Valenciennes, menghargai kemungkinan bekerja dari kehidupan. Dalam gambar-gambarnya, yang dibuat dengan teknik sanguin atau “tiga pensil” (sanguin, arang, dan kapur) atau bistre dengan sapuan kuas, seseorang dapat merasakan budaya halus juru gambar abad ke-18. Mereka menimbulkan kegembiraan, dirasakan baik oleh artis itu sendiri maupun oleh penonton yang menerima transmisinya. Dari garis-garis halus dan titik-titik lembut bayangan, kepala wanita yang menawan dan cenderung berbeda, gambaran pesolek modern, yang diberkahi dengan kecantikan atau karakter yang luar biasa, muncul dengan mudah dan anggun. Dalam gambarnya, ia memperjelas semua nuansa lukisan masa depan: komposisi, pose, gerak tubuh, detail kostum, robekan pada lipatan kain sutra. Watteau membuat lukisannya tanpa sketsa, hanya menggunakan gambar. Dan dalam hal ini dia adalah ahli di usianya, dia dengan berani melanggar prinsip akademis dan mencari metode yang lebih sederhana untuk menyampaikan alam.

Peristiwa realitas modern tercermin dalam gambaran “bivak”. Selama perang antara Prancis dan Flanders, Watteau sering kali mengamati perhentian tentara, petani pengungsi, dan penggembala yang bergerak di sepanjang jalan negara. Dia melukis adegan-adegan ini atas perintah pedagang lukisan Alrua; adegan-adegan itu dengan mudah terjual habis dan direproduksi dalam bentuk ukiran. Gambaran penggiling organ pengembara dengan marmut dalam lukisan “The Savoyard with a Marmot” (1716, St. Petersburg, State Hermitage Museum) juga sama tulusnya.

Menghargai bakat improvisasi dan parodi teatrikal, Watteau mengabdikan bakatnya untuk menggambarkan adegan dengan aktor komedi Prancis dan Italia. Pahlawan lukisannya - Harlequin, Pierrot ("Gilles", 1721, Paris, Louvre), gitaris Mezzetin (1717-1719, New York, Metropolitan Museum of Art) - adalah karakter terkenal dalam drama komik yang dipentaskan di atas panggung.

Watteau menempatkan mereka di podium panggung dalam kanvas “Cinta di Teater Italia” (setelah 1716, Berlin, Museum Negara), Aktor Teater Prancis (c. 1712, St. Petersburg, Museum State Hermitage). Setiap adegan langsung menangkap suasana teater Prancis dengan upacara-upacaranya, aktor-aktor yang berpakaian gagah, atau semangat yang lebih umum dari teater Italia, di mana semangat commedia dell'arte berkuasa. Bagi seniman, penting untuk menekankan satu perasaan dalam adegan tertentu dan menundukkannya pada ekspresi “permainan” semua karakter.

Gambar-gambar badut yang sedang bermain di kanvas “The Indifferent” (1717, Paris, Louvre) atau “Capriciousness” muda (c. 1718, St. Petersburg, State Hermitage), pada saat yang sama, merupakan tipe potret dan a jenis peran teatrikal. Sebagai hasil pengamatan nyata, yang dikorelasikan dengan citra ideal teater, lahirlah makhluk-makhluk menawan.

Semangat transformasi teatrikal juga melekat pada potret Watteau. Ia gemar membuat potret kostum, seperti pada lukisan In Costume "Mezzetena" (London, Wallace Collection), yang menggambarkan Sirois dikelilingi istri dan putri cantiknya, yang kepalanya sering dijumpai pada gambar Watteau, terutama Marie Louise yang menjadi istri Gersain - penulis katalog pertama karya Watteau (1736). Teman seniman N. Fleugels digambarkan dalam lukisan “The Charm of Life” (London, Wallace Collection) sebagai gitaris dan “Venetian Feast” (1717, Edinburgh, Galeri Nasional Skotlandia) sebagai penari. Kritikus Antoine de la Roque, yang banyak menulis tentang Watteau di surat kabar Prancis Mercury, digambarkan dalam lanskap di antara karakter mitologis, dalam sebuah adegan yang mengingatkan pada sebuah episode dari produksi teater. Gestur tangan dengan telapak tangan terbuka, yang diterima dalam etiket abad ini, menunjukkan refleksi yang ia lakukan di pangkuan alam. Gambaran yang lebih tradisional adalah gambar pematung A. Pater (1709, Valenciennes, Museum of Fine Arts), ayah dari murid Watteau, J.-B. Pater, juga berasal dari Valenciennes.

Lingkaran orang-orang yang dikenal Watteau mungkin telah ditangkap olehnya dalam “liburan yang gagah”. Kanvas “Perspective” (1715, Boston, Museum of Fine Arts), “Champs Elysees” (London, Wallace Collection), “Society in the Park” (Berlin, State Museums) hampir tidak menggambarkan ekstra, seperti yang diklaim oleh salah satu penulis biografi sang seniman. . Misalnya, diketahui bahwa dalam kanvas Perspective, Watteau mereproduksi gang taman dekat rumah P. Crozat di Montmarency. Di kedalaman gang, di belakang sosok wanita yang sedang bersenang-senang dan teman-temannya, Anda bisa melihat paviliun teater yang dibangun untuk lakon The Marriage of Themis. Tidak masalah di mana Watteau lebih suka melukis pepohonan dari kehidupan - di Taman Tuileries atau di Istana Luksemburg, tetapi direproduksi dengan kuasnya yang ringan dan bergetar, mereka selalu menciptakan bingkai dekoratif yang menawan untuk rombongan warga Paris yang ceria, dan di kejauhan. , seolah-olah di belakang panggung, terlihat terobosan ke ruang surgawi yang terang. Unsur sandiwara dibawa ke “liburan gagah” oleh patung taman bidadari dan Venus, yang terkadang ditafsirkan secara aneh dan mengingatkan pada sosok orang hidup yang menyaksikan apa yang sedang terjadi. Bukan suatu kebetulan jika Watteau menyebut kanvasnya sebagai Pesta Cinta atau Pesona Kehidupan: ia menunjukkan di dalamnya realitas teatrikal yang mampu membangkitkan sensasi indah. Penduduk kota dengan wig dan korset aristokrat, gaun sederhana dan topi terasa seperti karakter dari teater dan kenyataan pada saat yang bersamaan. Genre “gallant holiday” sendiri bisa saja terinspirasi dari karya-karya keluarga Fleming abad ke-17, namun disampaikan melalui karya seniman Prancis yang secara halus merasakan “pesona” kehidupan Prancis sesungguhnya di awal abad ke-18. .

Mata tajam Charles Baudelaire mencatat dalam kanvas terkenal “Berlayar ke Pulau Cythera” (1717; Louvre; versi - 1718-1719, Berlin, Istana Charlottenburg), yang termasuk dalam genre ini, terutama “kemain-mainan” dan “kejahilan” . Kritikus tidak mencari implikasi filosofis yang rumit di dalamnya. Ini juga merupakan perayaan cinta di pangkuan alam, yang dalam penggambarannya ditemukan harmoni yang diperlukan dalam perpaduan realitas dan cita-cita, yang bagi seniman selalu menjadi dunia teater, yang mewujudkan impiannya akan keindahan. Atas lukisan ini, Watteau mendapat gelar akademisi pada tahun 1717.

Lukisan selanjutnya “Papan Nama Gersen” (1721, Berlin, Istana Charlottenburg) yang menggambarkan toko barang antik temannya adalah bukti penting bahwa Watteau menghargai alam di atas segalanya. Ini adalah ilustrasi hidup kehidupan seni Paris pada awal abad ini. Mungkin, di sini juga, banyak gambar yang merupakan potret, dan pemandangan yang penuh dengan karakter hidup ini mereproduksi lingkungan di sekitar sang seniman.

Gambar Watteau dipersembahkan kepada kita melalui potret pensil F. Boucher dan pastel karya R. Carriera dari Venesia, yang mengunjungi studio seniman di Paris pada tahun 1720 sebelum memutar ke Nogent-sur-Marne, tempat ia meninggal. Orang dapat membayangkan Antoine Watteau seperti dalam pastel karya R. Carriere - dengan wajah yang cerdas, fitur wajah yang bagus, dan mata yang ramah. Karya seninya ternyata sangat dekat secara spiritual dengan para seniman abad ke-19, yang, seperti dia, mencari cara untuk menggambarkan dunia sekitarnya secara lebih mendalam dan sesuai dengan perasaan mereka sendiri.

Elena Fedotova

Jean Antoine Watteau (Prancis Jean Antoine Watteau; 10 Oktober 1684, Valenciennes - 18 Juli 1721, Nogent-sur-Marne; dalam literatur disebut dengan nama tengahnya - Antoine Watteau) - pelukis Prancis sepertiga pertama abad ke-18 abad, yang karyanya menjadi prolog gaya rococo pan-Eropa

Jean Antoine Watteau dibaptis pada 10 Oktober 1684 di provinsi Valenciennes, tak lama sebelum kelahiran pelukis masa depan, yang memasuki perbatasan Perancis. Ayah Antoine, Jean Philippe Watteau (1660-1720), seorang tukang atap turun-temurun yang menjadi kontraktor, memiliki watak yang kasar, sehingga ia diadili lebih dari satu kali. Tidak ada informasi yang tersimpan tentang asal usul ibu seniman, Michelle Lardenois (1653-1727). Antoine adalah anak kedua dari empat bersaudara dalam keluarga. Sejak kecil ia menjadi kecanduan menggambar, dan ayahnya magangkan dia ke pelukis lokal Jacques-Albert Gerin (1640-1702), seorang ahli dengan bakat kecil. Menurut Jean de Julien, salah satu teman seniman dan penulis biografi pertama, “Watteau, yang saat itu berusia sepuluh atau sebelas tahun, belajar dengan sangat antusias sehingga setelah beberapa tahun sang mentor tidak lagi berguna baginya, karena dia bisa. tidak membimbingnya dengan benar" Menurut sumber lain, masa tinggalnya di bengkel Gerin tidak berlangsung lama karena lama kelamaan sang ayah menolak membiayai pendidikan anaknya.

Antara tahun 1700 dan 1702, Antoine Watteau, bertentangan dengan keinginan ayahnya, diam-diam meninggalkan Valenciennes dan, tanpa sarana apa pun, pergi ke Paris dengan berjalan kaki. Mungkin pelariannya ke Paris difasilitasi oleh kenalannya di Valenciennes dengan seniman dekoratif Méteilleux. Menurut versi ini, Méteillet berperan sebagai dekorator teater yang cakap, dan selama pertama kalinya di Paris, Watteau bekerja di bawah arahannya untuk teater. Namun Meteye tidak mendulang kesuksesan dan beberapa bulan kemudian terpaksa kembali ke tanah air. Apa yang diketahui dengan pasti adalah bahwa segera setelah tiba di Paris, Watteau, yang tidak mempunyai uang untuk menghidupi dirinya sendiri, dipekerjakan di sebuah bengkel lukisan di Jembatan Notre Dame, yang pemiliknya mengatur produksi serial salinan lukisan murah di “umum. rasa” untuk pembeli grosir. Watteau secara mekanis menyalin lukisan populer yang sama berkali-kali (misalnya, “The Old Lady” oleh Gerard Dou), dan mencurahkan seluruh waktu luangnya untuk menggambar dari kehidupan, yang membuktikan kerja kerasnya yang luar biasa.

Sekitar tahun 1704, Watteau menemukan pelanggan pertamanya dalam diri Pierre Mariette (1630-1716) dan putranya Jean, pengukir dan kolektor, pemilik perusahaan besar yang menjual ukiran dan lukisan. Di Mariettes, Watteau berkesempatan mengenal ukiran Rembrandt, gambar Titian, dan cetakan Rubens, dan untuk pertama kalinya tenggelam dalam suasana profesionalisme sejati. Melalui mediasi Mariettes, Watteau menjadi murid seniman Claude Gillot, seorang ahli pemandangan teater dan pencipta lukisan kecil yang menggambarkan adegan komedi Italia. Beberapa tahun magang dengan Gillot memainkan peranan penting dalam perkembangan Watteau. Di sini ia bersentuhan erat dengan tema yang kemudian menjadi salah satu landasan karyanya, dan mendapat kesempatan melihat kehidupan teater dari dalam. Ada kemungkinan bahwa belajar dengan Gillot tidak memiliki pengaruh yang menentukan pada formasi gambar Watteau, tetapi hal itu secara signifikan memperkaya cita rasa artistik provinsial terkini dan membawanya pada kesadaran akan individualitasnya sendiri. Menurut teman dan penulis biografi seniman lainnya, Edme-François Gersin, “dari master ini, Watteau hanya memperoleh selera terhadap hal-hal aneh dan komikal, serta selera terhadap subjek-subjek modern, yang kemudian ia mengabdikan dirinya. Namun harus diakui bahwa dengan Gillot, Watteau akhirnya memahami dirinya sendiri dan sejak itu tanda-tanda bakat yang harus dikembangkan menjadi lebih jelas.”

Ini adalah bagian dari artikel Wikipedia yang digunakan di bawah lisensi CC-BY-SA. Teks lengkap artikel di sini →

Pada tanggal 10 Oktober 1684, di kota Valenciennes, seorang anak laki-laki lahir dari keluarga tukang kayu Watteau, yang diberi nama Antoine. Masa kecilnya hampir tidak bisa disebut bahagia, karena artis masa depan memiliki karakter yang agak kompleks dan banyak perselisihan dengan ayahnya, yang tidak terlalu memahami hobi seni putranya.

Meskipun demikian, ayah Antoine, seorang tukang kayu biasa, mengizinkan putranya menjadi murid seniman kota Jacques-Albert-Grerin. Pendidikan seni ini memungkinkan anak memperoleh keterampilan yang diperlukan untuk mendapatkan penghasilan. Namun, pada usia delapan belas tahun, pada tahun 1702, Antoine Watteau meninggalkan rumah ayahnya dan langsung menuju ke Paris.

Awalnya, Antoine mendapat pekerjaan yang agak sulit dan bergaji rendah sebagai penyalin. Uang yang diperolehnya hampir tidak cukup untuk membeli makanan.

Hidupnya berubah tajam ketika, pada tahun 1703, seniman muda itu bertemu Claude Gillot. Dia melihat Antoine sebagai seniman yang luar biasa berbakat dan menawarinya pelatihan. Dari tahun 1708 hingga 1709, Watteau adalah murid Claude Audran, dan kontak dekatnya dengan seniman-seniman terkemuka inilah yang mengembangkan minatnya pada teater dan seni dekoratif.

kreativitas Watteau

Lukisan Rubens mempunyai pengaruh besar pada banyak seniman, tidak terkecuali Antoine Watteau. Dia belajar tentang karyanya di Istana Luksemburg. Salah satu keinginan sang seniman adalah mengunjungi Roma dan, untuk tujuan ini, ia bisa masuk akademi seni.

Namun, Paris mengembalikan senimannya yang sudah dewasa dan berpengalaman pada tahun 1710. Sejumlah besar karya Antoine dikhususkan untuk topik militer. Salah satu karyanya yang paling menonjol, “Ziarah ke Pulau Cythera,” dilukis pada tahun 1717 dan memberi Watteau gelar yang tidak biasa sebagai “Artis Perayaan yang Gagah.”

Pada tahun 1718, Antoine melukis lukisan lain yang tidak kalah populernya, “The Capricious One”. Aksi dalam lukisan Watteau tidak banyak terungkap melalui plot langsung, melainkan melalui puisi halus dan sedikit kentara yang meresapi semua karyanya. Artis ini menjadi bapak genre yang biasa disebut "perayaan gagah".

Lukisan “Festival Cinta”, yang dilukis pada tahun 1717, seperti banyak lukisan lain karya pengarangnya, dipenuhi dengan berbagai corak emosional, hal ini dapat dilihat dengan melihat lebih dekat pada latar belakang lanskap lukisan tersebut. Antoine Watteau memelopori nilai artistik dari nuansa dan perasaan yang rapuh dan halus. Karya seninya untuk pertama kalinya merasakan kesenjangan, atau perselisihan, antara mimpi dan kenyataan. Tak jarang hal itu ditandai dengan cap kesedihan melankolis yang ditimbulkannya.

Pada akhir tahun 1717, sang seniman jatuh sakit karena penyakit yang pada saat itu merupakan penyakit yang fatal—tuberkulosis. Penyakit itu pun mampu merambah ke dalam lukisannya. Watteau mencoba melawan hal ini dan secara khusus mengunjungi Inggris Raya pada akhir tahun 1719 untuk mengubah situasi dan iklim, tetapi hal ini tidak berhasil. Dia menghabiskan hari-hari terakhirnya di rumah pedesaan teman baiknya dan meninggal pada tanggal 18 Juli 1721. Ia akan mewariskan sekitar dua puluh ribu lukisan untuk keturunannya.

Antoine Watteau cukup terkenal dan hidup dalam kemewahan. Dia tidak menghargai uang dan dengan mudah membuangnya. Suatu hari seorang penata rambut datang menemuinya, menawarinya wig indah yang terbuat dari rambut alami manusia. Seniman itu kagum: “Betapa indahnya! Sungguh alami!”

Watteau ingin membayar penata rambut atas usahanya, tetapi dia tidak mengambil uang itu, dan sebagai imbalannya hanya meminta satu atau beberapa sketsa, jika itu tidak menyulitkan Antoine. Seniman itu menggambar sketsa untuknya dengan senang hati, tetapi setelah penata rambut pergi, dia masih tidak bisa tenang. Watteau percaya bahwa dia telah menipu orang malang itu.

Seminggu kemudian, temannya datang menemuinya. Dia melihat Antoine, terlepas dari semua perintahnya, mulai mengerjakan lukisan baru, yang ingin dia berikan kepada penata rambut, karena dia masih merasa telah menipu orang malang itu. Butuh banyak usaha bagi temannya untuk meyakinkan Artis tersebut, namun dia berhasil.

Sindiran terhadap dokter.

perayaan yang gagah Liburan cinta

Jean Antoine Watteau, lebih dikenal sebagai Antoine Watteau, adalah seorang pelukis dan seniman Perancis, pendiri dan ahli terbesar gaya Rococo. Watteau adalah salah satu seniman paling terkenal dalam sejarah seni dunia. Berkat usaha Goncourt bersaudara, Baudelaire dan Verlaine, ia mendapat tempat pertama di koleksi Wallace, kemudian di Louvre (tahun 1869 ada 8 lukisannya) dan terakhir dalam sejarah seni.

Jean Antoine Watteau lahir pada 10 Oktober 1684 di kota Valenciennes dalam keluarga seorang tukang kayu. Pada usia dini, Watteau adalah murid seniman Jacques-Albert Guerin. Watteau datang ke Paris pada tahun 1702 dari Perancis utara, dari Valenciennes. Dari tahun 1703 hingga 1708, Watteau bekerja di bengkel Claude Gillot, menyalin dan menggambarkan plot komedi Italia. Dari tahap penting dalam pembentukan kreatif sang seniman, hanya satu bukti bergambar yang bertahan - sebuah lukisan Moskow Sindiran terhadap dokter.

Pada tahun-tahun berikutnya, Watteau mencoba sendiri dalam genre yang berbeda; kronologi kontroversial dari beberapa karya yang masih ada pada periode ini tidak memungkinkan kita untuk menarik kesimpulan pasti tentang evolusi minatnya, namun sikapnya menjadi lebih bebas, sapuan kuasnya menjadi lebih segar dan ringan. .

Pada tahun 1717 Watteau dianugerahi gelar akademisi. Pada 1719-1720 sang seniman mengunjungi Inggris. Pada akhir tahun 1717, Watteau jatuh sakit karena TBC. Antoine Watteau menghabiskan hari-hari terakhirnya di rumah pedesaan temannya; dia meninggal karena tuberkulosis pada tanggal 18 Juli 1721. Selama 36 tahun, ia mewariskan sekitar dua puluh ribu lukisan kepada keturunannya.

Watteau adalah pencipta genre unik, yang secara tradisional disebut perayaan yang gagah. Inti dari adegan-adegan ini terungkap bukan dalam makna plot langsungnya, tetapi dalam puisi halus yang dijiwainya. Liburan cinta(1717), seperti lukisan Watteau lainnya, mengandung beragam nuansa emosional, yang digaungkan oleh suara liris latar lanskap. Watteau menemukan nilai artistik dari nuansa rapuh, perasaan yang secara halus saling menggantikan. Karya seninya untuk pertama kalinya merasakan pertentangan antara mimpi dan kenyataan, sehingga diwarnai dengan cap kesedihan yang melankolis.

Dalam disiplin "Sejarah Seni Asing"

"Karya Antoine Watteau dalam konteks seni Rococo."

Pendahuluan 2

Bab 1. Biografi Antoine Watteau. 4

Bab 2. Karya Antoine Watteau. 6

2.1. Karya Antoine Watteau dan teater. 7

2.2 Karya Antoine Watteau dan seni dekoratif. 14

Kesimpulan. 20

Bibliografi. 22

Perkenalan

Arah gaya Rococo mendominasi seni Eropa selama tiga perempat pertama abad ke-18, yang tidak mewakili fenomena artistik independen melainkan sebuah fase, tahapan tertentu dari gaya Barok pan-Eropa. Istilah "rococo" muncul di Prancis pada akhir abad ke-18, pada masa kejayaan klasisisme, sebagai julukan yang menghina untuk semua seni sopan dan megah di abad ke-18: garis melengkung dan berubah-ubah, mengingatkan pada garis besar sebuah shell, adalah fitur utamanya. Seni Rococo adalah dunia fiksi dan pengalaman intim, sandiwara dekoratif, kecanggihan, kecanggihan yang canggih; tidak ada tempat untuk kepahlawanan dan kesedihan di dalamnya - mereka digantikan oleh permainan cinta, fantasi, dan pernak-pernik menawan. Kesungguhan Barok yang berat dan menyedihkan digantikan oleh dekorasi yang intim dan rapuh. Slogan “abad” Rococo yang singkat dan berumur pendek menjadi “seni sebagai kesenangan”, yang tujuannya adalah untuk membangkitkan emosi yang ringan dan menyenangkan, menghibur, memanjakan mata dengan pola garis yang aneh, kombinasi indah dari cahaya yang elegan. warna, yang terutama diekspresikan dalam dekorasi arsitektur interior, dengan persyaratan baru yang juga disesuaikan dengan lukisan Rococo. Bentuk lukisan yang paling umum adalah panel dekoratif, sebagian besar berbentuk oval, bulat, atau melengkung rumit; Komposisi dan desainnya didasarkan pada garis melengkung lembut, yang memberikan kesan megah dan elegan pada karya yang dibutuhkan untuk gaya ini. Dalam pencarian warna mereka, para ahli rocaille mengikuti Rubens, Veronese, dan Venesia, tetapi tidak menyukai warna-warna jenuh dan kaya, tetapi halftone pucat: merah menjadi merah muda, biru menjadi biru, kuning lemon, biru pudar, merah muda, warna ungu muncul, bahkan fiksi - seperti “warna paha bidadari yang ketakutan”. Salah satu pendiri gaya Rococo adalah Antoine Watteau yang berbakat, yang memberikan perwujudan paling sempurna dari prinsip-prinsip gaya ini. Emosionalitas dan lamunan melankolis memberikan kecanggihan khusus pada karakter gambar Watteau, yang tidak lagi dicapai oleh pengikut langsung sang master, yang mengubah motif dan sikapnya menjadi gaya yang halus dan dangkal.

Bab 1. Biografi Antoine Watteau.

Watteau, Jean Antoine (1684–1721), pelukis dan juru gambar Perancis. Lahir di Valenciennes pada tahun 1684. Pada tahun 1698–1701, Watteau belajar dengan seniman lokal Gerin, atas desakannya ia menyalin karya Rubens, Van Dyck, dan pelukis Flemish lainnya. Pada tahun 1702, Watteau pergi ke Paris dan segera menemukan seorang guru dan pelindung dalam diri Claude Gillot, seorang seniman teater dan dekorator yang melukis adegan-adegan dari kehidupan teater modern. Watteau dengan cepat melampaui gurunya dalam hal keterampilan dan kira-kira. 1708 memasuki bengkel dekorator Claude Audran. Pada tahun 1709, Watteau gagal memenangkan Grand Prix Akademi Seni, namun karyanya menarik perhatian beberapa orang berpengaruh, di antaranya adalah dermawan dan ahli seni Jean de Julienne, pedagang lukisan Edme Francois Gersin, bankir dan kolektor Pierre Crozat, yang di rumahnya sang seniman tinggal selama beberapa waktu, dll. Pada tahun 1712 Watteau dinominasikan untuk gelar akademisi dan pada tahun 1717 menjadi anggota Royal Academy of Painting and Sculpture. Watteau meninggal di Nogent-sur-Marne pada tanggal 18 Juli 1721.

Watteau adalah salah satu seniman Prancis paling terkenal dan orisinal abad ke-18, yang berdasarkan tradisi seni Flemish dan Belanda, menciptakan gaya baru - Rococo. Di masa dewasanya, Watteau mempelajari lukisan Rubens, khususnya siklus lukisannya yang didedikasikan untuk Marie de Medici dan menghiasi dinding Istana Luksemburg. Di antara gambar seniman, beberapa sketsa dari panel ini masih bertahan. Tema favorit Watteau - gambar perayaan yang gagah - didasarkan pada lukisan Gardens of Love karya Rubens.

Sumber lain yang sama pentingnya dari karya Watteau adalah gambar karya master Venesia dari koleksi teman dan pelindungnya Pierre Croz. Sang seniman sangat terkesan dengan karya Titian dan Paolo Veronese, serta gambar lanskap Domenico Campagnola. Karya-karya guru Paris Watteau, Gillot dan Audran baginya menjadi contoh cita rasa halus, yang diwujudkan dalam penciptaan arabesque indah dari figur dan tanaman yang mencerminkan preferensi artistik awal abad ke-18. Dalam menggambarkan adegan teatrikal, dia adalah pengikut Gillot.

Dalam gaya Watteau, semua sumber ini terasa, tetapi dalam perpaduan yang sangat orisinal. Karya awalnya - pemandangan di kedai minuman, gambar bivak dan kamp militer, yang dilukis dalam tradisi Flemish - memiliki kualitas yang mengantisipasi gaya dewasa sang master. Namun, subjek yang paling sesuai dengan selera Watteau sendiri adalah gambar karakter dari komedi Italia (Gilles, Louvre; Metseten, New York, Metropolitan Museum of Art) dan perayaan yang gagah. Genre perayaan gagah terdiri dari adegan dengan wanita berpakaian modis dan pria anggun dengan latar belakang alam. Namun, Watteau mengisinya dengan rasa rindu akan dunia mimpi yang tak mungkin tercapai. Bahkan kostumnya - variasi elegan dari tema fashion modern - adalah buah imajinasi sang seniman.

Bab 2. Karya Antoine Watteau.

Karya Watteau menandai dimulainya babak baru dalam sejarah seni lukis, grafis, dan seni dekoratif Eropa. Mengikuti motif khas lukisan bergenre abad ke-17, Watteau beralih ke penggambaran kehidupan kontemporer (“The Savoyard with a Marmot”), di mana ia menghadirkan keintiman khusus dan emosi liris. Di masa dewasanya, sang seniman lebih menyukai adegan teatrikal dan apa yang disebut “genre gagah”, yang menggambarkan dalam lukisannya semua jenis liburan, pesta topeng dan hiburan, kencan romantis, permainan cinta yang indah dari bapak dan ibu yang ceroboh (“ Festival Cinta”, “Liburan Berburu”, “Kegembiraan Hidup”, “Komunitas di Taman”).
Imajinasi puitis memainkan peran penting dalam metode kreatif Watteau. Watteau adalah orang pertama yang menciptakan kembali dalam seni dunia keadaan pikiran yang paling halus (“Yang Berubah-ubah”, “Proposal yang Sulit”), yang sering kali diwarnai dengan ironi dan kepahitan. Tokoh-tokoh dalam lukisan Watteau selalu mengulang-ulang tipenya, namun di balik permainan gagahnya terdapat beragam nuansa perasaan puitis (“Venetian Holiday”) yang tak ada habisnya. Kecanggihan dekoratif karya Watteau menjadi dasar gaya artistik Rococo.
Selain “pemandangan gagah”, Watteau melukis pemandangan (“Lanskap dengan Air Terjun”), potret (“Gilles”, “Meceten”), komposisi mitologi (“The Judgment of Paris”), komposisi keagamaan (“Keluarga Suci” ), telanjang (“ Di belakang toilet").
Watteau juga dikenal sebagai penulis gambar yang menggambarkan berbagai perwakilan masyarakat Prancis.
Watteau diakui dalam komunitas artistik sebagai master yang halus dan orisinal. Di kalangan akademisi, wibawanya semakin berkembang sehingga pada tahun 1712 ia diterima menjadi anggota Akademi, dan pada tahun 1717, untuk lukisan besar “Ziarah ke Pulau Cythera”, ia mendapat gelar akademisi.

2.1. Karya Antoine Watteau dan teater.

Saya ingin memulai tinjauan komposisi teatrikal Watteau, pertama-tama, dengan karya berpasangan: "The Seductress" dan "The Adventurer". Kemungkinan besar, kedua panggung tersebut adalah teater. Dengan latar belakang lanskap yang mirip dengan set teater, dengan pepohonan yang menyebar, jembatan kuno yang mengingatkan pada reruntuhan, dan permukaan sungai yang agak kehijauan yang mulus, pemandangan tersebut terlihat jelas. Di sebelah kanan, dua orang wanita sedang duduk di bangku cadangan. Tentu saja mereka berpose. Salah satunya mungkin mewakili tidak dapat diaksesnya. Punggungnya dan kepalanya yang tegang berbicara tentang karakternya yang tidak fleksibel, pandangannya sama sekali tidak tertuju pada pemuda yang bermain gitar. Gadis lainnya, sebaliknya, sedang menikmati musik dan kebersamaan dengan pemuda ini. Dia bersandar sedikit, menyandarkan sikunya di belakang bangku, tangannya santai, dia menatapnya dengan lesu. Pemuda itu ditampilkan di profil. Dia pesolek narsis, siap menyenangkan semua orang yang mengalihkan pandangannya padanya, dia bangga pada dirinya sendiri, profil elangnya memberi tahu kita hal ini. Wajah lain mengintip dari balik pohon, karakter ini hampir menyatu dengan warna pohon. Pewarnaan gambarnya lembut: merah muda, perak, zaitun, warna berasap memberikan sedikit sentuhan kesedihan, tetapi wajah karakternya diterangi dengan sedikit senyuman. Pengaruh Rubens diwujudkan dalam orisinalitas penggambaran wajah: semuanya bulat dan kemerahan. Karakter Watteau selalu berpakaian sempurna, namun pakaian tersebut sama sekali tidak mencerminkan mode abad ke-18.

Kanvas berpasangan “Petualang” juga menggambarkan empat sosok. Setiap karakter dalam gambar itu sangat kesepian. Wanita yang berdiri di sebelah kanan itu sombong dan bangga. Tampaknya pemuda yang malu bermain gitar itu mencari dukungan dari penonton. Seorang pria muda yang sedih dalam setelan Gilles memandang wanita yang sombong itu, tidak menemukan timbal balik. Di sini setiap orang tenggelam dalam dunianya masing-masing.

Diketahui bahwa Watteau suka membuat sketsa di tempat-tempat yang paling tidak terduga, menggambarkan kehidupan sosial para bangsawan, dan juga membuat sketsa kehidupan sehari-hari warga kota biasa. Kemudian ia menggunakan sketsa-sketsa tersebut saat mengerjakan lukisan ini atau itu, menyusunnya secara acak di atas kanvas. Ada kemungkinan bahwa salah satu karya Watteau yang paling terkenal - "Aktor Teater Prancis" dari koleksi Hermitage - ditulis dengan cara yang persis sama. Awalnya gambar itu diberi nama “Karakter Bertopeng”, kemudian muncul dengan judul “Pergi ke Bola” atau “Kembali dari Bola”. Thomassen the Younger, yang mengukir lukisan itu, memberinya judul “Coquettes”, dengan menempatkan di bawah ukiran itu sebuah puisi kecil yang diawali dengan baris:

Ingin sekali berkencan
genit semua berturut-turut
Melawan suami
Mereka sedang terburu-buru untuk liburan.

Mungkin, menurut pengukirnya, garis-garis inilah yang mengungkap alur lukisan itu. Saya harus mengatakan bahwa ini sangat berbeda dari karya Watteau lainnya. Tokoh-tokohnya tidak terhubung satu sama lain oleh gagasan terpadu internal apa pun; setiap tokoh adalah pahlawan tersendiri, hanya memainkan perannya sendiri. Dua wanita muda muncul di hadapan kami, seorang pria muda, seorang pria tua dan seorang anak laki-laki arap berkulit hitam. Banyak peneliti melihat di dalamnya karakter tradisional komedi dell'arte: Columbina dan Rosaura, pelayan licik Scapen, dan lelaki tua Pantalone. Namun ternyata semuanya tidak sesederhana itu. Seperti yang ditulis I. S. Nemilova dalam artikelnya tentang lukisan ini, berdasarkan berbagai penelitian, salah satu gadis yang berdiri di sebelah kiri dengan sorban aduhai dan topeng di tangan kanannya tak lain adalah Madame Demar, salah satu aktris Prancis terbaik di dunia. waktu itu .

Karakter lain - seorang lelaki tua yang digambarkan di sudut kanan - setelah diperiksa lebih dekat, ternyata dia tidak terlalu tua sama sekali. Ada banyak gambar Watteau yang menggambarkan pria yang sama dengan kostum dan riasan panggung yang sama. Kemungkinan besar, ini adalah salah satu aktor komedi Prancis terbaik - La Thorilliere. Pria muda yang mengenakan baret, kemungkinan besar adalah Philippe Poisson. Karakter lain dalam gambar tersebut adalah seorang gadis dengan gaun bergaris. Ada sketsa untuknya, sama seperti karakter lainnya. Bukan peran terpenting yang dimainkan oleh karakter terakhir dalam gambar - seorang anak laki-laki kecil berkulit hitam, yang dianggap sebagai pelayan Croz.

Seringkali dalam karyanya, Watteau bertindak sebagai sutradara sebenarnya dari drama tersebut. Meninggalkan para pahlawan dalam gambar teatrikal tertentu, ia menempatkan mereka di lingkungan di luar panggung. Hal utama bagi Watteau bukanlah kepribadian itu sendiri, melainkan emosinya. Fitur inilah yang menjadi tradisi komedi dell'arte, yang aktor-aktornya suka digambarkan Watteau dalam lukisannya.

Awalnya, komedian Italia tampil dengan topeng yang sangat aneh dan pakaian yang sangat konyol dengan bulu besar dan pom-pom. Semua karakter di commedia dell'arte lucu dan pada saat yang sama mampu menimbulkan semacam horor mistis. Pengaruh teater Italia hilang ketika, pada abad ke-18, Carlo Goldoni mereformasi teater Italia. Topeng-topeng itu menghilang, dan topeng-topeng lainnya menjadi tidak dapat dikenali; alih-alih teks improvisasi, teks yang muncul ditulis dalam bahasa sastra, dan bukan dalam dialek.

Dua karya seniman yang berpasangan lagi - "Cinta di Panggung Prancis" dan "Cinta di Panggung Italia" - terkadang dipandang sebagai semacam ironi terhadap orang Prancis dan kekaguman terhadap orang Italia. Kedua acara tersebut berlangsung di taman: pertunjukan Italia berlangsung pada malam hari, pertunjukan Prancis berlangsung pada siang hari. Siang dan malam melambangkan kejernihan permainan Prancis dan improvisasi berani sekolah Italia. Adegan teatrikal ini tidak bisa disebut pertunjukan di kehidupan nyata. Namun tentu saja, realitas hadir di dalamnya sama seperti aktor nyata dan karakter fiksi hadir. Adegan lakon Prancis penuh dengan godaan ringan. Dan sekarang kita sudah dapat melihat bagaimana, diiringi musik orkestra kecil, yang tersembunyi di sudut kiri gambar, sebuah sepatu dengan anggun mengintip dari balik gaun beludru wanita muda itu. Dan tampaknya pesolek muda dengan kamisol merah muda, setelah menghabiskan anggur bersoda, pasti akan berpasangan dengan aktris yang menggoda itu.

Watteau memerankan semua karakter komedi Prancis di halaman taman sedemikian rupa sehingga sembilan aktor sentral membentuk semacam lingkaran, menirukan tarian melingkar. Tampaknya satu momen lagi akan berlalu - dan sosok-sosok itu akan berputar dalam tarian ringan. Karakter ditempatkan sedikit di latar belakang, di latar belakang, dan latar depan diisi dengan halaman rumput bebas, yang memungkinkan pemirsa untuk berfantasi dan memikirkan perkembangan plot lebih lanjut.

Lukisan “Cinta di Panggung Italia” penuh misteri dan keajaiban. Semua aksi terjadi pada malam hari. Sosok-sosok tersebut terbenam dalam kegelapan, dan hanya cahaya obor yang menerangi wajah tokoh-tokoh di tengah gambar. Di sebelah kiri Anda dapat melihat lentera yang sedikit bersinar, memberikan bayangan pada wajah karakter yang berdiri di dekatnya dan menjadikannya misterius dan tidak dapat dikenali. “Cinta di Panggung Italia” adalah karnaval topeng yang sesungguhnya. Namun, ini bukan lagi topeng Italia yang sama yang tergambar dalam lukisan indah Jacques Callot; ini adalah topeng abad ke-18, yang diubah hingga tak bisa dikenali lagi. Harlequin di sini lebih tampil sebagai pria gagah daripada sebagai Zanni lucu dalam setelan tambalan warna-warni. Di sebelah Harlequin ada Pierrot yang sedih dengan gitar, dia, seperti biasa, sendirian di antara orang-orang. Gambaran Pantalone tua, yang dengan licik memandangi Columbine dan Rosaura yang sedikit imut, tidak berubah sama sekali seiring berjalannya waktu. Watteau seolah membawa karakternya ke lingkungan yang sama sekali berbeda, ke kehidupan malam, penuh kesakralan dan mistisisme.

Namun jika dalam film berpasangan “Love on the French Stage” dan “Love on the Italian Stage” setidaknya ada petunjuk plot, maka dalam film “Indifferent” dan “Finetta” petunjuk ini sama sekali tidak ada. Pahlawan utama dan satu-satunya dari lukisan “Indifferent”, atau, sebagaimana juga disebut, “Indifferent”, adalah seorang pria dengan pandangan terpisah, dalam keadaan liris yang tenang. Di hadapan kita adalah seorang pemuda canggih, muncul di momen langkah balet yang dikoreografikan dengan jelas. Keanggunan sosoknya ditegaskan oleh pakaiannya: jubah elegan, pita tipis menghiasi sepatunya, bunga mawar di topinya.

Tatapannya yang lesu, penuh ketenangan dan keterpisahan tertentu, selaras sempurna dengan pakaian sutra warna-warni, lipatan tipisnya menyerupai ombak laut yang membelai lembut tubuh. Harus dikatakan bahwa selain menyampaikan keanggunan dan perasaan bahagia yang memenuhi gambar, Watteau menggunakan teknik yang tidak biasa di dalamnya. Sapuan kecil dan tajam secara ideal menekankan citra romantis, meneranginya dengan cahaya yang oleh beberapa peneliti sebanding dengan upaya pertama kaum impresionis.

Lukisan Watteau “Finette” tampak agak berbeda. Finetta sedikit lucu, pipinya yang montok, bibirnya yang cemberut dan hidungnya yang sedikit terangkat memberikan sentuhan kesembronoan dan masa muda yang tenang pada citranya. Posenya tidak bisa disebut anggun. Alat musik di tangan anak-anaknya terlihat agak palsu. Gadis itu sepertinya menyapa penonton dengan sebuah pertanyaan: apakah dia bagus, apakah instrumennya terlalu rumit, dan apakah dia layak untuk berpose lagi? Melihat kanvas ini, Anda mengagumi nuansa hijau yang tak terhitung jumlahnya yang mampu digunakan sang seniman untuk menyampaikan bentuk dan suasana aksi yang sedang berlangsung.

Watteau suka memerankan karakter yang sedang bermain musik. “Pemain Gitar” adalah komposisi satu figur lainnya yang menggambarkan seorang pria duduk dengan gitar. Dia adalah Casanova sejati! - bermain untuk kecantikan yang tak terlihat dan benar-benar percaya diri pada dirinya sendiri dan bahwa keindahan itu akan ditaklukkan.

Sebagai penutup analisis karya teatrikal Antoine Watteau, saya ingin menyebutkan dua lagi karya teatrikal sang seniman. Beberapa tahun telah berlalu sejak menulis “The Guitarist”, dan kini Watteau kembali mengangkat tema seorang musisi yang bermain gitar. Dia menulis "Metsetena". Tokoh utama bukan lagi seorang penggoda yang penuh nafsu, tidak ada tipu daya atau ironi jahat dalam dirinya. Dengan latar belakang taman hijau senja, digambarkan seorang pemuda melankolis dengan gitar di bangku kayu. Seorang kekasih yang sedih menyanyikan lagu kekasihnya yang tak kasat mata; matanya penuh kerinduan akan cinta bertepuk sebelah tangan. Mungkin patung marmer yang berdiri di belakang dapat mempersonifikasikan gadis cantik tak kasat mata itu, kekasih Metseten, cinta yang sama dingin, tak tertembus, dan hina dari pemuda malang itu.

Salah satu karya terindah Antoine Watteau adalah “Gilles”. Ada banyak hipotesis mengenai asal usul dan tujuan karya ini. Banyak orang mengira ini adalah tanda teater, poster suatu pertunjukan. Namun apa pun yang terjadi, kita mempunyai gambaran yang benar-benar luar biasa.

Sosok Gilles (atau Pierrot), yang ditempatkan di tengah kanvas, hampir seluruhnya tersembunyi di bawah kostum teater. Di latar belakang, di suatu tempat di bawah, terdapat wajah empat karakter lainnya, serta telinga yang menonjol dan mata keledai yang sangat cerdas. Gilles sendiri terlihat konyol, lucu dan ini membuatnya sangat sedih. Ia digambarkan dalam pose orang yang berkemauan lemah, lemah, tersesat, lengannya diturunkan seperti cambuk, matanya bertanya-tanya dan sedih, mulutnya yang agak kekanak-kanakan dan hidung peseknya memberikan kebingungan tertentu pada gambar itu. Melihat langsung ke arah penonton, dia sepertinya mengajukan pertanyaan: “Apakah kamu benar-benar meninggalkanku lagi?”

Hampir semua pahlawan Antoine Watteau ada dalam ruang tanpa waktu; bagi mereka konsep waktu tidak ada, sama seperti konsep waktu tidak ada bagi seorang aktor yang mampu bertransformasi dan menjadi bagian dari periode waktu tertentu.

Watteau tidak pernah memiliki murid dan berusaha bekerja sendiri. Namun, karyanya sangat mempengaruhi banyak master. Chardin, misalnya, meminjam prinsip warna dari Watteau. Dan Boucher, yang awalnya mengukir karya Watteau untuk Julienne, setelah mengadopsi banyak prinsip artistik sang master, mengandalkannya dalam karya awalnya. Watteau dihargai tidak hanya di Prancis; Artis itu memiliki pengagumnya di Inggris dan Jerman. Namun semua karyanya akan terlupakan jika bukan karena orang-orang terdekat sang seniman, teman-temannya, yang mengabadikan nama Watteau dengan menulis biografi sang master dan menerbitkan koleksi ukiran yang mereproduksi banyak lukisannya.

Dan berabad-abad kemudian kita dapat menikmati lukisan indah Antoine Watteau, yang dalam karya seninya mewujudkan semua warna teater dan kehidupan manusia sehari-hari.

2.2 Karya Antoine Watteau dan seni dekoratif.

Watteau lebih menyukai lukisan kecil. Tapi dia juga ahli seni dekoratif: dia sendiri membuat panel hias untuk interior rumah besar, mengecat pintu kereta, harpsichord, dan kipas angin. Hal ini mempengaruhi dekorasi arsitektur Rococo. Baik karya dekoratif maupun kanvas besar - “Ziarah ke Pulau Cythera” (1717), dan “Papan Nama Gersen” (1720) yang terkenal dibedakan berdasarkan ciri khas Watteau: lukisan yang menakjubkan, penuh hormat dan lembut; rangkaian suasana hati sekilas yang terbaik; keterampilan komposisi virtuoso - keterampilan seorang sutradara yang tiba-tiba menghentikan aksi teatrikal yang dipikirkan dengan matang pada momen terpenting dalam perkembangan dramatis hubungan dan karakter.

"Ziarah ke Pulau Cythera."

Watteau mempersembahkan lukisan yang sangat anggun (dan melankolis) ini kepada juri akademisi setelah terpilih sebagai anggota penuh Royal Academy of Painting and Sculpture pada tahun 1717. Pulau Cythera, yang muncul dalam judul kanvas, adalah Siprus, tempat kelahiran dewi cinta Aphrodite (dalam tradisi Romawi - Venus). Oleh karena itu, ziarah ke Cythera merupakan alegori yang sangat transparan bagi orang Prancis abad ke-18 (bahkan bagi mereka yang tidak terlalu ahli dalam mitologi kuno).
“Ziarah ke Pulau Cythera” lebih bersifat murung daripada gambaran naratif, seperti halnya sebagian besar karya Watteau. Dari judulnya kita dapat menyimpulkan bahwa penulis ingin menampilkan sebuah “festival cinta”. Tapi tidak. Sebaliknya, ini adalah akhir hari raya, ketika semua ambrosia telah dimakan dan nektar telah diminum. Perasaan kebahagiaan yang cepat berlalu dan rapuh (dan, pada umumnya, ketidakmungkinan itu, karena seseorang tidak dapat dipuaskan dengan "kesementaraan", dan pada saat kebahagiaan tertinggi ia mendambakan "semuanya akan berakhir") ditekankan oleh musim gugur, transparansi senja lanskap.

Antoine Watteau sering memasukkan patung-patung dalam komposisinya yang berkaitan dengan plot dan mood lukisannya. Dalam "Ziarah ke Pulau Cythera" patung Venus setengah tersembunyi di bawah bayang-bayang pepohonan. Kami mengalihkan pandangan kami padanya berkat bunga merah muda yang membungkus tubuh batu sang dewi. Perlu dicatat bahwa tempat anak panah diikatkan ke kaki patung dewi dengan pita merah muda. Ini pertanda kehadiran Cupid, putra Venus yang suka bermain-main. Sedangkan untuk warna merah jambu, Watteau menyelinginya sehingga mengarahkan pandangan pemirsa ke sepanjang lintasan yang aneh - dari bunga merah muda Venus, melalui jubah wanita dan kamisol merah muda cerah dari pria yang berdiri membelakangi, hingga putti yang menjulang tinggi. langit di atas pulau.
Watteau selalu bekerja dengan cepat (Papan Nama Gersen yang besar, dicat dalam seminggu, bukanlah mitos sama sekali) dan sering kali mengaplikasikan cat terlalu tergesa-gesa, yang terkadang menyebabkan noda dan distorsi. Namun dalam kasus ini, ketergesaan inilah yang membantu sang master menyampaikan tekstur dedaunan dengan cemerlang - tekstur dedaunan menjadi lebih ekspresif berkat bekas kuas yang tertinggal di permukaan gambar. Cat diaplikasikan dalam lapisan tipis hampir transparan, menggunakan teknik “basah di atas basah”, dengan corak coklat yang mengintip melalui warna hijau, yang tentunya memperkaya rentang warna lukisan. Thomas Gainsborough, yang sangat mengagumi bakat Watteau, melukis dedaunan dengan cara yang sama.

"Papan Nama Gersen"

Sesaat sebelum kematiannya, kembali dari Inggris, Watteau menulis "requiem" -nya - "The Sign of Gersen".

“Sekembalinya ke Paris pada tahun 1721, ketika saya baru saja memulai bisnis saya,” kata Gersen, “Watteau mendatangi saya dan bertanya apakah saya setuju untuk menempatkan dia bersama saya dan mengizinkan dia, seperti yang dia katakan, untuk “mengulurkan tangannya ” dan menulis tanda agar saya bisa menggantungnya di pintu masuk lengkungan. Saya tidak mau menerima tawaran ini, saya lebih suka menyibukkannya dengan sesuatu yang lebih penting, tetapi menyadari bahwa pekerjaan itu akan memberinya kesenangan, saya setuju. Semua orang tahu betapa suksesnya hal ini baginya; semuanya dilakukan dari kehidupan, posenya begitu jujur dan spontan, komposisinya begitu natural; kelompok-kelompok tersebut ditempatkan dengan sangat baik sehingga menarik perhatian semua orang yang lewat, dan bahkan pelukis paling berpengalaman pun datang beberapa kali untuk mengagumi tanda tersebut. Itu ditulis dalam seminggu, dan sang seniman hanya bekerja di pagi hari; kesehatan yang rapuh, atau lebih baik lagi, kelemahan, tidak memungkinkan dia untuk bekerja lebih lama. Ini adalah satu-satunya karya yang agak menyanjung harga dirinya - dia secara terbuka mengakui hal ini kepada saya.”

Sulit dipercaya bahwa hal sebesar ini dapat dicapai dengan begitu cepat; format Watteau yang luar biasa besar hanya memperkuat keraguan. Sulit juga untuk percaya bahwa “segala sesuatunya dilakukan dari kehidupan.” Katakanlah ini berlaku untuk interior dan figur individu, tetapi tidak untuk komposisi secara keseluruhan. Mengenai harga diri penulis yang tinggi, contoh kepuasan diri yang langka dalam biografi Watteau ini membuktikan manfaat yang benar-benar luar biasa dari karya tersebut.

Arti penting lukisan ini bagi seluruh era Rococo tidak kalah pentingnya dengan “Las Meninas” karya Velazquez pada abad sebelumnya. Tanpa mengasumsikan hubungan sebab-akibat, perlu diperhatikan kesamaan yang menarik dari para sutradara: dalam kedua kasus tersebut, semua karakter adalah penonton.

Berbagai hipotesis telah dikemukakan mengenai rencana Watteau, yang paling meyakinkan adalah hipotesis yang dirumuskan secara rinci oleh Louis Aragon dan kemudian dikembangkan oleh sejumlah penulis. Makna penafsiran tersebut adalah, dengan berkedok tanda, Watteau memaparkan sejarah seni lukis yang ia ketahui; sekaligus merupakan gambaran evolusi kreatif sang pelukis sendiri, yang menjadi “bukti artistik” -nya. Salah satu argumen yang mendukung sudut pandang ini adalah puisi yang ditempatkan di bawah ukiran Avelin, yang mereproduksi gambar aslinya. Penyair anonim menjelaskan bahwa Watteau menyajikan di sini ciri khas dari para master yang berbeda, tulisan tangan dan selera mereka.

Tanpa menolak pandangan ini, seseorang dapat menafsirkan gagasan lukisan itu dengan cara yang agak berbeda. Di dalam dinding toko galeri, Watteau menggambarkan seluruh dunia - dunia seni.

Memang, di hadapan kita ada sejarah seni lukis, seolah-olah dimainkan di atas panggung, yang seolah-olah Anda bisa melangkah langsung dari jalan, seperti yang dilakukan oleh salah satu pahlawan wanita cantik dalam gambar tersebut.

Namun, mari kita berhenti sejenak di ambang batas.

Watteau menganggap lukisan itu sebagai tanda untuk ditempatkan di atas pintu masuk toko. Oleh karena itu pentingnya semantik pintu dan ambang pintu. Secara umum, gerbang dan pintu mempunyai fungsi yang sangat penting dalam ruang komunikasi manusia. Mereka mengatur hubungan seperti “budaya - alam” (gerbang kota), “suci – sekuler” (gerbang atau pintu kuil), “publik – pribadi” (pintu rumah), dll. Terkait dengan hal tersebut adalah berbagai macam ritual masuk dan keluar, dengan satu atau lain cara menekankan makna perbatasan. Letak, bentuk dan desain (simbol, gambar, prasasti, dan lain-lain) gapura dan pintu menunjukkan kondisi komunikasi spasial tertentu. Di sini, di ambang pintu, terlihat jelas bahwa ungkapan “bahasa ruang” bukan sekadar metafora. Rangkaian mediator spasial dapat dilanjutkan melalui jendela; Bingkai gambarnya juga kembali ke sana.

Dan meskipun dalam “The Signboard of Gersen” Watteau, seperti pahlawan Lesage yang serba bisa, memberikan kesempatan kepada pemirsa untuk melihat “menembus dinding,” ambang batas tersebut memenuhi tujuannya, memisahkan eksternal dan internal, jalan dan interior. Satu-satunya karakter yang ditempatkan di ruang luar gambar adalah seekor anjing, berbaring di ambang pintu dan tanpa pamrih menggigit kutu.

Di perbatasan terdapat pahlawan favorit Watteau, pasangan yang gagah: wanita, digambarkan dari belakang, nyaris tidak melangkah melewati ambang pintu, dan pria, yang muncul dari depan, menawarkan tangannya. Di sebelah kiri mereka ada sekelompok karyawan yang sibuk mengemas lukisan. Di sebelah kanan, agak jauh, tampak rombongan pengunjung yang antusias melihat lukisan. Seluruh dinding toko dipenuhi lukisan dengan ukuran berbeda-beda, digantung berdekatan satu sama lain.

Cahaya diarahkan sedemikian rupa sehingga sisi kanan interior lebih terang daripada kiri. Ada alasan untuk menganggap bahwa pencahayaan itu bersifat simbolis. Di hadapan kita adalah kemunduran era Roi-Soleil: potretnya ditempatkan di dalam kotak, seolah-olah di dalam peti mati, dan dengan itu seni “gaya agung” menjadi sesuatu dari masa lalu; namun, dengan mengalihkan pandangan Anda ke kanan, Anda dapat melihat pagi era baru, yang pada awal mulanya Watteau sendiri berbicara. Bukankah “muse”-nya yang menunjukkan gambaran kecil yang terlihat oleh kita, seperti dalam “Las Meninas,” dari belakang kepada orang-orang muda yang mengagumi? Dan bukankah ini karya Watteau sendiri?

Di hadapan kita ada seluruh dunia seni lukis, para pahlawannya, para aktornya, publiknya, penontonnya, baik yang lama maupun yang baru, para pengintip yang penuh rasa ingin tahu dan para kontemplatif yang penuh perasaan, dan dalam segala hal - hadir tanpa terlihat, penuh cinta dan kesedihan, seorang seniman yang melamun dan sedikit ironis, menengok ke belakang sambil tersenyum perpisahan atas apa yang telah dijalani dan dialami. “Dia mengucapkan selamat tinggal pada dunia yang telah lama disayanginya, kepada pecinta seni, yang banyak di antaranya adalah teman baiknya, meskipun mereka tidak selalu sepenuhnya memahaminya, kepada pelanggan mulia dan pedagang canggih, kepada pahlawannya sendiri, yang akhirnya kembali ke dunia kesehariannya; mengucapkan selamat tinggal pada lukisan-lukisan yang terlihat dari dinding toko, dengan aroma kertas tua yang di atasnya terdapat cetakan ukiran terkenal yang tak ternilai harganya.” (M.Jerman)

Dengan mengalihkan perhatian dari objek yang direnungkan ke kontemplasi itu sendiri, Watteau menunjukkan fenomenologi penglihatan yang dikembangkan secara halus. Jika benar mengartikan “Tanda Gersen” sebagai salah satu jenis sejarah seni lukis, maka sejarah ini tidak dapat dipisahkan dari penikmatnya, karena selera dan tata krama melukis yang menjadi ciri khas para pelukis pada zaman yang berbeda-beda juga berkaitan erat dengan bentuk-bentuk yang berbeda. persepsi.

Rodin pernah berkata bahwa para master besar, pada umumnya, mendahului era di mana cita-cita mereka menang. "Keanggunan Watteau yang lesu tampaknya meninggalkan jejaknya pada seluruh masa pemerintahan Louis XV; dia hidup di bawah Louis XIV dan meninggal di bawah bupati."

Kata-kata ini lebih dari adil dalam kaitannya dengan “The Sign of Gersen”: epilog karya Watteau berfungsi sebagai prolog terhadap seni seluruh era.

Kesimpulan.

Antoine Watteau adalah salah satu ahli seni Prancis terbesar abad ke-18, seorang seniman dengan perasaan puitis yang halus dan bakat seni yang luar biasa. Seorang ahli “perayaan gagah” yang melamun dan melankolis, ia membawakan puisi yang tulus dan perasaan yang mendalam pada penggambarannya tentang kehidupan masyarakat sekuler, dan sentuhan melankolis dan ketidakpuasan pada interpretasinya tentang adegan cinta dan hiburan tanpa beban. Seringkali dalam lukisannya kita menjumpai gambaran seorang pemimpi yang kesepian, melankolis dan sedih, tenggelam dalam pikiran dan menjauh dari hiruk pikuk kesenangan, dari hiruk pikuk keramaian yang sia-sia. Inilah pahlawan sejati Watteau. Sakit, kesepian dan menyendiri, dia sendiri menghindari masyarakat dan hiburan dan memandangnya melalui mata pengamat luar, pada saat yang sama mengagumi keindahan pesta dari kerumunan, keanggunan halus dari pria dan wanita, dan menebak ketidakpedulian yang kosong atau ketidakpedulian yang mendalam. penderitaan manusia di balik permukaan berkilau ini. Karya-karyanya selalu diselimuti kesedihan liris. Kita tidak akan menemukan warna-warna yang penuh badai, tajam dan nyaring di dalamnya. Pewarnaan Watteau didasarkan pada nuansa nada yang halus dan halus, ia tertarik pada warna yang pudar dan tidak bersuara.

Garis seni lukis Watteau dilanjutkan oleh Lancret dan Pater, namun karya mereka kurang memiliki puisi halus Watteau dan ketajaman realismenya. Pencapaian realistis dan pencarian warna dikembangkan dengan lebih baik oleh Watteau, Chardin, dan beberapa seniman realis abad pertengahan lainnya.

Dipuja semasa hidupnya dan setelah kematiannya (terutama oleh Julien dan Crozat), pada pertengahan abad ini Watteau praktis dilupakan;

Karya seni Watteau tersebar luas di negara lain: di Inggris berkat Mercier (sekitar tahun 1740) di Spanyol berkat Quillard, belum termasuk banyak pemalsuan yang dibuat pada pertengahan abad ke-18 di Paris untuk istana Prusia. Gambar. Tiga koleksi terbesar gambar Watteau (Stockholm British Museum Louvre) membuktikan keahliannya dalam menggunakan optimis dan arang, yang dalam banyak kasus diaplikasikan pada kertas berwarna.

Karya Watteau membuka jalan baru menuju pengetahuan artistik kehidupan modern, menuju peningkatan persepsi suasana liris dan puisi alam; isinya lebih luas dan kaya daripada seni Rococo, yang dalam perkembangannya warisan Watteau (terutama panel hiasnya) memainkan peran penting.