Picturi Yuri Zlotnikov. Yuri Zlotnikov: „Puneți întrebări și nu finalizați acțiuni. M.K.: și erai deja membru al Moskha

Recent, s-a închis expoziția lui Yuri Zlotnikov „Pictură - analiza psihofiziologiei umane și afișarea spațiului său existențial”. Expoziția retrospectivă a cuprins peste 150 de picturi și lucrări grafice create în anii 1950 - 2015.

Yuri Zlotnikov este unul dintre cei mai străluciți și mai semnificativi artiști ai artei abstracte rusești. S-a născut în 1930 la Moscova. A studiat la Școala de Artă din Moscova, a lucrat ca decorator stagiar la Teatrul Bolșoi, a fost angajat în design de expoziție la VDNKh și a colaborat cu edituri ca ilustrator de carte. Și în tot acest timp și-a căutat propriul drum în artă, propriul său sistem de mijloace vizuale. La mijlocul anilor 1950, Zlotnikov a creat o serie de foi grafice abstracte numite „Signal System”. Împreună cu psihologi, a efectuat experimente încercând să înțeleagă modul în care creierul uman percepe semnalele trimise de picturi.

Care comunică de multă vreme cu artistul, a acceptat să ne acorde un scurt interviu în care a vorbit despre această expoziție și despre cum îl vede pe Zlotnikov.

Prin ce se deosebește expoziția de la Academie de retrospectiva anterioară de la Muzeul de Artă Modernă?

Această expoziție se deosebea de retrospectiva de la MOMMA prin faptul că expoziția anterioară, desigur, a fost realizată mult mai convențional, împărțită pe etaje, pe perioade sau serii, cu suspendare modernă și spațioasă. La Academie, datorită caracteristicilor arhitecturale (sunt doar două săli) și datorită faptului că autorul însuși s-a ocupat de agățat, toate seriile și proiectele au fost amestecate după voința artistului. Acest lucru creează conexiuni complet noi: de exemplu, acuarele tradiționale din anii șaizeci atârnă lângă abstracțiuni destul de radicale. Adică, vedem cum în capul autorului toate acestea sunt combinate într-o ordine complet diferită de cea cu care suntem obișnuiți. Acesta este un efect foarte interesant și ciudat, care arată legătura dintre lucrările lui Zlotnikov, pe de o parte, cu tradiția sovietică fluidă de stânga MOSH și, pe de altă parte, cu căutarea artiștilor occidentali radicali moderni. Când aceste lucrări sunt amestecate, mi se creează un efect foarte neașteptat și nou, deși am văzut aproape toate aceste lucrări la expoziții sau în atelierul lui Iuri Savelevici.

Când un artist este curatorul său, nu este acesta întotdeauna un lucru bun?

Nu, nu am spus asta. Această expoziție este poate chiar mai bună decât cea de la MOMMA, deoarece arată modul în care artistul însuși vede legăturile dintre lucrările sale și seriale. Acest lucru este mult mai interesant. Expoziția s-a dovedit a fi mai concentrată, deși se pare că acum nu o atârnă așa. Acum se crede că fiecare lucrare este o valoare separată, așa că este necesar ca acestea să nu interfereze între ele, să nu se intersecteze sau să polueze câmpul vizual al celuilalt. În mod ideal, privitorul ar trebui să vadă o singură piesă.

Când are loc o expoziție personală, artistul dorește ca totul să se potrivească, pentru că i se pare că fără o singură lucrare sensul se va pierde. Aici este clar că spânzurarea a avut sens; Zlotnikov a pus în scenă spațiul destul de conștient. Nu e rău deloc, dar e neobișnuit. Acest lucru oferă o altă înțelegere, non-standard, a lucrării. Cu toții suntem obișnuiți să credem că Zlotnikov este un abstracționist radical, iar cele mai radicale lucrări sunt seria „Semnale” timpurie. Când totul este amestecat, căutarea autorului devine vizibilă. Vedem cum cercurile și dungile se transformă în muncă din viață, într-o imagine de gen despre construcția Centralei Nucleare Balakovo. Vedem cum toate aceste lucrări sunt interconectate. Acest lucru oferă o perspectivă proaspătă și nouă asupra operei artistului. Probabil că aceste două expoziții se completează. La MMSI era o sală uimitoare cu „Semnale”, unde erau agățate puțin și spațioase pe un rând, era foarte muzeală, era un „aspect istoric”. Aici am văzut auto-reflexia lui Zlotnikov. Este clar că unele laitmotive, care pentru noi sunt doar o parte din istorie, există și pentru el în același timp și sunt încă relevante. Malevici și-a schimbat datarea lucrărilor pentru că își construia propria poveste. Poți agăța lucrările lui Malevich așa cum a vrut el sau le poți agăța așa cum au fost cu adevărat – ambele vor fi interesante. La fel este și aici, doar că Zlotnikov, desigur, nu a schimbat datele. Și-a construit povestea așa cum o vede. Nu aș spune că aceasta este o poveste „personală”, nu există nicio exprimare de sine aici. Aceasta este pur și simplu o comparație între alte lucruri, construind conexiuni complet diferite pe care un curator extern nu le va observa. Acest lucru este foarte educativ pentru mine. De exemplu, există un proiect de interior pentru Casa de Cultură cu niște panouri colorate pe tavan, foarte asemănătoare cu abstracțiile sale. Acest lucru nu ar fi fost vizibil dacă ar fi existat o spânzurare diferită.

Ce este Zlotnikov pentru tine?

Zlotnikov este un artist foarte important, un artist al valorilor plastice. Discutam asta cu el in mod constant. Are mentalitatea unui adevărat modernist. Amândoi ne place foarte mult să vorbim și să discutăm ceva, așa că conversațiile noastre telefonice durează o oră și jumătate. Este o persoană foarte reflexivă și un conversator interesant; spune adesea lucruri foarte subtile, inclusiv despre arta mea.

Cât de relevant este Zlotnikov astăzi?

Relevanța variază. Această gândire modernistă este interesantă și importantă pentru mine. Conversațiile cu Iuri Savelevici, părerea lui, nu sunt mai puțin importante pentru mine decât munca lui. Și pentru mulți tineri care sunt angajați în noul formalism, Zlotnikov este un mare predecesor. Poate că ei înțeleg altfel opera lui, dar când își desenează propriile dungi și cercuri, devin inevitabil interesați de cei care au făcut-o înaintea lor.

Pe 25 septembrie 2016, artistul abstract rus Yuri Savelyevich Zlotnikov a murit la Moscova. S-a născut la 23 aprilie 1930 la Moscova. Absolvent al Școlii Gimnaziale de Artă din Moscova (1950). A lucrat ca artist-designer la VDNKh (1951-1959), ca ilustrator de carte la editurile din Moscova și s-a format la Teatrul Bolșoi ca scenograf (1954). Yuri Zlotnikov a devenit unul dintre primii artiști ruși care s-au orientat către pictura și grafică non-obiectivă în perioada postbelică, începând seria Signal System (Semnale) la sfârșitul anilor 1950, bazată pe un interes pentru matematică, psihologie și cibernetică.

Galina Ryabchuk și artistul Yuri Zlotnikov artageless.com

În anii 1960-1980, a experimentat pictura figurativă, realizând o serie de autoportrete expresioniste, o serie dedicată satului muncitoresc Balakovo din zona de construcție a hidrocentralei Saratov, o serie de peisaje minimaliste. unde intră în dialog cu Wassily Kandinsky, iar mai târziu o „serie biblică”. Fiind unul dintre cei mai străluciți artiști ai generației nonconformiștilor, nu s-a alăturat niciunei dintre mișcările care existau la acea vreme. Într-un interviu, artista a spus: „Mi-aș putea pune sarcini nebune și să le rezolv. Știi, în filmul „Kremlin Chimes” există un erou, un ceasornicar evreu, care și-a spus: „Sunt un meșter singuratic în afara sistemului”. „Pot să spun și despre mine: am fost o persoană liberă, în afara sistemului, am făcut bani prin ilustrații și mi-am rezolvat problemele nebunești.”

Yuri Zlotnikov „Compoziție abstractă” 1983

Expozițiile personale ale lui Yuri Zlotnikov au avut loc la Galeria de Stat Tretiakov, Muzeul de Artă Modernă din Moscova, Casa Artiștilor (Ierusalim), etc. A participat la numeroase expoziții de grup în Rusia, Germania, Marea Britanie și SUA. Lucrările sunt stocate în Galeria de Stat Tretiakov, Muzeul de Stat al Rusiei, Muzeul Pușkin. LA FEL DE. Pușkin, Centrul Național de Artă Contemporană, Muzeul de Artă Modernă din Moscova, Muzeul Zimmerli al Universității Rutgers, colecții private.

Zlotnikov Yu.S. Salt triplu. 1979

Pe 25 septembrie 2016, la Moscova a murit un minunat artist rus, unul dintre liderii nonconformismului, Yuri Zlotnikov. Din fericire, în timpul vieții autorului, lucrările sale au ajuns în colecțiile marilor muzee rusești și străine, printre care Centrul Georges Pompidou, unde s-a desfășurat expoziția „Colecție! Arta contemporană în URSS și Rusia. 1950–2000”, inclusiv lucrările sale.
Proiectul „Colecție! Arta contemporană în URSS și Rusia. 1950–2000" este un cadou fără precedent din partea Fundației de Caritate Vladimir Potanin și a peste 40 de colecționari ruși - Vladimir și Ekaterina Semenikhin, Fundația Familiei Tsukanov, Tamaz și Iveta Manasherov, Inna Bazhenova și Dmitri Samorukov, Nick Ilyin și alții - pentru unul dintre cele mai mari muzee din Franța.
Rolul patronilor și colecționarilor în crearea muzeelor ​​și completarea colecțiilor acestora nu poate fi supraestimat. Această tradiție are o istorie lungă și continuă și astăzi.
Expoziția lui Yuri Zlotnikov la MAMM se bazează pe lucrări din colecțiile private ale Fundației Familiei Tsukanov, Mikhail Alshibay, Mark Kurtser și Muzeul ART4.
În ajunul împlinirii a 40 de ani, Centrul Georges Pompidou a declarat anul 2016 anul donatorului, sub sloganul „En hommage au donateur” („În onoarea donatorului”).
Declarăm 2017 - anul celei de-a 20-a aniversări a MAMM - anul patronilor artelor și suntem încântați să continuăm colaborarea cu colecționarii privați cu expoziția lui Yuri Zlotnikov.
Yuri Zlotnikov s-a născut în 1930. Întors din evacuare, din 1943 a studiat la Școala Gimnazială de Artă din Moscova, o renumită instituție de învățământ, cei mai mulți dintre absolvenți au intrat la Institutul Surikov de la Academia de Arte. În același timp cu Yuri Zlotnikov, de exemplu, Ilya Kabakov a studiat acolo.
Începutul activității creative a lui Yuri Zlotnikov a coincis cu dezghețarea lui Hrușciov de la sfârșitul anilor 1950 și începutul anilor 1960. A fost o perioadă plină de libertate. În 1956, la Muzeul Pușkin a fost deschisă o expoziție a lui Pablo Picasso; în cadrul Festivalului Mondial al Tineretului și Studenților din 1957, la Moscova au avut loc expoziții de artă contemporană mondială; La expoziția americană de la Sokolniki din 1959, s-a putut face cunoștință cu opera lui Jackson Pollock și a altor artiști americani. Dezghețul a ridicat „Cortina de fier”, a oferit ocazia de a vedea lucrările liderilor de artă mondială și, de asemenea, cel puțin parțial, de a restabili contactul cu tradițiile avangardei ruse de la începutul secolului al XX-lea, care, la rândul lor, au influențat dezvoltarea cultura artistică mondială. Tinerii artiști încep să abandoneze canoanele realismului socialist, obligatorii pentru arta sovietică încă de la mijlocul anilor 1930. Ei caută un nou limbaj plastic și noi baze pentru construirea lumii lor artistice individuale.
Epoca „fizicienilor și textiștilor”, o pasiune generală pentru realizările științei și credința în posibilitățile ei nelimitate, l-a condus pe Yuri Zlotnikov la crearea unui concept original care combină realizările matematicii, logicii și psihologiei. „Linia mea în artă este de natură semantic-științifică; am explorat posibilitățile influenței picturii asupra gândirii umane”, a spus artista.
În timp ce lucra la seria „Signal System”, a petrecut mult timp în laboratorul Spitalului Botkin, unde au studiat electrocardiogramele și biocurenții. Acolo, Yuri Zlotnikov a întâlnit oameni de știință sovietici remarcabili - psihofiziologul Nikolai Bernstein și psihologul sovietic autorizat, participant la mișcarea psihotehnică Solomon Gellerstein.
Lucrări din celebra serie „Signal System” de Yuri Zlotnikov, dintre care unele au ajuns în colecția Centrului Georges Pompidou, au devenit centrul semantic și emoțional al expoziției de la MAMM.
Abstracțiile lui Yuri Zlotnikov au avut o influență imensă asupra dezvoltării artei contemporane rusești în a doua jumătate a secolului al XX-lea. Artistul, care a lucrat până în ultimele zile ale vieții sale, și-a menținut mereu prospețimea percepției și „respirația ușoară”. „Semnale” și alte lucrări ale lui Yuri Zlotnikov sunt capabile să „încarce” cu un impuls creativ atât un spectator pregătit, cât și cei care le văd pentru prima dată.
Expoziția lui Yuri Zlotnikov continuă seria de expoziții de artă contemporană rusă pe care muzeul nostru le organizează în colaborare cu colecționari privați. În 2013, a avut loc o expoziție a lui Oscar Rabin „Grafica din anii 1950-1960” din colecțiile lui Alexander Kronik și Fundația Familiei Tsukanov; în 2014, a fost prezentată o expoziție în memoria lui Vladimir Yakovlev „Există o viziune ca un vis...” din colecțiile lui Alexander Kronik și Leonid Ogarev; în 2015 - expoziția „Puzzle-ul lui Pierre Brochet”.
În 2017, anul aniversar, ne propunem să continuăm acest program.

Seara târziu, rătăcind între Strada Myasnitskaya și Strada Milyutinsky, m-am plictisit. Moscova noaptea părea incredibil de gri și plictisitoare pentru un oraș plin de lumini de neon. Am întors colțul următor și... am rămas înrădăcinat la fața locului de surprindere: din spatele unei vitrine late, o multitudine de lumini din paleta neglijentă a cuiva s-au împroșcat peste mine ca sucul unei rodii coapte. Pentru o clipă am decis că aceste zeci, sute, mii de lovituri și linii subțiri, izbitoare în dezordinea și diversitatea lor, ardeau doar pentru mine. Nu-mi amintesc cum am ajuns lângă unul dintre tablouri, fascinat de strălucirea lui albastră și rubin...

Cu toate acestea, înainte de a avea timp să-mi revin în fire, un „om în negru” a apărut și m-a escortat cu grijă afară, spunând ceva despre „invitații” și „expoziție privată”. Exact așa s-a întâmplat prima mea cunoștință cu creativitatea. Iuri Zlotnikov, unul dintre cei mai remarcabili artiști ruși ai celei de-a doua jumătate a secolului XX și un moștenitor direct al „tradițiilor” și.

Yuri Savelyevich Zlotnikov este primul abstracționist al perioadei „Dezgheț”, pe a cărui operă, ca pe o bază solidă, încă se sprijină arta rusă modernă. În 1950, a absolvit școala de artă la Academia de Arte, după care a intrat în înotul liber fără a primi studii superioare. Cu toate acestea, intrarea sa în artă a fost izbitoare și convingătoare: faimoasa sa serie Signals, lansată publicului la sfârșitul anilor 1950, a reintrodus tendința în tradițiile abstracției geometrice europene.

Conform convingerii personale a lui Zlotnikov, arta este un model literal al vieții noastre interioare. El credea că prin artă ne realizăm activitatea mentală, prin urmare, în timp ce lucra la seria „Semnale”, a încercat să creeze obiecte care să producă un efect asupra privitorului la nivel corporal. Arta, așa cum spune, prinde „semnale” experiențelor tactile și senzoriale și le transformă în simboluri și figuri geometrice elementare. La prima vedere asupra seriei de lucrări „Semnale”, se poate simți interesul aproape nesănătos al autorului pentru științele exacte. Potrivit lui Zlotnikov, atunci când și-a creat propria direcție, propriul său limbaj în pictură, el „a comunicat mult mai mult cu psihologii, matematicienii, logicienii decât cu artiștii”. Și a înțeles matematica „artistic”, văzând estetica în formule și teorii, văzând o legătură clară între lumea rațională a ciberneticii și lumea irațională a artelor plastice.

Dar Yuri Zlotnikov a arătat o viziune atât de radicală asupra realității înconjurătoare nu numai în abstract. Nu mai puțin faimoasă este seria sa de autoportrete, care nu au analogi în pictura rusă din acea perioadă. Ca un fulger din senin, ea a izbucnit în lumea artei și a scris numele autoarei în istorie, lovindu-i pe toată lumea cu îndrăzneala ei excepțională. Încălcând tot felul de tabuuri cu privire la subiectul imaginii și la modul de interpretare, Yuri Zlotnikov, cu toată onestitatea și franchețea, s-a demonstrat complet gol în fața societății. „Eul” creativ al artistului a apărut în aceste lucrări, pe de o parte, cu toată încrederea și independența, pe de altă parte, imperfecțiunea și lipsa de apărare față de „privirile de judecată” și opiniile mulțimii.

Asemănarea dintre autoportrete și „Semnale” este ușor de observat, manifestată nu numai în serialul lucrărilor și motivelor și haosul liniilor și petelor, ci și, cel mai important, în abordarea de cercetare a conceptului însuși al lucrărilor, predominanța analizei creative asupra expresiei și emoțiilor. Este imposibil să nu acordați atenție stilului de pictură în cele din urmă format al lui Zlotnikov: fiecare lucrare este o rapiditate și puterea loviturilor, o paletă de culori nebună și grosimea stratului de vopsea.

La mijlocul anilor 1960, în opera lui Zlotnikov a apărut o nouă serie de lucrări „metaforice”, care a durat până la sfârșitul anilor 1980 și i-a uimit pe contemporani cu complexitatea sa inimaginabilă a compoziției, unde domneau multiple forme vii neliniare. Fiecare pânză este un amestec de ordine și haos, imprevizibilitate și soartă, geometrie și poezie, om și lumea din jur, cea mai mică particulă și întregul Univers. „Calitatea metaforică” a lucrărilor se manifestă, în primul rând, într-un nou limbaj expresiv bazat pe principiile formării asociative. Yuri Zlotnikov și-a recreat propriul limbaj, propriul mod de a vedea lumea din jurul său: prin multe siluete, linii, puncte și lovituri care sar și aleargă, se ciocnesc și se diverg, se suprapun și se suprapun.

De menționat că în aceste lucrări se resimte și interesul autorului pentru posibilitatea influenței picturii asupra gândirii umane.

Până în ultimii ani ai vieții, Yuri Zlotnikov și-a menținut un ritm frenetic și o pasiune în munca sa. Când vârsta și experiența le-au sugerat celorlalți pacea și liniștea, era ca și cum nu s-a oprit nici un minut, căutându-se constant și extinzându-și propriile capacități, experimentând cu forma și conținutul. Ca și în anii săi de școală, Zlotnikov s-a dezvoltat nu numai în cadrul unei anumite paradigme creative, ci și dincolo de aceasta.

Nu cu mult timp în urmă, abilitățile sale artistice au fost testate cu succes de arhitectură și design industrial: Zlotnikov a proiectat panouri în Golden Apple Hotel din centrul Moscovei, a realizat un proiect de design pentru o școală pentru un studio de arhitectură și, de asemenea, a creat concepte pentru proiectarea sediul fabricii. În plus, artistul a găsit o formă de expresie extrem de modernă și relevantă pentru lumea picturii: a devenit interesat de tipărirea pe pânză și a creat afișe expresive care i-au permis să combine din nou în limitele unei singure lucrări lumea rece a științei și puterea vie a artei.