Pictura rusă din secolul al XX-lea: principalele tendințe. Arte plastice rusești din secolul al XX-lea Concept de îmbrăcăminte nou și unisex
Secolul XX: de la avangardă la postmodernism. "Title =" (! LANG: Pictura rusă 20 secol: de la avangardă la postmodernism.">!}
Secolul al XX-lea este o perioadă de răsturnări de situații, o perioadă nebună de epoci. Pare imposibil să ai timp să lași o singură lovitură de perie, dar nu ... La fel ca înainte, direcțiile picturii au devenit la modă și au dispărut în uitare.
Începutul secolului este căutarea de noi forme și idei. Avangarda, supermodernismul, abstractizarea, realismul socialist apar, se dezvoltă și dispar. Natura intră în interiorul camerei, iar natura moartă intră în planificator. 20
secolul - acesta este timpul lui Boris Kustodiev, Kazimir Malevich, Konstantin Yuon, Fyodor Reshetnikov.
Deci, avangarda rusă. Un început.
Însuși termenul „avangardă” înseamnă avansat, inovator, rupând toate legăturile cu trecutul. Avangarda rusă în 20
secolul este o generalizare a tendințelor radicale în artă. Apoi a avut nume și direcții diferite: futurism, modernism, artă nouă sau de stânga, abstracționism, constructivism, supermatism. Revolta în artă a început după prima revoluție rusă, cu ani înainte de război 1914
- înflorire treptată și maturitate - primul deceniu după revoluție.
Avangarda rusească este unită de următoarele caracteristici:
· Respingere completă, cardinală a trecutului cultural;
· Combinarea a două principii: distructivă și creativă. Agresivitate, revoluție, dorința de a sparge ideile vechi despre valorile artistice, despre imaginea lumii, o persoană și energia creativă exuberantă, dorința de a crea ceva nou nu numai în pictură - în toate sferele vieții.
Vorbind despre avangardă, merită menționat Wassily Kandinsky. În opera sa, începutul 20
secole - aceasta este antichitatea, o combinație de modernitate rusă, germană și câteva amprente populare populare rusești („Viața colorată”, „Cântecul Volgei”). În timpul războiului și al anilor revoluționari, Kandinsky creează picturi de diferite stiluri. Puțin mai târziu - „White Oval” (1920) - o pânză simbolic-abstractă, în care ovalul seamănă vag cu o inimă plină de figuri abstracte, unde axa iese în evidență. Scrie peisaje destul de realiste - „Moscova. Piața Zubovskaya "(1916) și peisaje, oarecum departe de realitate -" Moscova. Piața Roșie "(1916).
Printre tendințele avangardiste se remarcă supermatismul și reprezentantul și teoreticianul său ambiguu, Kazimir Malevich. Ce înseamnă supermatism? În definiția lui Malevich, supermatismul este etapa finală a artei, non-obiectivitatea, o abatere de la non-artistic. Și a folosit mai întâi termenul în legătură cu pânzele cu abstracții geometrice („Crucea Neagră”, „Pătratul Negru” pe fond alb). Deci, numele a fost atribuit unor astfel de picturi, deși artistul a desemnat forme mai specifice cu supematism, de exemplu, picturi cu figuri umane.
Revoluția a avut loc. Avangarda a trecut prin ani de revoltă și a ajuns la un declin și în pictura rusă 20
secol, a început o nouă etapă. Noua estetică a artelor vizuale trebuie să prindă rădăcini în viața profesională viitoare. Și acest stil purta numele corespunzător numelui noii ere - realismul socialist. A apărut nu în rândul artiștilor, ci în rândul politicienilor.
„Înfățișarea veridică a realității”, așa cum cerea partidul, urma să fie ajutată de o orientare către tradițiile picturii academice. Stilul avea propriile sale caracteristici:
• eroismul luptătorilor pentru revoluție, lideri, figuri proeminente, cei care au condus masele poporului;
· Realismul a presupus necesitatea de a reproduce un eveniment pe pânză în conformitate cu un eveniment specific din istoria revoluției;
• eroi - muncitori și țărani;
· Nu există adevărul autorului - există adevărul petrecerii, iar artistul trebuie să-l afirme, revoluția, lupta, moartea oamenilor - aceasta este calea către un viitor mai luminos.
Dar nu se poate argumenta că realismul socialist nu îndeplinea cerințele vremii. Da, a existat control, presiune ideologică, economică, campanii politice și culturale. Este dificil pentru avangardă să-și mențină poziția într-o societate totalitară. Atât compoziția publicului, cât și compoziția artiștilor s-au schimbat. Sarcinile dificile, cum ar fi industrializarea, au necesitat un efort uriaș. Și ar putea fi extrase din artă, ceea ce arăta: o persoană obișnuită poate face multe, este un erou al timpului său.
Astfel, au existat două tendințe principale în realismul socialist. Înțelesul primului a fost exagerarea, generalizarea - evenimente istorice la scară largă, eroi, personalități, lideri - primele persoane ale noului stat. Centrul celui de-al doilea este viața de zi cu zi a unei persoane obișnuite.
Dezghețul a adus schimbări și picturii. Mitologia primăverii „dezghețului” este transferată în perioada de glorie a omului, în copilărie și adolescență. Dar tineretul nu este acum frumusețea forței fizice, nu este mândru de participarea la lupta persoanei și a dezvoltat figuri atletice. Aceștia sunt copii și adolescenți din oraș, ferestrele deschise spre soare.
Dar „dezghețul” s-a încheiat, iar „stilul sever” a ajuns la pictura rusă. Se opune nu numai artei artistice a „dezghețului”, ci și realismului socialist timpuriu, respingând viziunea artistică din trecut ca „minciună”.
· „Stil sever” - lipsit de iluzii, adevăr nemilos, în care nu există loc pentru neglijență infantilă. Soarele și natura au dispărut din tablouri, nu există loc în viață pentru bucurii simple - doar munca.
· Eroismul în prezentarea acestui stil nu este forța fizică a unei persoane și o poziție frumoasă. Aceasta este o tensiune internă, un efort pe care privitorul nu îl vede, vede doar calm, izolare. Puterea corpului este înlocuită de puterea voinței („The Builders of Bratsk” de VE Popkov, „Polar explorers”, „St. John’s Hunters” de A. Smolin și P. Smolin).
Cine devine eroul 20
secol? O persoană fără vârstă, sex, aspect, nu are statut social, viața nu este împărțită în privat și public. Acesta este un om „pe pământul gol” - într-o lume pe care nu a creat-o încă, dar trebuie să o creeze.
· Munca nu este o bucurie, nu o aspirație, nu o nevoie de creație. Aceasta este o vocație, cucerire, supunere față de sine a naturii. Eroii nu sunt luptători pentru o lume nouă, ci muncitori ai petrolului și geologi, constructori de baraje.
Cercul este închis și până la sfârșitul secolului pictura rusă 20
secol în 90-
Cu ani înapoi la modernitatea reînnoită - postmodernism. Pictura devine fotografică - practic nu există diferențe între copie și original. Și, în același timp, este schematică, caricatură. Formarea stilului este încă în desfășurare, este prea devreme pentru a spune ce forme vor ieși în prim plan.
ARTA RUSĂ A SFÂRȘITULUIXIX--ÎNCEPUTXxSECOL
Sfârșitul secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea reprezintă o eră, un punct de cotitură în toate sferele vieții sociale și spirituale. Rusia se îndrepta spre revoluție. „Trecem prin vremuri tulburi”, scria V. I. Lenin în 1902, „când istoria Rusiei sare înainte cu salturi, fiecare an înseamnă uneori mai mult de decenii de perioade pașnice”. Cheia pentru înțelegerea relației dintre artă și realitatea istorică a acelor vremuri poate fi poziția formulată de V. I. Lenin în celebra serie de articole despre L. N. Tolstoi: ar fi trebuit să se reflecte în lucrările sale. "" Aceasta implică interpretarea lui Lenin a contradicțiilor lui Tolstoi. : clase și diferite straturi ale societății rusești în perioada postreformă, dar pre-revoluționară. " Această propunere leninistă conține un principiu metodologic general al explicației istorice a artei, care face posibilă extinderea celor spuse despre Tolstoi la domeniul creației artistice în ansamblu.
Cu toate acestea, această poziție nu ar trebui înțeleasă prea simplificată și să credem că în orice operă de artă luată separat se relevă direct semne ale unei crize a sistemului burghez sau ale influenței ideologiei proletare. Aceasta înseamnă doar că arta în ansamblu, în tendințele de bază ale procesului artistic, devine o expresie a contradicțiilor dezvoltării burgheze târzii, plină de izbucnire revoluționară și care propune proletariatul ca forță revoluționară principală. Gradul de profunzime și acutitate al acestor contradicții este deja de așa natură încât arta, și cu atât mai mult arta plastică, care se ocupă de lumea accesibilă viziunii externe, este impregnată treptat de conștiința imposibilității de a afișa un nou sentiment al vieții folosind metoda. a vechiului realism - metoda descrierii directe a realității în formele realității în sine. Primatul imaginilor și formelor artistice care exprimă indirect conținutul modernității asupra formelor afișării sale directe este principala trăsătură distinctivă a artei de la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea.
CULTURA LA LIMITA VÂRSTEI
Cronologic, această perioadă este situată între începutul anilor 90 și 1917. Este precedat de anii 1980 ca un deceniu de tranziție, când realismul din a doua jumătate a secolului al XIX-lea își atinge culmile. în lucrările lui Repin și Surikov și, în același timp, germenii unei noi arte de înțelegere sunt dezvăluite în primele lucrări ale artiștilor care și-au atins apogeul creativ în perioada următoare.
În contextul polarizării forțelor sociale în luptele de clasă în creștere, întrebările despre locul și rolul artei sunt ridicate din nou și revizuite. Cererea de democratizare a artei propusă de viață însăși, care a fost simțită acut de artiști înșiși, s-a confruntat cu tendința către un rafinament sofisticat al formei artistice care a caracterizat opera celor mai mari maeștri de atunci - Vrubel, Levitan, Serov. , Borisov-Musatov, și în special reprezentanți ai cercului World of Art - primul mare grup de artă după Itinerants.
După situația revoluționară din anii 60 și 70, a avut loc o reacție politică violentă în Rusia. Anii 80 au fost momentul crizei populismului revoluționar și platforma ideologică pe care s-a bazat estetica itineranților. Acest deceniu a fost, în același timp, în același timp, cea mai înaltă înflorire a realismului itinerant în lucrările lui Repin și Surikov și începutul crizei sale. Încep deja să fie privit de contemporani ca un fenomen care a supraviețuit apogeului său.
În 1894, cei mai mari reprezentanți ai Parteneriatului - Repin, Makovsky, Shishkin, Kuindzhi - au devenit membri ai profesorului academic.
Pateticul critic social al artei anterioare nu dispare, ci este transformat substanțial. Acesta ia forma afirmării idealurilor de armonie și frumusețe în deplină conștiință a naturii lor iluzorii, ostilitatea acestor idealuri eterne ale culturii față de ordinea mondială modernă, care a fost sursa sentimentelor pesimiste care au constituit una dintre trăsăturile importante ale climatul intelectual de la sfârșitul sec. Conștientizarea faptului că frumusețea nu este creată din materialele acestei lumi, ci apare numai datorită resurselor artistice proprii de talent și imaginație poetică, s-a manifestat în gravitația către povești de poveste, alegorice sau mitologice și în însăși structura formă artistică, care a tradus imaginile realității exterioare în câmpul reprezentărilor folclorice.amintiri din trecut sau presimțiri vagi ale viitorului.
Metoda analitică a realismului la mijlocul secolului al XIX-lea. devine învechit. Opoziția artei la proza relațiilor burgheze capătă nu atât o nuanță morală, etică și socială, cât una strict estetică: principalul rău pe care lumea burgheză îl aduce cu sine este indiferența față de frumusețe, o atrofiere a sentimentului de frumusețe . Misiunea umanistă a artistului se vede acum în promovarea acestui sentiment prin toate mijloacele disponibile artei. „Să mă trezesc ... din lucrurile mărunte ale vieții de zi cu zi cu imagini impunătoare ...” - așa a formulat această sarcină M. Vrubel. ”În forma sa cea mai consistentă, această problemă s-a rezumat la eliberarea din jugul utilitarului prozismul în această sferă cotidiană - sfera vieții de zi cu zi.
Sarcina de a apropia arta de viață a fost înțeleasă de artiștii de la mijlocul secolului și de Wanderers ca sarcina de a reflecta viața în artă, în timp ce arta însăși a rămas îngrădită de realitate de pereții muzeului. Artiști de la sfârșitul secolului al XIX-lea acceptați formula pentru apropierea artei de viață în sensul său direct - ca sarcină de a aduce arta în viață, transformând frumusețea lumii înconjurătoare.
O pictură, o lucrare sculpturală ar trebui să părăsească muzeul, să devină o parte integrantă a vieții de zi cu zi, împreună cu lucrurile și arhitectura de zi cu zi care alcătuiesc mediul unei persoane. Dar pentru aceasta, o operă de artă chiar în țesătura sa, în configurațiile formelor și culorilor, trebuie să fie în ton cu mediul înconjurător, să alcătuiască un singur ansamblu cu ea. Această unitate este asigurată de stilul care conferă legea conturării, pătrunzând întregul domeniu al artelor spațiale, stilul spre crearea căruia au fost direcționate eforturile artiștilor de la sfârșitul secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea. În Rusia, a primit numele stilului Art Nouveau.
Revoluția din 1905-1907 a făcut schimbări profunde în conștiința artistică a perioadei luate în considerare, care, în cuvintele lui V. I. Lenin, „este o revoluție a întregului popor” 2. Desigur, aceste schimbări în conștiința artistică nu s-au dezvăluit imediat, iar direcția lor a fost determinată de întregul curs al dezvoltării anterioare a artei rusești. Punctul de cotitură al epocii luate în considerare a fost exprimat în artă în conflictul intern de dezvoltare, în relațiile de polemici explicite sau ascunse între grupuri artistice individuale, înlocuindu-se reciproc în diversitatea caleidoscopică, în viteza crescândă treptat a evoluției artistice, mai ales după 1910. viața expozițională activă, precum și o creștere a numărului de publicații periodice și alte tipuri de publicații, dedicate în mod special problemelor de artă plastică, în special contemporane - rusești și vest-europene.
Un rol important în acest proces a aparținut grupului de artiști „Lumea artei”, care și-au organizat propriile expoziții și spectacole retrospective de artă rusă din secolul al XVIII-lea, au publicat timp de șase ani o revistă cu același nume, care a fost extrem de populară atât în rândul artiștilor, cât și în cercurile largi de tineri, inteligența ... Prin atragerea unor maeștri din Europa de Vest să participe la expozițiile sale, World of Art a contribuit la extinderea contactelor dintre arta rusă și arta străină contemporană. Devine obișnuit ca tinerii artiști ruși să studieze în școli și studiouri private europene. Activitățile „Lumii artei”, al cărei centru era Sankt Petersburg, au stimulat procesul de consolidare a forțelor artistice din Moscova, care a dus la apariția în 1903 a unei noi asociații artistice - „Uniunea artiștilor ruși” . În general, autodeterminarea școlii de pictură din Moscova în raport cu direcția „lumea artei” din Sankt Petersburg, cu cultul său al graficii, ar trebui remarcată ca un factor esențial în dezvoltarea artei în perioada luată în considerare.
O altă caracteristică importantă a acestei perioade este alinierea dezvoltării neuniforme anterioare a anumitor tipuri de artă: alături de pictură, arhitectură, artă decorativă și aplicată, devin grafice de carte, sculptură și decoruri teatrale. Hegemonia picturii de șevalet, care distinge arta de la mijlocul secolului, devine un lucru din trecut. În condițiile în care sferele de aplicare a artelor plastice se extind enorm, apare un nou tip de artist universal care „știe să facă totul” - să picteze un tablou și un panou decorativ, să facă o vinietă pentru o carte și o pictură monumentală, să sculpteze o sculptură și să compună un costum teatral. Lucrările lui M. Vrubel, artiștii Lumii artei, sunt marcate de trăsăturile unui astfel de universalism.
Cultul universalismului artistic a domnit în cercul artiștilor, grupați în jurul industriei și filantropului S. I. Mamontov. Înființat în 1872 și având „reședința” lângă Moscova Abramtsevo, cercul a devenit un fel de forjă de idei și forme ale noii arte rusești. Activitățile cercului dobândesc treptat o orientare spre artele teatrale, decorative și aplicate, și revigorarea artei populare. Meșteșugurile sunt colectate, motivele folclorice sunt studiate în arta plastică - în imprimare populară, broderii, jucării, sculpturi din lemn.
Agenția Federală pentru Educație
Instituție de învățământ de stat de învățământ profesional superior "Ural State Economic University"
Centrul de Educație la Distanță
Test
după disciplină: " Culturologie"
pe subiect:" Arta rusă a secolului XX"
Executor testamentar:
grup de studenți: UZ-09 SR
Kobyakova Natalia
Orașul Ekaterinburg
2009
Introducere
1. Arta rusă a secolului XX
3. Realismul în artele vizuale și literatura din prima jumătate a secolului XX: un nou limbaj, structură artistic-figurativă a picturii realiste
4. Formarea culturii epocii sovietice. Realizări și dificultăți în dezvoltarea artei în condițiile totalitarismului
5. Fenomenul subteranului. Arta sovietică 50-80 de ani
6. Dezvoltarea culturală a noii Rusii în perioada post-sovietică
Concluzie
Lista literaturii folosite
Introducere
Cultura este unul dintre cele mai importante domenii ale vieții sociale. În conceptul de „cultură”, o persoană și activitatea sa acționează ca o bază sintetizatoare, întrucât cultura însăși este o creație a unei persoane, rezultatul eforturilor sale creative. Dar în cultura umană nu este doar o actorie, ci și o ființă în schimbare.
Din aceste motive, conversația despre arta secolului XX ar trebui să înceapă cu câteva premise pe baza cărora s-ar putea considera în continuare arta însăși. În acest caz, a fost cel mai corect să acceptăm următoarea teză ca premisă inițială: arta secolului al XX-lea este un punct de cotitură și nu doar o perioadă veche sau doar o nouă din istoria sa. Această artă este o criză în sensul original, dicționar al cuvântului, exprimând cea mai mare tensiune a momentului de cotitură. În arta secolului al XX-lea, legile inerente precis și exclusiv la un moment de cotitură guvernează cu o forță extraordinară și în mare măsură decisivă. Fiecare dintre erele critice se caracterizează prin specificul propriu al aspectelor istoriei artei și ale relației lor.
Lucrarea de control va lua în considerare soarta tragică a culturii rusești din secolul al XX-lea, împărțirea ei în casă și emigru, fenomenul avangardei rusești în istoria culturii artistice de la începutul secolului al XX-lea, principalele sale tendințe, concepte și reprezentanți; realismul în arte plastice și literatură din prima jumătate a secolului XX; formarea culturii epocii sovietice. Realizări și dificultăți în dezvoltarea artei în condițiile totalitarismului; fenomen subteran; dezvoltarea culturală a Rusiei noi în perioada post-sovietică.
1. Arta rusă a secolului XX
1.1 Soarta tragică a culturii rusești din secolul al XX-lea, împărțirea ei în casă și emigru
Tragedia destinului culturii rusești în secolul al XX-lea, împărțirea ei în cultura internă și emigrană a fost determinată în mare măsură de următorii factori: problema analfabetismului (în 1926, 43% dintre persoanele cu vârste cuprinse între 9-49 de ani și majoritatea celor mai în vârstă) vârstele erau analfabeți), sistemul de învățământ secundar specializat și superior a început să se dezvolte rate rapide, sau mai bine zis accelerate. În general, „accelerarea” ca caracteristică a relațiilor sociale a început să se manifeste tot mai des.
Dezvoltarea științei sovietice a fost împiedicată de atmosfera opresivă a unui stat totalitar, care a fost în special îngroșat la sfârșitul anilor 1930. Științele sociale au fost plasate sub un control strict al partidului. Dorința conducerii partidului de a asigura adunarea spirituală a oamenilor în jurul sarcinilor de modernizare a societății într-o bază materială extrem de slabă a dus la o creștere a factorului ideologic. Una dintre direcțiile propagandei a fost apelul la tradițiile naționale. În acest sens, rolul educației istorice, al cercetării istorice, care au fost orientate în direcția corectă, este în creștere.
O situație și mai tragică se dezvolta în domeniul literaturii și al artei. În aprilie 1932, Comitetul central al Partidului Comunist al Uniunii a adoptat o rezoluție „Despre restructurarea organizațiilor literare și artistice”, care a eliminat globalismul relativ al perioadei NEP în domeniul creației artistice. Numeroase grupuri literare au fost înlocuite de o singură Uniune a Scriitorilor Sovietici (primul Congres al Uniunii al Scriitorilor Sovietici a avut loc în 1934). Din acel moment, partidul a încercat să conducă toată diversitatea creativității artistice în plaja „realismului socialist”. Represiunile din anii 30 au afectat și scriitori, în primul rând ideologii Rapp (L. Averbakh, V. Kirshon, G. Gorbaciov etc.), din peste cincizeci de scriitori care au aparținut unor grupuri literare care au supraviețuit prin anii 30, trei au fost reprimați - Mandelstam, Tretyakov, Babel. Și scriitori precum Klyuev, Klychkov, Kasatkin, Pribludny, Vasiliev, Karpov au murit, cu excepția acestuia din urmă.
Astfel de acțiuni ale regimului și ale atmosferei create de acesta au provocat un val de emigrație. Și, în consecință, apariția unei culturi a emigranților. Durerea și suferința culturii rusești a emigrației pot fi văzute pe căile creative ale lui Soljenitsin, Khlebnikov, fizicianul Gamow, filosofii Bulgakov, Berdyaev, Trubetskov și alții. În cadrul curentului dominant al „realismului socialist”, sunt create lucrări de alt tip. În literatură precum „Inima unui câine”, „Maestrul și Margarita” de Bulgakov, poezii de Mayakovsky și Blok, romane și povești de Gorki, Ilf și Petrov. Lucrările multor scriitori de science fiction se remarcă prin strălucirea lor, poeziile lui Zabolotsky, Akhmatova, Tsvetaeva, Gumilyov, filme ale regizorilor Eisenstein, Pudovkin, Dovzhenko și alții [Ibid, 92].
2. Avangarda rusă ca fenomen în istoria culturii artistice de la începutul secolului XX
Avangarda este un nume convențional pentru mișcările artistice care au unit mentalitățile artiștilor din secolul al XX-lea, care se caracterizează prin dorința unei reînnoiri radicale a practicii artistice, o rupere cu principiile și tradițiile sale stabilite, căutarea de noi, neobișnuite. în conținut, mijloace de exprimare și forme ale operelor, relația artiștilor cu viața. Trăsăturile avangardismului din secolul al XX-lea s-au manifestat într-o serie de școli și tendințe ale modernismului, care s-au dezvoltat intens în perioada 1905-30. (fauvismul, cubismul, futurismul, expresionismul, dadaismul, suprarealismul, arta abstractă, o serie de tendințe raționaliste în modernism etc.). De fapt, a fost o mișcare care a făcut o lovitură de stat, dar în anii 30 se estompează ca o tendință populară. Abia după al doilea război mondial 1939-45 în arta unui număr de țări occidentale. Europa și Lat. În America, odată cu întărirea pozițiilor artei „angajate” realist, există o renaștere a tendințelor avangardiste. A apărut neo-avangardismul, care acum se încadrează complet în cadrul modernismului.
Reprezentanții principali ai acestei tendințe în Rusia sunt V. Malevich, V. Kandinsky, M. Larionov, M. Matyushin, V. Tatlin, P. Kuznetsov, G. Yakulov, A. Exter, B. Ender și alții.
2.1 Principalele tendințe ale avangardei rusești. Concepte artistice și reprezentanți
Principalele direcții ale avangardei includ fauvismul, cubismul, arta abstractă, suprematismul, futurismul, dadaismul, expresionismul, constructivismul, pictura metafizică, suprarealismul, arta naivă, dodecafonia și aleatorica în muzică, poezia concretă, muzica concretă, arta cinetică, ca precum și astfel de figuri mari care nu aparțineau în general niciunei direcții indicate, cum ar fi Picasso, Chagall, Filonov, Klee, Matisse, Modigliani, Le Corbusier, Joyce, Proust, Kafka și alții. Doar o clasificare condițională este posibilă, în plus numai în funcție de parametrii individuali, a unui set pestriț de fenomene avangardiste, foarte diferite în multe privințe.
Abstracţionism. Principalii teoreticieni și practicanți au fost V. Kandinsky, P. Mondrian. Abstracționismul a refuzat să descrie forme ale realității percepute vizual, din izomorfism și s-a concentrat exclusiv pe proprietățile expresive, asociative, sinestezice ale culorii, pe formele de culoare abstractă neizomorfe și pe nenumăratele lor combinații. Primele lucrări abstracte au fost create în 1910 de Kandinsky. După înțelegerea lui Kandinsky, un artist este doar un mediator al spiritualului, un instrument cu care se materializează în forme artistice. Prin urmare, arta abstractă nu este o invenție a artiștilor contemporani, ci o formă istorică naturală de auto-exprimare a spiritualului, adecvată timpului său.
A doua direcție s-a dezvoltat de-a lungul drumului creării de noi tipuri de spațiu artistic prin combinarea a tot felul de forme geometrice, planuri colorate, combinații de linii drepte și întrerupte. Reprezentanții săi principali au fost Malevich din perioada suprematismului geometric. În acest sens, multe lucrări ale abstracționismului (în special lucrările lui Kandinsky, Malevich, M. Rothko, parțial Mondrian) pot servi ca obiecte de meditație și mediatori în alte practici spirituale. Nu întâmplător Malevich a simțit în lucrările sale o apropiere de icoana rusă, iar în spatele „Pătratului său Negru” s-a întărit reputația de „o icoană a secolului XX”. Denumirea, dată inițial cu o conotație ironică și disprețuitoare, a exprimat bine esența acestui fenomen.
Suprematismul este unul dintre domeniile picturii abstracte create la mijlocul anilor 1910. K. Malevich. Scopul este exprimarea realității în forme simple (linie, pătrat, triunghi, cerc) care stau la baza tuturor celorlalte forme ale lumii fizice. Celebrul tablou de Malevich „Piața Neagră” (1915) a devenit manifestul pictural al suprematismului.
Constructivismul. O tendință care a apărut în Rusia (din 1913-14) în rândul artiștilor și arhitecților orientați materialistic sub influența directă a progresului tehnic și a sentimentelor democratice ale comunității revoluționare. Fondatorul este artistul V. Tatlin, principalii reprezentanți în Rusia sunt A. Rodchenko, L. Popov, V. Stepanova, frații Stenberg, teoreticienii N. Puni, B. Arvatov, A. Gan; în Occident - Le Corbusier, A. Ozanfan, T. Van Doosburg, V. Gropius, L. Mogoli-Nagy.
La începutul secolului, a apărut un stil care a afectat toate formele plastice de artă, începând, în primul rând, cu arhitectura (în care eclecticismul a dominat mult timp) și terminând cu grafica, care a primit numele stilului modern... Art Nouveau este o nouă etapă în sinteza arhitecturii, picturii, artelor decorative. Art Nouveau s-a manifestat în felul următor: în sculptură - fluiditatea formelor, expresivitatea specială a siluetei, dinamismul compozițiilor; în pictură - simbolism al imaginilor, dependență de alte legende.
Apariția modernității nu a însemnat că ideile mișcării itinerante au murit până la sfârșitul secolului. În anii 90, pictura de gen se dezvoltă, dar se dezvoltă oarecum diferit decât în re-mișcarea „clasică” a anilor 70-80. Unul dintre cei mai mari artiști, un inovator al picturii rusești la începutul secolului a fost Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911).... Serov scrie deseori reprezentanți ai inteligenței artistice: scriitori, artiști, artiști. Dar o temă specială în opera lui Serov este cea țărănească. În genul său țărănesc nu există o acuitate socială itinerantă, dar există un sentiment al frumuseții și armoniei vieții țărănești, admirație pentru frumusețea sănătoasă a poporului rus.
Mod creativ Mihail Alexandrovici Vrubel (1856-1910) a fost mai direct, deși neobișnuit de complex. În anii 90, când artistul s-a stabilit la Moscova, s-a dezvoltat stilul de scriere al lui Vrubel, plin de mister și putere aproape demonică. Combinațiile de culori nu reflectă realitatea relației de culoare, ci au o semnificație simbolică. Cu Vrubel intrăm într-un nou secol, era „Epocii Argintului”, ultima perioadă a culturii din Sankt Petersburg Rusia
Victor Elpidiforovici Borisov-Musatov (1870-1905)- un exponent direct al simbolismului pictural și unul dintre primii retrospecționiști în artele vizuale ale graniței cu Rusia. Lucrările sale sunt tristețe elegiacă pentru vechile „cuiburi nobile” goale și „livezi de vișini” pe moarte, pentru femei frumoase, spiritualizate, aproape nepământene, îmbrăcate în niște costume atemporale care nu poartă semne externe de timp și loc. Borisov-Musatov cu artiști ai „Lumii artei”- o organizație care a luat naștere la Sankt Petersburg în 1898 și a reunit maeștrii celei mai înalte culturi artistice, elita artistică a Rusiei din acei ani. Personalitatea lui Diaghilev, un filantrop și organizator de expoziții și ulterior impresar de turnee de balet și operă rusești în străinătate, a avut o mare importanță pentru formarea acestei asociații. Când în martie 1903 a fost închisă ultima, a cincea expoziție „Lumea artei”, în decembrie 1904 a fost publicat ultimul număr al revistei „Lumea artei”, majoritatea artiștilor s-au mutat în „Uniunea artiștilor ruși” organizată pe baza expoziției de la Moscova „36” ... În 1910, s-a încercat inspirarea „Lumii artei” (condusă de Roerich).
În 1903, după cum sa menționat deja, a apărut una dintre cele mai mari asociații expoziționale de la începutul secolului - „Uniunea artiștilor ruși”. Expozanții „Uniunii” erau artiști cu atitudini diferite: S. Ivanov, M. Nesterov, A. Arkhipov, frații Korovin, L. Pasternak. Afacerile organizatorice se ocupau de A.M. Vasnetsov, S.A. Vinogradov, V.V. Legatoare. Stâlpii mișcării lui V.M. Vasnetsov, Surikov, Polenov au fost membrii săi. K. Korovin a fost considerat liderul „Uniunii”.
În 1910, un număr de tineri artiști - P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, R. Falk, A. Kuprin, M. Larionov, N. Goncharova și alții - s-au unit în organizația „Jack of Diamonds», Care avea propriul statut, a organizat expoziții și și-a publicat propriile colecții de articole. „Jack of Diamonds” a existat de fapt până în 1917. La fel cum post-impresionismul, în primul rând Cezanne, a fost o „reacție la impresionism”, tot așa „Jack of Diamonds” s-a opus obscurității, intraductibil, nuanțe subtile ale limbajului simbolic al „ Trandafir albastru "și stilism estetic" Lumea artei ".
Simplificarea extremă a formei, legătura directă cu arta semnalizării se remarcă mai ales în M.F. Larionov (1881-1964), unul dintre fondatorii „Jack of Diamonds”, dar în 1911 a rupt cu el și a organizat noi expoziții: „Coada măgarului” și „Ținta”. Tema sa este viața de zi cu zi a unei străzi provinciale, cazarmă de soldați. În 1913 Larionov și-a publicat cartea „Luchism” - de fapt, primul dintre manifestele artei abstracte, ale căror adevărați creatori în Rusia erau V. Kandinsky și K. Malevich. M.Z. Chagall (1887–1985) a creat fantezii, transformate din impresiile plictisitoare ale vieții orașului Vitebsk și interpretate într-un spirit naiv-poetic și grotesc-simbolic.
Arta anilor pre-revoluționari din Rusia este marcată de complexitatea și contradicțiile extraordinare ale căutărilor artistice, de unde grupările succesive cu propriile setări de programe și simpatii stilistice. Dar, împreună cu experimentatorii din domeniul formelor abstracte din arta rusă din acest timp, atât „lumea artei”, cât și „goluborozovtsy”, „aliați”, artă „în„ a doua generație ” Z.E. Serebryakova (1884-1967).În cele din urmă, creativitatea Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin (1878–1939), un artist-gânditor care a devenit ulterior un cunoscut maestru al artei în perioada sovietică.
Era capitalismului industrial foarte dezvoltat a adus schimbări semnificative în arhitectură,în primul rând în arhitectura orașului. Apar noi tipuri de structuri arhitecturale: fabrici și uzine, gări, magazine, bănci; odată cu apariția cinematografului - cinematografe. Revoluția a fost făcută de noi materiale de construcție: beton armat și structuri metalice, care au făcut posibilă suprapunerea unor spații gigantice, realizarea unor vitrine uriașe și crearea unui model capricios de legături.
În ultimul deceniu al secolului al XIX-lea, a devenit clar pentru arhitecți că arhitectura ajunsese într-un punct mort în utilizarea stilurilor istorice din trecut; ei aveau nevoie, potrivit cercetătorilor, nu de o „rearanjare” a stilurilor istorice, ci de o înțelegerea creativă a noului care se acumula în mediul unui oraș capitalist în creștere rapidă. Ultimii ani ai secolului XIX - începutul secolului XX. - acesta este momentul dominării modernității în Rusia, un exemplu izbitor al cărui în Rusia era creativitatea F.O. Shekhtel(1859-1926). Case de apartamente, conace, clădiri ale companiilor comerciale și gări - în toate genurile au fost lăsate de F.O. Scrierea de mână a lui Shekhtel. În Art Nouveau, se poate urmări o anumită evoluție, două etape de dezvoltare: prima este decorativă, cu pasiune pentru ornament, sculptură decorativă și pitoresc (ceramică, mozaic, vitralii), a doua este mai constructivă, raționalistă.
Mihail Vrubel
Vrubel Mikhail Aleksandrovich (1856-1910), artist rus, cel mai mare reprezentant al simbolismului și al Art Nouveau în artele plastice rusești. Născut la Omsk la 5 martie (17) 1856. Vrubel a studiat la Academia de Arte din Sankt Petersburg (1880-1884) sub conducerea lui Pavel Petrovich Chistyakov; a luat lecții de acuarelă de la Ilya Efimovich Repin. Pictura Renașterii venețiene a avut o influență specială asupra lui Vrubel. Invitat să refacă Biserica Sfântul Chiril (secolul al XII-lea), Vrubel a trebuit, în mai multe cazuri, să interpreteze noi compoziții (în special, „Pogorârea Duhului Sfânt”, 1884); în același timp, artistul a pictat icoana „Maica Domnului și a Copilului” (Muzeul de Artă Rusă din Kiev). Splendoarea feerică a culorii lui Vrubel s-a manifestat pe deplin în pictura „Fată pe fundalul unui covor persan” (1886, ibid.). După ce s-a mutat la Moscova, Vrubel a devenit unul dintre cei mai activi membri ai grupului de artă al lui Savva Mamontov. Aici pictorul pictează câteva dintre cele mai bune picturi ale sale, lucrări în majolică - sculpturi Țarul Berendey, Lel, Volhova, toate în Galeria Tretyakov, Moscova, referindu-se la design, realizează schițe pentru o sobă ceramică, vaze, bănci (Muzeul din Abramtsevo) . „Stilul rusesc” al acestor lucruri își găsește expresia în scenografia sa, asociată operei private private din Moscova de Savva Ivanovici Mamontov, inclusiv în proiectarea lui Sadko (1897) și Poveștile țarului Saltan (1900) de Nikolai Andreevici Rimsky-Korsakov . Talentul de decorator al lui Vrubel se manifestă și în imensul său panou „Visele prințesei”, comandat pentru Târgul de la Nijni Novgorod (1896, Galeria Tretiakov).
Demon, 1890, Zborul lui Faust și Mefistofel, 1896, Prințesa lebedei, 1900, Serafim Azrael cu șase aripi, Pan 189
Atmosfera unui basm, caracteristică picturilor „Pan” (1899), „Prințesa lebedei”, „Către noaptea”, „Liliacul” (tot 1900), tragedia atinge punctul culminant în acele imagini Vrubel care se întorc înapoi la ilustrațiile sale la poezia lui Lermontov „Demon” (acuarelă, var, 1890-1891, Galeria Tretiakov și Muzeul Rus, Sankt Petersburg), - în picturile „Demon” (1890) și „Demon înfrânt” (1902; ambele lucrări - Galeria Tretiakov).
În 1902, Vrubel a fost lovit de o boală mintală gravă, dar în perioada sa ulterioară (petrecută în special în clinicile private din Moscova și Sankt Petersburg) a creat numeroase opere marcate de o abilitate rafinată („Pearl”, 1904; Portretul lui Valery Yakovlevich Bryusov , 1906), - lucrări de tranziție de la Art Nouveau la avangardă. În 1906, artistul a orbit. Vrubel a murit la Sankt Petersburg la 1 aprilie (14) 1910. Influența artei sale a fost universală: într-un grad sau altul, aproape toți maeștrii majori ai artei rusești din secolul XX au experimentat-o.
42 „Lumea artei” - un fenomen semnificativ în viața artistică rusă de la sfârșitul secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea, care a jucat un rol important în dezvoltarea nu numai a artelor plastice din Rusia, ci și a teatrului, muzicii, arhitecturii și artelor aplicate.
Leagănul „Lumii artei” a fost un cerc al inteligenței din Petersburg, care a apărut în anii 1890. A inclus artiștii A. N. Benois, K. A. Somov, L. S. Bakst. Până la sfârșitul acestui deceniu, „Lumea artei” a luat forma ca asociație ideologică și artistică. A participat V. A. Serov, care l-a susținut cu autoritatea sa. EE Lansere și MV Dobuzhinsky s-au alăturat nucleului grupului tânăr. Un mare rol organizatoric l-a avut S.P.Dyagilev, dedicat intereselor artei. Din 1899 până în 1904, figurile din „Lumea artei” au publicat o revistă literară și de artă. Cu toate acestea, nu era uniformă în focalizarea sa. Departamentul său de artă, condus de maeștri remarcabili ai artelor vizuale, s-a deosebit brusc de cel literar-filosofic, care avea un caracter simbolist-religios.
Lumea artiștilor a considerat că obiectivul lor principal este reînnoirea artei rusești, îmbunătățirea culturii sale artistice, abilitățile și familiarizarea largă cu tradițiile patrimoniului străin și intern. Artiștii Mir au organizat expoziții ample de artă internă și străină, au fost inițiatorii multor eforturi artistice. Apoi s-au declarat opozanți atât al academicismului de rutină, cât și al vieții meschine de zi cu zi a rătăcitorilor de mai târziu.
În practica lor creativă, Lumea artiștilor a pornit de la observații specifice ale vieții, descriind natura contemporană și omul. În primii ani ai vieții asociației, Lumea artiștilor a adus un omagiu individualismului. Mai târziu, în deceniul pre-revoluționar, și-au revizuit în mare măsură pozițiile estetice, recunoscând individualismul ca fiind distructiv pentru artă. În această perioadă, modernismul a devenit principalul lor inamic ideologic.
În două tipuri de artă, artiștii „Lumii artei” au obținut un succes deosebit de semnificativ: în teatru și decorativ, care le întruchipa visul armoniei artelor, despre sinteza lor și în grafică.
Grafica a atras lumea artei ca fiind una dintre formele de masă ale artei, au fost, de asemenea, impresionați de formele sale de cameră, răspândite în acei ani în multe tipuri de artă. În plus, grafica a cerut o atenție specială, deoarece acestea erau mult mai puțin dezvoltate decât pictura. În cele din urmă, realizările din industria tipografică internă au contribuit și la dezvoltarea graficii.
Peisajele din vechiul Petersburg și suburbiile sale, a căror frumusețe au slăvit artiștii, precum și portretul, care în opera lor a ocupat în esență un loc egal cu pitorescul, au devenit originalitatea graficei de șevalet din „Lumea artei”. A.P. Ostroumova-Lebedeva a adus o mare contribuție la grafica de la începutul secolului XX; în lucrarea ei gravura pe lemn este stabilită ca o formă de artă independentă. Opera romantică a lui V. D. Falileev, care a dezvoltat arta gravării pe linoleum, a fost deosebită. Cel mai semnificativ fenomen în domeniul gravării a fost opera lui V. A. Serov. S-au remarcat prin simplitatea, severitatea formei și priceperea excelentă în desen. Serov a împins, de asemenea, dezvoltarea litografiei înainte, creând o serie de portrete remarcabile în această tehnică, care se disting prin expresivitatea lor cu o economie uimitoare a mijloacelor artistice.
Maeștrii lumii artei au obținut un mare succes în domeniul ilustrării cărților, ridicând cultura artistică a cărții la un nivel înalt. Deosebit de semnificativ în acest sens este rolul lui A. N. Benois, E. E. Lansere, M. V. Dobuzhinsky. I. Ya. Bilibin, D. N. Kardovsky, G. I. Narbut, D. I. Mitrokhin, S. V. Chekhonin și alții au lucrat fructuos în grafica de carte.
Cele mai bune realizări ale artei grafice de la începutul secolului și, în primul rând, Lumea artei, conțineau condițiile prealabile pentru dezvoltarea largă a graficii sovietice.
Avangarda rusească
Primul pas timid spre arta avangardistă a fost făcut în 1907 de către artiști asociația „Trandafir albastru”- P. Kuznetsov, N. apunov, S. Sudeikin, M. Saryan, A. Fonvizin, N. Krymov. Stilul „Goluborozovtsy”, rafinat, poetic, strâns asociat cu estetica simbolismului, a fost creat cu accent pe neo-primitivism, care a influențat parțial dezvoltarea operei unor „titani” ai avangardei ruse ca M. Larionov, N. Goncharova sau K. Malevich.
Noua artă s-a declarat cu voce tare în 1910 la expoziția Jack of Diamonds, organizată la inițiativa lui Mihail Larionov. La ea au participat maeștri originali și foarte diferiți - Ilya Mashkov (1), Natalia Goncharova (2), Aristarkh Lentulov (3), Robert Falk și mulți alții. Toți au fost uniți de starea de „acțiune picturală areală”, dorința de a transmite atmosfera unui stand, un spectacol corect.
Stilul pictural al „diamantelor valet” a fost caracterizat printr-un amestec bizar de postimpresionism francez cu tradiții de pictură pictograme pur rusești și metode de artă populară (tipărire populară, tăvi și jucării de pictură, semne de magazin). Expoziția a fost un adevărat șoc pentru moscoviții respectabili și chiar pentru criticii de artă care au văzut deja multe. Cu toate acestea, organizatorii săi ar fi supărați dacă efectul ar fi diferit. La urma urmei, însăși alegerea numelui expoziției a devenit destul de șocantă: în jargonul străzii „cric de diamante” însemna „escroc”, „necinstit”, „persoană necinstită”.
Din păcate (sau din fericire pentru dezvoltarea ulterioară a avangardei), până în 1912, au început diferențele creative între membrii asociației. Larionov și Goncharova s-au separat de nucleul principal, în timp ce restul au anunțat crearea unui grup oficial sub numele „Jack of Diamonds”.În lucrarea lor, oamenii din Diamonds s-au bazat pe descoperirile lui Paul Cezanne, în special în domeniul culorii și al spațiului, prin urmare natura moartă și peisajul au devenit genurile lor preferate.
Larionov și Goncharova nu au aprobat o astfel de pasiune pentru arta franceză, crezând că foștii lor asociați apreciază prea mult maeștrii occidentali și acordă prea puțină atenție tradițiilor naționale. În 1912 au organizat o expoziție numită „Coada măgarului”- ca indiciu al situației care a apărut în „Salonul Independentului”, unde pânza pictată cu coada unui măgar a încercat să treacă ca o capodoperă a artei avangardiste. Larionov și Goncharova nu au abandonat complet utilizarea tehnicilor de pictură de către maeștrii europeni, ci le-au combinat cu realizările picturilor populare rusești și picturii cu icoane (4). O direcție integrală de pictură nu a ieșit din expoziție, dar sa dovedit a fi foarte semnificativă pentru dezvoltarea ulterioară a avangardei rusești. Intr-un an au organizat o altă expoziție, Target, la care au participat artiștii futuristi din Sankt Petersburg. Acolo Larionov și-a demonstrat primele lucrări „radiante” non-obiective.
De asemenea, viața artistică a Sankt Petersburgului nu a stat pe loc. În 1910, aici a apărut o asociație creativă „Uniunea Tineretului”, care nu a avut un program special și a unit reprezentanți ai diferitelor tendințe artistice (O. Rozanova, I. Klyun (6), N. Altman, A. Ekster, N. Udaltsova, M. Shagal). Spre deosebire de moscoviți, Petersburgii au fost mai mult influențați de cubiști și de futuristii italieni, iar versiunea rusă a futurismului s-a dovedit a fi mult mai bogată și mai interesantă decât au propus Marinetti și adepții săi. Combinând principiile acestor două direcții, și-au creat propriul stil pe baza lor - cubo-futurismul. Lucrarea principală a fost efectuată în perioada 1911-1915. Opera lui Olga Rozanova este deosebit de originală, în paralel cu Kandinsky și Malevich, care caută o cale spre abstractizare.
Supremus înseamnă suprem, excelent. Termenul, inventat de Malevich pentru o nouă direcție de pictură, trebuia să însemne superioritatea picturii noi asupra a tot ceea ce i-a venit înainte, victoria culorilor pure, eliberate de lumea lucrurilor.
În primii ani după Revoluția din octombrie, au apărut în țară numeroase universități și ateliere de artă, în care maeștrii avangardei au luat cea mai înflăcărată parte. Principalele instituții de învățământ au fost INKHUK (Institutul de Cultură Artistică) și VKHUTEMAS (Ateliere artistice și tehnice superioare), unde au predat figuri de frunte ale avangardei - Popova, Exter, Rodchenko, Malevich, Tatlin, Filonov.
Opera lui Filonov se deosebește în caleidoscopul pestriț al stilurilor și fenomenelor din primul deceniu al secolului al XX-lea. El deține onoarea de a crea o direcție specifică numită „Arta analitică” (8).În martie 1914, a început să adune în jurul său un grup de oameni care au aceleași idei, care au emis un manifest „Atelier intim de pictori și desenatori
Unitatea puterii și a artei nu a fost destinată să dureze mult. Deja în anii 1920, a început o „înșurubare a piulițelor” treptată. Din ce în ce mai mult, artiștii de avangardă au fost acuzați că s-au desprins de oameni, li s-a reproșat complexitatea și ingeniozitatea excesivă.
Până în 1932, non-amestecul fusese eliminat din atelierele de artă, iar doctrina „realismului socialist” a fost definitiv stabilită în artă.
Vasili Kandinsky
Kandinsky Wassily (1866-1944), artist rus și german, teoretician al artei și poet, unul dintre liderii avangardei din prima jumătate a secolului XX; a devenit unul dintre fondatorii artei abstracte. Născut la Moscova pe 22 noiembrie (4 decembrie) 1866. Înapoi în anii de gimnaziu, a început să se angajeze activ în muzică și pictură. Din 1885 Kandinsky a studiat dreptul la universitatea din Moscova, dar mai târziu a decis să se dedice artei. Din 1897 a locuit la München, unde a studiat la Academia de Arte locală sub conducerea lui Franz von Stuck. A călătorit mult în Europa și Africa de Nord (1903-1907), (tablouri „Viață colorată”, „Doamne în crinoline” și altele). În 1910, Kandinsky a creat primele improvizații picturale abstracte și a finalizat tratatul „Despre spiritualul în artă” (cartea a fost publicată în 1911 în limba germană).
Viață plină de culoare, Moscova 1
În 1914, Vasili Kandinsky s-a întors în Rusia, unde a locuit în principal la Moscova. ("Moscova. Piața Roșie", 1916, Galeria Tretiakov; "Tulburat", ibid; "Amurg", Muzeul Rusiei; "Oval gri", Galeria de artă, Ekaterinburg; toate lucrările - 1917). În 1918 Wassily Kandinsky și-a publicat cartea autobiografică Pașii. Cu toate acestea, neacceptând ideologia comunistă, a părăsit Rusia pentru totdeauna în 1921. Locuit în Germania. („În Piața Neagră”, 1923; „Mai multe cercuri”, 1926; ambele tablouri se află la Muzeul Guggenheim, New York). În 1924 maestrul, împreună cu Jawlensky, L. Feininger și P. Klee, au format o asociație Cele Patru Albastre amenajarea de expoziții comune cu aceștia. Odată cu începerea ocupației germane (1939), s-a întors la Paris, unde a continuat să lucreze activ, inclusiv la proiectul unui balet de film de comedie, pe care intenționa să îl creeze împreună cu compozitorul Hartmann. Kandinsky a murit la Neuilly- sur-Seine la 13 decembrie 1944.
Pavel Filonov
s-a născut la Moscova. Orfan de timpuriu, s-a mutat la Sankt Petersburg, unde a luat lecții de pictură. Din 1908 Pavel Filonov a studiat la Academia de Arte, de unde a fost expulzat în 1910. În 1911. a contactat Uniunea Tinerilor și a participat la expozițiile lor. Anul următor a călătorit în Italia și Franța.
Primele lucrări semnificative ale lui Filonov, scrise de obicei în tehnică mixtă pe hârtie (Bărbat și femeie, Sărbătoarea Regilor, Răsărit și Apus, Vest și Răsărit; toate lucrările - 1912–1913, Muzeul Rus, Sankt Petersburg), se învecinează strâns cu simbolismul și Art Nouveau. A conceput decorul scenic pentru tragedia lui Vladimir Mayakovsky „Vladimir Mayakovsky”. picturile artistului au fost expuse la prima expoziție gratuită de stat a artelor muncitorilor din Petrograd.
În 1923. Pavel Filonov devine profesor la Academia de Arte și membru al Institutului de Cultură Artistică (INHUK). În aceiași ani, „Declarația creșterii mondiale” a lui Pavel Filonov a fost publicată în revista Zhizn iskusstva. Doi ani mai târziu, Pavel Filonov adună un colectiv de maeștri ai picturii analitice (cunoscută acum sub numele de școala Filonov). Datorită continuelor critici și atacurilor dure împotriva lui Filonov, expoziția sa, planificată pentru anii 1929-1930. în Muzeul Rus nu a avut loc. În 1932. Viața și munca lui nu au fost întrerupte de război. A murit de pneumonie în timpul blocadei din Leningrad în 1941. În 1967. la Novosibirsk a avut loc o expoziție postumă a lucrărilor lui Pavlov Filonov.
Casă mică la Moscova
Malevich Kazimir (1878 (?) - 1935)- artist, unul dintre fondatori. geometru. abstr. arts., tată al bielorusului. - Artist bielorus și rus, unul dintre fondatorii artei abstracte geometrice. Kazimir Malevich s-a născut la 23 februarie 1878 sau 1879 la Kiev. Potrivit credinței populare, data nașterii lui K. Malevich este 1878, totuși, potrivit studiului autorului de la Kiev D. Gorbaciov, înregistrările arhivale ale metricei găsite în 2004 indică faptul că data nașterii lui K. Malevich este 1879 .
Părinții lui Malevich erau polonezi după origine. Tatăl meu a lucrat ca manager la o fabrică de zahăr a celebrului industrial ucrainean Tereshchenko. Potrivit altor surse, tatăl lui Malevich era etnograful și folcloristul bielorus Severin Antonovich Malevich (1845-1902). Mama Ludwig Alexandrovna (1858-1942) a fost gospodină. Malevichii au avut paisprezece copii, dar doar nouă dintre ei au supraviețuit până la maturitate. Casimir a fost primul născut. A început să învețe să deseneze singur, după ce mama lui i-a dat un set de vopsele la vârsta de 15 ani. La vârsta de 17 ani, a petrecut ceva timp la școala de artă din Kiev din N.I.Murashko. În 1896 familia Malevich s-a stabilit la Kursk. Acolo Casimir a lucrat ca oficial minor, dar a părăsit serviciul de dragul unei cariere de artist. Primele lucrări ale lui Malevich au fost scrise în stilul impresionismului. Mai târziu Malevich a devenit unul dintre participanții activi la expoziții futuriste. În 1913 a proiectat opera futuristă Victoria peste soare.
În 1919-1922, Kazimir Malevich a predat la Școala Populară de Artă „noul model revoluționar” din Vitebsk. În anii 1920 a participat la proiectarea spectacolelor lui VV Mayakovsky „Mystery-Buff”.
Din 1923 până în 1927 - director al Institutului de Cultură Artistică din Leningrad. A fost membru al Asociației Arhitecților Contemporani (OCA). În 1930, lucrările artistului au fost expuse la expoziții din Berlin și Viena. În toamna anului 1930 Malevich a fost arestat de NKVD ca „spion german”. A rămas în închisoare până în decembrie 1930. Picturile sale au fost arestate de mulți ani în URSS.
Malevich a fost un promotor consecvent al propriei sale teorii. De-a lungul timpului, în jurul său s-a format un grup de oameni cu aceeași idee UNOVIS (Hardeners of the New Art). Creațiile artiștilor de avangardă ruși de la începutul secolului au aruncat în aer conștiința vizuală pro-occidentală învechită.
A fost membru al grupului de tineri artiști Donkey's Tail.
Cel mai faimos tablou de Malevich este Black Square (1915), care era un fel de manifest pictural al suprematismului. Adăugarea mistică la imagine este „Cercul Negru” și „Crucea Neagră”. Conform testamentului său, după moartea sa, corpul lui Malevich a fost incinerat într-un sicriu suprematist, iar apoi urna a fost îngropată sub stejarul preferat al artistului în apropierea satului Nemchinovka. Deasupra mormântului a fost ridicat un monument cubic din beton cu pătratul negru descris. În timpul războiului, mormântul s-a pierdut. În prezent, locația sa a fost stabilită cu suficientă precizie de către entuziaști. Mormântul este situat nu departe de Sovetsky Prospekt în Nemchinovka, la est de iaz. Un mic monument a fost ridicat la locul mormântului.
Acest articol conține o scurtă descriere a principalelor stiluri de artă din secolul al XX-lea. Va fi util atât pentru artiști, cât și pentru designeri să știe.
Modernism (din franceză. Modern modern)
în artă, denumirea colectivă a tendințelor artistice care s-au stabilit în a doua jumătate a secolului al XIX-lea sub forma unor noi forme de creativitate, unde nu a prevalat atât spiritul naturii și tradiția, cât privirea liberă a stăpânului, liber să schimbe lumea vizibilă la discreția sa, în urma impresiei sale personale, a unei idei interioare sau a unui vis mistic (aceste tendințe în multe privințe au continuat linia romantismului). Cea mai semnificativă, care deseori interacționează activ, direcțiile sale erau impresionismul, simbolismul și modernitatea.În critica sovietică, conceptul de „modernism” a fost aplicat antiistoric tuturor mișcărilor de artă din secolul al XX-lea care nu corespundeau canoanelor realismului socialist.
Abstracţionism(arta sub semnul „formelor zero”, arta non-obiectivă) este o direcție artistică care a apărut în arta primei jumătăți a secolului XX, care a abandonat complet reproducerea formelor lumii reale vizibile. Fondatorii artei abstracte sunt considerați a fi V. Kandinsky, P. Mondrian și K. Malevich... V. Kandinsky și-a creat propriul tip de pictură abstractă, eliberând petele impresioniștilor și „sălbaticului” de orice semn de obiectivitate. Piet Mondrian a ajuns la inutilitatea sa prin stilizarea geometrică a naturii, începută de Cézanne și de cubiști. Curentele moderniste din secolul al XX-lea, axate pe abstracționism, se îndepărtează complet de principiile tradiționale, negând realismul, dar în același timp rămân în cadrul artei. Istoria artei cu apariția abstractizării a trecut printr-o revoluție. Dar această revoluție nu a apărut întâmplător, ci destul de natural și a fost prezisă de Platon! În lucrarea sa ulterioară, Fileb, a scris despre frumusețea liniilor, suprafețelor și formelor spațiale în sine, independent de orice imitație a obiectelor vizibile, de orice mimesis. Acest tip de frumusețe geometrică, spre deosebire de frumusețea formelor naturale „neregulate”, potrivit lui Platon, nu are un caracter relativ, ci un necondiționat, absolut.
Fytypism- curentul literar și artistic în arta anilor 1910. Otvodya cebe pol ppoobpaza ickycctva bydyschego, fytypizm in kachectve ocnovnoy ppogpammy vydvigal ideyu pazpysheniya kyltypnyx ctepeotipov and ppedlagal vzamen apologiyu texniki and ypbanizma gowxacs Importanta idee artistică a fiturismului a devenit o căutare a unei expresii fizice a ritmului de mișcare ca viață fundamentală a tempo-ului vieții moderne. Versiunea rusă a futurismului purta denumirea de kybofytyrism și se baza pe legătura dintre principiile plastice ale kybismului fantastic și eupopeiticitate în general Folosind intersecții, schimbări, coliziuni și afluxuri de forme, artiștii au încercat să exprime pluralitatea zdrobitoare a impresiilor unei persoane contemporane, un locuitor al orașului.
Cubism- „cea mai completă și radicală revoluție artistică de după Renaștere” (J. Golding). Artiști: Picasso Pablo, Georges Braque, Fernand Léger Robert Delaunay, Juan Gris, Gleizes Metzinger... Cubism - (cubisme franceză, din cub - cub) direcție în arta primului sfert al secolului XX. Limbajul Plactic al Cubismului s-a bazat pe deformarea și dispunerea parametrilor pe planurile geometrice, deplasarea plactică a formei. Mulți artiști ruși au trecut prin studiul kibismului, combinând adesea principiile sale cu primirea altor xidojustism modern și practic. Versiunea specială a interpretării kibismului pe pământul rus a devenit kibofuturism.
Purism- (purisme francez, din latinesc purus - pur) curent în pictura franceză de la sfârșitul anilor 1910 - 1920. Reprezentanții principali sunt artistul A. Ozanfanși arhitect C. E. Jeanneret (Le Corbusier)... Respingând tendințele decorative ale cubismului și ale altor mișcări de avangardă din anii 1910, deformarea naturii pe care au adoptat-o, puriștii s-au străduit pentru un transfer ordonat raționalist al formelor obiecte stabile și laconice, ca „curățate” de detalii, la reprezentarea Elemente „primare”. Lucrările puriștilor se caracterizează prin planeitate, ritm lin al siluetelor ușoare și contururi ale aceluiași tip de obiecte (ulcioare, ochelari etc.). Nefiind dezvoltate în forme de șevalet, principiile artistice ale purismului regândite în mod semnificativ sunt reflectate parțial în arhitectura modernă, în principal în clădirile din Le Corbusier.
Serealismul- o tendință cosmopolită în literatură, pictură și cinema, care a apărut în 1924 în Franța și și-a încheiat oficial existența în 1969. A contribuit foarte mult la formarea conștiinței omului modern. Principalele figuri ale mișcării sunt André Breton- scriitor, lider și inspirator ideologic al curentului, Louis Aragon- unul dintre fondatorii suprarealismului, bizar transformat mai târziu într-un cântăreț al comunismului, Salvador Dali- un artist, teoretician, poet, scenarist, care a definit esența mișcării cu cuvintele: „Surrealismul sunt eu!”, un cinematograf extrem de suprarealist Luis Buñuel, pictor Juan Miro- „cea mai frumoasă pană de pe pălăria suprarealismului”, așa cum o numea Breton, și mulți alți artiști din întreaga lume.
Fauvismul(din fr. les fauves - sălbatic (animale)) Direcția locală în pictură devreme. Secolul XX. Numele F. a fost batjocorit la un grup de tineri artiști parizieni ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marke, E.O. Friez, J. Braque, A.Sh. Mangen, K. van Dongen), care au participat împreună la o serie de expoziții în 1905-1907, după prima lor expoziție din 1905, denumirea a fost adoptată chiar de grup și a fost stabilită în spatele acesteia. Regia nu a avut un program clar, un manifest sau o teorie proprie și nu a durat mult, lăsând, totuși, o urmă vizibilă în istoria artei. În acei ani, participanții săi erau uniți de dorința de a crea imagini artistice exclusiv cu ajutorul unei culori deschise extrem de strălucitoare. Dezvoltarea realizărilor artistice ale postimpresioniștilor ( Cezanne, Gauguin, Van Gogh), bazându-se pe unele dintre tehnicile formale de artă medievală (vitralii, artă romanică) și gravura japoneză, populare în cercurile artistice din Franța încă de pe vremea impresioniștilor, faveii au căutat să maximizeze posibilitățile coloristice ale picturii.
Expresionism(de la expresia franceză - expresivitate) - o tendință modernistă în arta vest-europeană, în principal în Germania, în prima treime a secolului XX, care a prins contur într-o anumită perioadă istorică - în ajunul primului război mondial. Baza ideologică a expresionismului a fost protestul individualist împotriva lumii urâte, înstrăinarea crescândă a omului de lume, sentimentul de lipsă de adăpost, prăbușirea, prăbușirea acelor principii pe care cultura europeană părea să se bazeze atât de ferm. Expresioniștii se caracterizează printr-o gravitație spre misticism și pesimism. Tehnici artistice caracteristice expresionismului: respingerea spațiului iluzoriu, căutarea unei interpretări planare a obiectelor, deformarea obiectelor, dragostea pentru disonanțe colorate ascuțite, o aromă specială care conține dramă apocaliptică. Artiștii percepeau creativitatea ca pe un mod de exprimare a emoțiilor.
Suprematism(din latina supremus - cel mai înalt, cel mai înalt; primul; ultimul, extremul, aparent prin supremacja poloneză - superioritate, supremație) Direcția artei avangardiste din prima treime a secolului XX, creatorul, principal reprezentant și teoretician al cărui artist rus Kazimir Malevich... Termenul în sine nu reflectă în niciun fel esența suprematismului. De fapt, în înțelegerea lui Malevich, aceasta este o caracteristică evaluativă. Suprematismul este cea mai înaltă etapă în dezvoltarea artei pe calea eliberării de tot ceea ce nu este artistic, pe calea revelației ultime a non-obiectivului, ca esență a oricărei arte. În acest sens, Malevich a considerat că arta ornamentală primitivă este suprematistă (sau „supremoidă”). Pentru prima dată a aplicat acest termen unui grup mare de picturi (39 sau mai multe) care descriu abstracții geometrice, inclusiv faimosul „Pătrat Negru” pe fond alb, „Crucea Neagră” și altele, expuse la expoziția futuristă din Petrograd ” zero-zece "în 1915 d. Numele suprematismului a fost înrădăcinat cu abstracții geometrice similare, deși Malevich însuși i-a atribuit multe dintre lucrările sale din anii 1920, conținând în exterior unele forme de obiecte specifice, în special figuri umane, dar păstrând „spiritul suprematist”. Și, de fapt, evoluțiile teoretice ulterioare ale lui Malevich nu oferă motive pentru a reduce suprematismul (cel puțin Malevich însuși) doar la abstracții geometrice, deși acestea, desigur, constituie nucleul, esența și chiar (alb-negru și alb) -și suprematismul alb) duc pictura la limita ființei sale în general ca formă de artă, adică la zero pictural, dincolo de care nu mai există pictura propriu-zisă. Această cale a fost continuată în a doua jumătate a secolului de numeroase direcții în activitatea de artă, care au abandonat periile, vopselele și pânza.
Rusă avangardist Anii 1910 prezintă o imagine destul de complexă. Se caracterizează printr-o schimbare rapidă în stiluri și tendințe, o abundență de grupuri și asociații de artiști, fiecare dintre care și-a proclamat propriul concept de creativitate. Ceva similar s-a întâmplat în pictura europeană la începutul secolului. Cu toate acestea, confuzia stilurilor, „confuzia” tendințelor și direcțiilor erau necunoscute Occidentului, unde mișcarea către noi forme a fost mai consistentă. Mulți maeștri ai tinerei generații s-au mutat cu o rapiditate extraordinară de la stil la stil, de la scenă la scenă, de la impresionism la modernism, apoi la primitivism, cubism sau expresionism, parcurgând numeroși pași, ceea ce a fost complet atipic pentru maeștrii picturii franceze sau germane. . Situația care s-a dezvoltat în pictura rusă s-a datorat în mare măsură atmosferei pre-revoluționare din țară. Ea a exacerbat multe dintre contradicțiile inerente întregii arte europene în general, deoarece Artiștii ruși au studiat pe modele europene, au cunoscut bine diverse școli și tendințe de pictură. Ciudata „explozie” rusă din viața artistică a jucat astfel un rol istoric. Până în 1913, arta rusă a atins noi frontiere și orizonturi. A apărut un fenomen complet nou de lipsă de obiect - o linie dincolo de care cubiștii francezi nu au îndrăznit să treacă. Unul câte unul trec peste această linie: Kandinsky V.V., Larionov M.F., Malevich K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.
Cubo-futurism Tendință locală în avangarda rusă (în pictură și poezie) la începutul secolului al XX-lea. În artele vizuale, cubo-futurismul a apărut pe baza unei regândiri a descoperirilor picturale, cubismului, futurismului și neo-primitivismului rus. Principalele lucrări au fost create în perioada 1911-1915. Cele mai caracteristice imagini ale cubo-futurismului au ieșit din pensula lui K. Malevich și au fost pictate și de Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Exter. Primele lucrări cubo-futuriste ale lui Malevich au fost expuse la celebra expoziție din 1913. „Țintă”, pe care a debutat Luchizm al lui Larionov. În aparență, lucrările cubo-futuriste fac ecou compozițiilor de F. Leger create în același timp și sunt compoziții semi-obiecte compuse din forme volumetrice goale, cilindrice, conice, baloane, în formă de coajă, adesea cu un luciu metalic. Deja în primele astfel de lucrări ale lui Malevich, se remarcă o tendință spre o tranziție de la ritmul natural la ritmurile pur mecanice ale lumii mașinilor („Plotnik”, 1912, „Grinder”, 1912, „Portretul lui Klyun”, 1913) .
Neoplasticism- una dintre cele mai vechi varietăți de artă abstractă. Creată în 1917 de pictorul olandez P. Mondrian și de alți artiști care erau membri ai asociației „Style”. Neoplasticismul se caracterizează, potrivit creatorilor săi, prin efortul de „armonie universală”, exprimat în combinații strict echilibrate de figuri dreptunghiulare mari, clar separate prin linii negre perpendiculare și pictate în culorile locale ale spectrului principal (cu adăugarea de alb și tonuri de gri). Neo-plasticisme (Nouvelle plastique) Acest termen își are originea în Olanda în secolul al XX-lea. Pete Mondrian el și-a definit conceptele plastice ca un sistem și apărat de grup și de revista „Style” („De Sti-ji”) fondată la Leiden în 1917. Principala caracteristică a neoplasticismului a fost utilizarea strictă a mijloacelor expresive. Pentru a construi o formă, neoplasticismul permite numai linii orizontale și verticale. Trecerea liniilor în unghi drept este primul principiu. În jurul anului 1920 i s-a adăugat o secundă care, prin eliminarea liniei și subliniind planul, limitează culorile la roșu, albastru și galben, adică trei culori primare pure la care puteți adăuga doar alb și negru. Cu ajutorul acestei rigoări, neoplasticismul a intenționat să depășească individualitatea pentru a realiza universalismul și a crea astfel o nouă imagine a lumii.
„Botez” oficial orfism s-a întâmplat la Salonul Independentului în 1913. Așa a scris criticul Roger Allard în raportul său despre Salon: „... notăm pentru viitorii istorici că în 1913 s-a născut o nouă școală de orfism ...” („ La Cote "Paris 19 martie 1913). I-a revenit un alt critic André Varnault: „Salonul din 1913 a fost marcat de nașterea unei noi școli a școlii orfice” (Comoedia Paris, 18 martie 1913). In cele din urma Guillaume Apollinaire a susținut această afirmație exclamând, nu fără mândrie: „Acesta este orfismul. Este pentru prima dată când a apărut această direcție, pe care o prezicusem ”(„ Montjoie! ”Supliment de la Paris la 18 martie 1913). Într-adevăr, acest termen a fost inventat Apollinaire(Orfismul ca cult al lui Orfeu) și a fost anunțat pentru prima dată public în timpul unei prelegeri despre pictura modernă și susținută în octombrie 1912. Ce a vrut să spună? Se pare că el însuși nu știa asta. Mai mult, nu știam cum să definesc limitele acestei noi direcții. De fapt, confuzia care domnește până în prezent s-a produs datorită faptului că Apollinaire a confundat inconștient două probleme interdependente, desigur, dar înainte de a încerca să le conecteze, ar fi trebuit să le sublinieze diferențele. Pe de o parte, creația Delone expresiv pictural înseamnă complet bazat pe culoare și, pe de altă parte, o extensie a cubismului datorită apariției mai multor direcții diferite. După despărțirea de Marie Laurencin la sfârșitul verii lui 1912, Apollinaire a căutat adăpost cu familia Delaunay, care l-a acceptat cu înțelegere prietenoasă în atelierul lor de pe strada Grand-Augustin. Chiar în această vară, Robert Delaunay și soția sa au experimentat o profundă evoluție estetică care a condus la ceea ce el a numit ulterior „perioada distructivă” a picturii bazată exclusiv pe calitățile constructive și spațio-temporale ale contrastelor de culoare.
Postmodernism (postmodern, post-avangardist) -
(din lat. post „după” și modernism), denumirea cumulativă a tendințelor artistice, identificată în mod clar în anii 1960 și caracterizată printr-o revizuire radicală a poziției modernismului și avangardei.
Expresionism abstract etapa postbelică (sfârșitul anilor 40-50 ai secolului XX) etapa de dezvoltare a artei abstracte. Termenul în sine a fost introdus în anii 1920 de un critic de artă german E. von Sydow (E. von Sydow) pentru a se referi la un aspect al artei expresioniste. În 1929, americanul Barr a folosit-o pentru a caracteriza lucrările timpurii ale lui Kandinsky, iar în 1947 și-a numit lucrările „expresioniste abstracte” Willem de Kooningși Pollock... De atunci, conceptul de expresionism abstract a fost consolidat în spatele unui câmp destul de larg, stilistic și tehnic variat al picturii abstracte (și mai târziu a sculpturii), care se dezvolta rapid în anii '50. în SUA, în Europa și apoi în întreaga lume. Se consideră că strămoșii timpurii ai expresionismului abstract Kandinsky, expresioniști, orfiști, parțial dadaiști și suprarealiști cu principiul lor de automatism mental. Fundamentul filosofic și estetic al expresionismului abstract a fost în mare parte filosofia existențialismului, care a fost populară în perioada postbelică.
Gata(Engleză gata făcută - gata) Termenul a fost introdus pentru prima dată în lexiconul artei de către artist Marcel Duchamp să desemneze lucrările lor, care sunt obiecte de uz utilitar, scoase din mediul în care funcționează normal și fără modificări expuse la o expoziție de artă ca opere de artă. Redi-Maid a afirmat o nouă viziune asupra lucrului și a lucrului. Un obiect care a încetat să-și îndeplinească funcțiile utilitare și a fost inclus în contextul spațiului artei, adică a devenit un obiect de contemplare non-utilitară, a început să dezvăluie unele semnificații noi și mișcări asociative necunoscute fie artei tradiționale, fie sfera cotidian-utilitară a ființei. Problema relativității esteticului și utilitaristului a apărut brusc. Primul Redi-Made Duchamp expus la New York în 1913. Cel mai notoriu al său este Redi-Made. „Roată de o bicicletă” din oțel (1913), „Uscător pentru sticle” (1914), „Fântână” (1917) - aceasta a fost denumirea unui pisoar obișnuit.
Arta pop. După cel de-al doilea război mondial, s-a format un strat social larg de oameni în America, câștigând suficienți bani pentru a cumpăra bunuri care nu erau deosebit de importante pentru ei. De exemplu, utilizarea mărfurilor: Coca Cola sau blugii Levi's devin un atribut important al acestei societăți. O persoană care folosește unul sau alt produs își arată apartenența la un anumit strat social. S-a format cultura actuală de masă. Lucrurile au devenit simboluri, stereotipuri. Pop art folosește în mod necesar stereotipuri și simboluri. Arta pop(arta pop) a întruchipat căutarea creativă a noilor americani, care s-au bazat pe principiile creative ale lui Duchamp. Aceasta: Jasper Johns, K. Oldenburg, Andy Warhol, alte. Pop art câștigă semnificația culturii de masă, așa că nu este de mirare că a prins contur și a devenit curentul artei din America. Oamenii lor asemănători: Hamelton R, Ton China ales ca autoritate Kurt Schwiters... Pop artul se caracterizează printr-o operă - o iluzie a unui joc care explică esența unui obiect. Exemplu: plăcintă K. Oldenburg descris de diferite opțiuni. Este posibil ca un artist să nu înfățișeze un tort, dar să risipească iluziile, să arate ceea ce vede cu adevărat o persoană. R. Rauschenberg este, de asemenea, deosebit: a lipit diferite fotografii pe pânză, le-a conturat și a atașat un fel de sperietoare la lucrare. Una dintre lucrările sale celebre este un arici umplut. Pictura sa este de asemenea bine cunoscută, unde a folosit fotografiile lui Kenedy.
Primitivism (Arta Naivă)... Acest concept este utilizat în mai multe sensuri și este de fapt identic cu conceptul „Arta primitivă”... În diferite limbi și diferiți oameni de știință, aceste concepte sunt cel mai adesea folosite pentru a desemna aceeași gamă de fenomene din cultura artistică. În rusă (precum și în unele altele) termenul „primitiv” are o conotație oarecum negativă. Prin urmare, este mai potrivit să ne oprim asupra conceptului Arta naivă... În sensul cel mai larg, aceasta este desemnarea artei plastice, care se distinge prin simplitate (sau simplificare), claritate și imediatitate formală a limbajului pictural și expresiv, cu ajutorul căruia o viziune specială asupra lumii, nu împovărată de civilizație convenții, se exprimă. Conceptul a apărut în noua cultură europeană a ultimelor secole, prin urmare, reflectă pozițiile și ideile profesionale ale acestei culturi, care se considera cea mai înaltă etapă de dezvoltare. Din aceste poziții, arta naivă este înțeleasă și ca arta arhaică a popoarelor antice (înainte de egiptean sau înainte de civilizațiile antice grecești), de exemplu, arta primitivă; arta popoarelor care au întârziat dezvoltarea culturală și civilizațională (populația indigenă din Africa, Oceania, indieni americani); arta amatorică și neprofesionistă la cea mai largă scară (de exemplu, celebrele fresce medievale din Catalonia sau arta neprofesionistă a primilor coloniști americani din Europa); multe lucrări ale așa-numitului „gotic internațional”; arta folclorica; în cele din urmă, arta artiștilor primitivisti talentați ai secolului XX, care nu au primit o educație profesională de artă, dar care au simțit darul creativității artistice și s-au dedicat implementării sale independente în artă. Unele dintre ele (franceză A. Rousseau, K. Bombua, Georgian N. Pirosmanishvili, croată I. Generalich, American A.M. Robertsonși altele) au creat adevărate capodopere artistice care au intrat în tezaurul artei mondiale. Arta naivă, în ceea ce privește viziunea asupra lumii și modalitățile de prezentare artistică a acesteia, abordează oarecum arta copiilor, pe de o parte, și creativitatea bolnavilor mintali, pe de altă parte. Cu toate acestea, în esență, acesta diferă de ambele. Cea mai apropiată în ceea ce privește viziunea asupra lumii de arta copiilor este arta naivă a popoarelor arhaice și a aborigenilor din Oceania și Africa. Diferența sa fundamentală față de arta copiilor constă în sacralitatea sa profundă, tradiționalism și canonicitate.
Fără artă(Net Art - din engleză. Net - network, art - art) Cea mai nouă formă de artă, practici de artă modernă, care se dezvoltă în rețele de calculatoare, în special pe internet. Cercetătorii săi din Rusia, contribuind la dezvoltarea sa, O. Lyalina, A. Shulgin, consideră că esența artei nete se reduce la crearea de spații de comunicare și de creație pe web, oferind tuturor libertatea deplină a existenței rețelei. Prin urmare, esența Net Art. nu reprezentare, ci comunicare, iar un mesaj electronic este un fel de unitate de artă a acestuia. Există cel puțin trei etape în dezvoltarea artei nete, care a apărut în anii 80 - 90. Secolul XX. Primul a fost atunci când artiștii web aspiranți au creat imagini din litere și icoane disponibile pe tastatura computerului. Al doilea a început când artiștii underground au venit pe internet și toți cei care doreau să arate ceva din munca lor.
OP-ART(Op-art engleză - o versiune prescurtată a artei optice - artă optică) este o mișcare artistică din a doua jumătate a secolului al XX-lea, folosind diverse iluzii vizuale bazate pe particularitățile percepției figurilor plane și spațiale. Curentul continuă linia raționalistă a tehnicismului (modernismului). Revine la așa-numitul abstracționism „geometric”, care era reprezentat de V. Vasarely(din 1930 până în 1997 a lucrat în Franța) - fondatorul op-art. Posibilitățile Op-art au găsit o anumită aplicație în grafica industrială, afișe și artă decorativă. Direcția op-artului (arta optică) a luat naștere în anii 50 în interiorul abstracționismului, deși de data aceasta o varietate diferită a acestuia - abstractizarea geometrică. Răspândirea sa ca tendință datează din anii '60. Secolul XX.
Graffiti(graffiti - în arheologie, orice desene sau litere zgâriată pe orice suprafață, din italiană. cutii de vopsea. De aici și un alt nume pentru „spray art” - Spray-art. Originea sa este asociată cu apariția masivă a graffiti-urilor. în anii 70. pe mașinile metroului din New York și apoi pe pereții clădirilor publice, jaluzele pentru magazine. Primii autori de graffiti. erau în principal tineri artiști șomeri ai minorităților etnice, în primul rând puertoriceni, așa că în primul Graffiti au apărut unele trăsături stilistice ale artei populare latino-americane, și chiar faptul de a apărea pe suprafețe care nu erau destinate acestui lucru, autorii lor au protestat împotriva poziției lor fără drepturi de autorizare. . Până la începutul anilor 80. s-a format o întreagă direcție a unor maeștri aproape profesioniști ai lui G. Numele lor reale, ascunse anterior sub pseudonime ( CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, SEEN, DAZE). Unii dintre ei și-au transferat tehnica pe pânză și au început să expună în galerii din New York, iar în curând au apărut graffiti în Europa.
HIPERREALISMUL(hiperrealism - ing.), sau fotorealism (fotorealism - ing.) - artist. curent în pictură și sculptură bazat pe fotografie, reproducerea realității. Atât în practica sa, cât și în orientările sale estetice spre naturalism și pragmatism, hiperrealismul este apropiat de arta pop. ele sunt în primul rând unite de o întoarcere la figurativitate. Acționează ca o antiteză a conceptualismului, care nu numai că s-a rupt de reprezentare, dar și a pus sub semnul întrebării chiar principiul realizării materiale a artistului. concept.
Land art(din engleza land art - earth art), direcția în arta ultimei treimiXxc., bazat pe utilizarea unui peisaj real ca principal material și obiect artistic. Artiștii sapă tranșee, creează grămezi bizare de pietre, pictează pietre, alegând pentru acțiunile lor locurile de obicei nelocuite - peisaje curate și sălbatice, prin urmare, ca și cum ar încerca să readucă arta în natură. Mulțumesc lui<первобытному>În aparență, multe acțiuni și obiecte de acest fel se apropie de arheologie, precum și de foto-artă, deoarece majoritatea publicului le poate contempla doar într-o serie de fotografii. Se pare că va trebui să ne împăcăm cu o altă barbarie în limba rusă. Nu știu dacă este o coincidență faptul că termenul<лэнд-арт>a apărut la sfârșit Anii '60, într-un moment în care, în societățile dezvoltate, spiritul rebel al corpului studențesc și-a îndreptat forțele spre răsturnarea valorilor stabilite.
MINIMALISM(minimal art - engleză: minimal art) - artist. flux provenind de la transformarea minimă a materialelor utilizate în procesul creativității, simplității și uniformității formelor, monocrom, creativ. autocontrolul artistului. Minimalismul se caracterizează prin respingerea subiectivității, reprezentării, iluzionismului. Respingând clasicul. tehnici de creativitate și tradiție. artist materiale, minimalistii folosesc materiale industriale și naturale de geometrie simplă. forme și culori neutre (negru, gri), volume mici, utilizează metode seriale, transportoare de producție industrială. Un artefact din conceptul minimalist al creativității este un rezultat prestabilit al procesului de producție al acestuia. După ce a primit cea mai deplină dezvoltare în pictură și sculptură, minimalismul, interpretat în sens larg ca economia artistului. înseamnă, aplicație găsită în alte forme de artă, în primul rând teatru, cinema.
Minimalismul își are originea în Statele Unite pe banda. podea. Anii '60 Originile sale se află în constructivism, suprematism, dadaism, abstracționism, Amer formalist. pictura anilor 50, pop art. Imediat precursorul minimalismului. este Amer. pictor F. Stella, care a prezentat în 1959-60 o serie de „Poze negre”, unde au predominat liniile drepte ordonate. Primele lucrări minimaliste apar în 1962-63. Termenul „minimalism”. aparține lui R. Walheim, care îl introduce în raport cu analiza creativității M. Duchampși artiști pop care minimizează interferența artistului cu mediul. Sinonimele sale sunt „artă cool”, „artă ABC”, „artă în serie”, „structuri primare”, „artă ca proces”, „sistematică”. pictura ". Printre cei mai reprezentativi minimalisti se numara - C. André, M. Bochner, W. De Maria, D. Flavin. S. LeWitt, R. Mangold, B. Murden, R. Morris, R. Ryman... Ele sunt unite de dorința de a încadra artefactul în mediul înconjurător, de a se juca cu textura naturală a materialelor. D. Jadîl definește ca „specific. obiect ", diferit de clasic. lucrări de plastic. arte. Stând singuri, iluminatul joacă un rol ca o modalitate de a crea artiști minimalisti. situații, soluții spațiale originale; se folosesc metode computerizate de creare a lucrărilor.
