Lukisan Rusia abad kedua puluh: tren utama. Seni rupa Rusia abad ke-20 Konsep pakaian baru dan unisex

Abad ke-20: dari avant-garde ke postmodernisme. "Judul =" (! LANG: Lukisan Rusia 20 abad: dari avant-garde ke postmodernisme.">!}

Abad ke-20 adalah masa pergolakan, serangkaian era yang gila. Tampaknya mustahil untuk memiliki waktu untuk meninggalkan satu sapuan kuas, tetapi tidak ... Seperti sebelumnya, arah melukis menjadi modis dan menghilang terlupakan.
Awal abad adalah pencarian bentuk dan ide baru. Avant-garde, supermodernisme, abstraksionisme, realisme sosialis muncul, berkembang dan menghilang. Alam memasuki bagian dalam ruangan, dan kehidupan diam memasuki perencana. 20 abad - ini adalah masa Boris Kustodiev, Kazimir Malevich, Konstantin Yuon, Fedor Reshetnikov.
Jadi, avant-garde Rusia. Sebuah awal.
Istilah "avant-garde" sendiri berarti maju, inovatif, memutuskan semua ikatan dengan masa lalu. Avant-garde Rusia di 20 abad adalah generalisasi dari tren radikal dalam seni. Kemudian ia memiliki nama dan arah yang berbeda: futurisme, modernisme, seni baru atau kiri, abstraksionisme, konstruktivisme, supermatisme. Pemberontakan dalam seni dimulai setelah revolusi Rusia pertama, tahun-tahun sebelum perang 1914 - berbunga bertahap, dan jatuh tempo - dekade pertama setelah revolusi.
Avant-garde Rusia disatukan oleh fitur-fitur berikut:
· Penolakan menyeluruh dan kardinal terhadap masa lalu budaya;
· Kombinasi dua prinsip: destruktif dan kreatif. Agresi, revolusi, keinginan untuk mematahkan ide-ide lama tentang nilai-nilai artistik, tentang citra dunia, seseorang dan energi kreatif yang meluap-luap, keinginan untuk menciptakan sesuatu yang baru tidak hanya dalam lukisan - di semua bidang kehidupan.
Berbicara tentang avant-garde, perlu disebutkan Wassily Kandinsky. Dalam karyanya, awalnya 20 berabad-abad - ini adalah zaman kuno, kombinasi modernitas Rusia, Jerman, dan beberapa cetakan populer rakyat Rusia ("Hidup Penuh Warna", "Lagu Volga"). Selama perang dan tahun-tahun revolusioner, Kandinsky menciptakan lukisan dengan gaya yang berbeda. Beberapa saat kemudian - "White Oval" (1920) - kanvas abstrak simbolis, di mana oval samar-samar menyerupai hati yang diisi dengan figur abstrak, di mana sumbunya menonjol. Dia menulis pemandangan yang cukup realistis - “Moskow. Lapangan Zubovskaya "(1916) dan pemandangan, agak jauh dari kenyataan -" Moskow. Lapangan Merah "(1916).
Di antara tren avant-garde, supermatisme dan perwakilan dan teorinya yang ambigu, Kazimir Malevich, dibedakan. Apa yang dimaksud dengan supermatisme? Dalam definisi Malevich, supermatisme adalah tahap akhir seni, non-objektif, keberangkatan dari non-artistik. Dan dia pertama kali menggunakan istilah itu dalam kaitannya dengan kanvas dengan abstraksi geometris ("Salib Hitam", "Kotak Hitam" dengan latar belakang putih). Jadi nama itu diberikan untuk lukisan-lukisan seperti itu, meskipun sang seniman menunjuk bentuk-bentuk yang lebih spesifik dengan supematisme, misalnya, lukisan-lukisan dengan figur manusia.
Revolusi terjadi. Avant-garde telah mengalami pergolakan selama bertahun-tahun dan mengalami kemunduran, dan dalam lukisan Rusia 20 abad, babak baru telah dimulai. Estetika baru seni rupa harus mengakar dalam kehidupan kerja yang akan datang. Dan gaya ini menyandang nama yang sesuai dengan nama era baru - realisme sosialis. Itu muncul bukan di antara seniman, tetapi di antara politisi.
Orientasi pada tradisi seni lukis akademis, seperti yang dituntut partai, seharusnya membantu "menggambarkan realitas secara jujur". Gaya memiliki fitur sendiri:
• kepahlawanan para pejuang revolusi, para pemimpin, tokoh-tokoh terkemuka, mereka yang memimpin massa rakyat;
· Realisme mengasumsikan kebutuhan untuk mereproduksi suatu peristiwa di atas kanvas sesuai dengan peristiwa tertentu dalam sejarah revolusi;
• pahlawan - pekerja dan petani;
· Tidak ada kebenaran penulis - ada kebenaran partai, dan seniman harus menegaskannya, revolusi, perjuangan, kematian orang - ini adalah jalan menuju masa depan yang lebih cerah.
Tetapi tidak dapat dikatakan bahwa realisme sosialis tidak memenuhi persyaratan saat itu. Ya, ada kontrol, ideologi, tekanan ekonomi, kampanye politik dan budaya. Sulit bagi garda depan untuk mempertahankan posisinya dalam masyarakat totaliter. Baik komposisi penonton maupun komposisi artis telah berubah. Tugas-tugas sulit seperti industrialisasi membutuhkan banyak usaha. Dan mereka dapat ditarik dari seni, yang menunjukkan: orang biasa dapat melakukan banyak hal, dia adalah pahlawan pada masanya.
Dengan demikian, ada dua tren utama dalam realisme sosialis. Arti yang pertama adalah berlebihan, generalisasi - peristiwa sejarah berskala besar, pahlawan, kepribadian, pemimpin - orang pertama dari negara baru. Pusat yang kedua adalah kehidupan sehari-hari orang biasa.
The Thaw membawa perubahan pada lukisan juga. Mitologi "mencair" -musim semi dibawa ke masa kejayaan seseorang, ke masa kanak-kanak dan remaja. Tapi pemuda sekarang bukan keindahan kekuatan fisik, tidak bangga dengan partisipasi dalam perjuangan pribadi dan tokoh atletik yang dikembangkan. Ini adalah anak-anak kota dan remaja, jendela terbuka ke arah matahari.
Tetapi "pencairan" berakhir, dan "gaya parah" datang ke lukisan Rusia. Ia menentang tidak hanya seni artistik "pencairan", tetapi juga realisme sosialis awal, menolak pandangan dunia artistik masa lalu sebagai "kebohongan".
· "Gaya yang parah" - tanpa ilusi, kebenaran yang kejam, di mana tidak ada tempat untuk kecerobohan kekanak-kanakan. Matahari dan alam telah menghilang dari lukisan, tidak ada tempat dalam hidup untuk kesenangan sederhana - hanya bekerja.
· Kepahlawanan dalam penyajian gaya ini bukanlah kekuatan fisik seseorang dan pose yang indah. Ini adalah ketegangan internal, upaya yang tidak dilihat pemirsa, hanya melihat ketenangan, keterasingan. Kekuatan tubuh digantikan oleh kekuatan kemauan ("The Builders of Bratsk" oleh VE Popkov, "Polar explorers", "St. John's Hunters" oleh A. Smolin dan P. Smolin).
Siapa yang menjadi pahlawan? 20 abad? Seseorang tanpa usia, jenis kelamin, penampilan, dia tidak memiliki status sosial, kehidupan tidak dibagi menjadi pribadi dan publik. Ini adalah seorang pria "di bumi yang telanjang" - di dunia yang belum dia ciptakan, tetapi harus dia ciptakan.
· Buruh bukanlah kesenangan, bukan aspirasi, bukan kebutuhan untuk berkreasi. Ini adalah panggilan, penaklukan, penyerahan diri pada alam. Para pahlawan bukanlah pejuang untuk dunia baru, tetapi pekerja minyak dan ahli geologi, pembangun bendungan.
Lingkaran ditutup, dan pada akhir abad ini lukisan Rusia 20 abad dalam 90- e tahun kembali ke modernitas baru - postmodernisme. Lukisan menjadi fotografis - praktis tidak ada perbedaan antara salinan dan aslinya. Dan pada saat yang sama, itu skema, karikatur. Pembentukan gaya masih berlangsung, terlalu dini untuk mengatakan bentuk mana yang akan mengemuka.

SENI AKHIR RUSIAXIX--AWALXxABAD

Akhir abad 19 - awal abad 20 merupakan titik balik dalam semua bidang kehidupan sosial dan spiritual. Rusia sedang menuju revolusi. "Kita sedang melalui masa-masa yang penuh gejolak," tulis V. I. Lenin pada tahun 1902, "ketika sejarah Rusia melompat maju dengan pesat, setiap tahun terkadang berarti lebih dari beberapa dekade periode damai." Kunci untuk memahami hubungan antara seni dan realitas sejarah pada waktu itu adalah posisi yang dirumuskan oleh V. I. Lenin dalam rangkaian artikel terkenal tentang L. N. Tolstoy: seharusnya tercermin dalam karya-karyanya. "" Ini menyiratkan interpretasi Lenin terhadap kontradiksi Tolstoy : kelas dan berbagai strata masyarakat Rusia di era pasca-reformasi, tetapi pra-revolusioner. Proposisi Leninis ini mengandung prinsip metodologis umum dari penjelasan sejarah seni, yang memungkinkan untuk memperluas apa yang telah dikatakan tentang Tolstoy ke bidang penciptaan artistik secara keseluruhan.

Namun, posisi ini tidak boleh dipahami terlalu disederhanakan dan untuk berpikir bahwa dalam setiap karya seni yang diambil secara terpisah, tanda-tanda krisis sistem borjuis atau pengaruh ideologi proletar terungkap secara langsung. Ini hanya berarti bahwa seni secara keseluruhan, dalam kecenderungan dasar dari proses artistik, menjadi ekspresi dari kontradiksi perkembangan borjuis akhir, yang penuh dengan ledakan revolusioner dan mengedepankan proletariat sebagai kekuatan revolusioner terkemuka. Tingkat kedalaman dan ketajaman kontradiksi ini sudah sedemikian rupa sehingga seni, dan terlebih lagi seni rupa, berurusan dengan dunia yang dapat diakses oleh penglihatan eksternal, secara bertahap diilhami oleh kesadaran akan ketidakmungkinan menampilkan rasa hidup yang baru menggunakan metode tersebut. realisme lama - metode menggambarkan realitas secara langsung dalam bentuk realitas itu sendiri. Keutamaan gambar dan bentuk artistik yang secara tidak langsung mengungkapkan isi modernitas di atas bentuk tampilan langsungnya merupakan ciri pembeda utama seni rupa akhir abad 19 dan awal abad 20.

BUDAYA DI PERBATASAN USIA

Secara kronologis, periode ini terletak antara awal tahun 90-an dan 1917. Ini didahului oleh tahun 1980-an sebagai dekade transisi, ketika realisme paruh kedua abad ke-19 mencapai puncaknya. dalam karya-karya Repin dan Surikov, dan pada saat yang sama, kecambah seni pemahaman baru terungkap dalam karya-karya pertama seniman yang mencapai puncak kejayaan kreatif mereka pada periode berikutnya.

Dalam konteks polarisasi kekuatan sosial dalam pertempuran kelas yang berkembang, pertanyaan tentang tempat dan peran seni dimunculkan kembali dan direvisi. Tuntutan untuk demokratisasi seni yang diajukan oleh kehidupan itu sendiri, yang sangat dirasakan oleh para seniman itu sendiri, menghadapi kecenderungan ke arah penyempurnaan yang canggih dari bentuk artistik yang menjadi ciri karya para empu terbesar saat itu - Vrubel, Levitan, Serov , Borisov-Musatov, dan khususnya perwakilan dari lingkaran Dunia Seni - kelompok seni besar pertama setelah Keliling.

Setelah situasi revolusioner tahun 60-an dan 70-an, reaksi politik kekerasan terjadi di Rusia. Tahun 80-an adalah masa krisis populisme revolusioner dan platform ideologis yang menjadi dasar estetika para Keliling. Dekade ini pada saat yang sama merupakan pembungaan tertinggi realisme keliling dalam karya-karya Repin dan Surikov, dan awal dari krisisnya. Itu sudah mulai dianggap oleh orang-orang sezaman sebagai fenomena yang bertahan dari masa kejayaannya.

Pada tahun 1894, perwakilan terbesar dari Kemitraan - Repin, Makovsky, Shishkin, Kuindzhi - menjadi anggota jabatan profesor akademik.

Patos kritik sosial dari seni sebelumnya tidak hilang, tetapi secara substansial berubah. Ini mengambil bentuk menegaskan cita-cita harmoni dan keindahan dalam kesadaran penuh akan sifat ilusi mereka, permusuhan cita-cita abadi budaya terhadap tatanan dunia modern, yang merupakan sumber sentimen pesimis yang merupakan salah satu fitur penting dari iklim intelektual pada akhir abad ini. Kesadaran bahwa keindahan tidak diciptakan dari bahan-bahan dunia ini, tetapi hanya muncul dari sumber daya bakat dan imajinasi puitis seniman itu sendiri, yang dimanifestasikan dalam gravitasi terhadap plot dongeng, alegoris atau mitologis dan dalam struktur artistik. bentuk, yang menerjemahkan gambar-gambar realitas eksternal ke dalam bidang representasi cerita rakyat, kenangan masa lalu atau firasat masa depan yang samar-samar.

Metode analisis realisme pada pertengahan abad ke-19. menjadi usang. Oposisi seni terhadap prosa hubungan borjuis tidak memperoleh banyak warna moral, etika dan sosial, sebagai estetika yang ketat: kejahatan utama yang dibawa dunia borjuis adalah ketidakpedulian terhadap keindahan, atrofi perasaan keindahan . Misi humanistik seniman sekarang terlihat dalam menumbuhkan perasaan ini dengan segala cara yang tersedia untuk seni. "Bangun ... dari hal-hal kecil dalam kehidupan sehari-hari dengan gambar-gambar megah ..." - beginilah cara M. Vrubel merumuskan tugas ini. ”Dalam bentuknya yang paling konsisten, masalah ini bermuara pada pembebasan dari kuk utilitarian proseisme dalam lingkup sehari-hari ini - lingkup kehidupan sehari-hari.

Tugas membawa seni lebih dekat ke kehidupan dipahami oleh para seniman abad pertengahan dan para Pengembara sebagai tugas mencerminkan kehidupan dalam seni, sementara seni itu sendiri tetap dipagari dari kenyataan oleh dinding museum. Seniman akhir abad ke-19 menerima formula untuk membawa seni lebih dekat ke kehidupan dalam arti langsungnya - sebagai tugas membawa seni ke dalam kehidupan, mengubah keindahan dunia sekitarnya.

Sebuah lukisan, karya pahatan harus meninggalkan museum, menjadi bagian integral dari kehidupan sehari-hari, bersama dengan hal-hal sehari-hari dan arsitektur yang membentuk lingkungan seseorang. Tetapi untuk ini, sebuah karya seni dalam jalinannya, dalam konfigurasi bentuk dan warna, harus selaras dengan lingkungan, membuat satu ensemble dengannya. Kesatuan ini dipastikan dengan gaya yang memberikan hukum pembentukan, meresapi seluruh bidang seni spasial, gaya menuju penciptaan yang upaya para seniman akhir abad 19 - awal abad 20 diarahkan. Di Rusia, ia menerima nama gaya Art Nouveau.

Revolusi 1905-1907 menghasilkan perubahan besar dalam kesadaran artistik periode yang sedang dipertimbangkan, yang, dalam kata-kata V. I. Lenin, “adalah revolusi nasional” 2. Tentu saja, pergeseran kesadaran artistik ini tidak segera terungkap, dan arahnya ditentukan oleh seluruh perkembangan seni Rusia sebelumnya. Titik balik era tersebut diekspresikan dalam seni dalam konflik internal pembangunan, dalam hubungan polemik eksplisit atau tersembunyi antara kelompok seni individu, menggantikan satu sama lain dalam keragaman kaleidoskopik, dalam kecepatan evolusi seni yang meningkat secara bertahap, terutama setelah 1910. kehidupan pameran aktif, serta peningkatan jumlah majalah dan jenis publikasi lainnya, yang secara khusus dikhususkan untuk masalah seni rupa, terutama kontemporer - Rusia, dan Eropa Barat.

Peran besar dalam proses ini adalah milik kelompok seniman "Dunia Seni", yang menyelenggarakan pameran mereka sendiri dan pertunjukan retrospektif seni Rusia abad ke-18, menerbitkan majalah dengan nama yang sama selama enam tahun, yang sangat populer baik di kalangan seniman maupun kalangan luas anak muda, kaum intelektual ... Dengan menarik para master Eropa Barat untuk berpartisipasi dalam pamerannya, World of Art berkontribusi pada perluasan kontak antara seni Rusia dan seni kontemporer asing. Sudah menjadi hal biasa bagi seniman muda Rusia untuk belajar di sekolah dan studio swasta Eropa. Kegiatan "Dunia Seni", yang pusatnya adalah St. Petersburg, merangsang proses konsolidasi kekuatan artistik di Moskow, yang menyebabkan munculnya pada tahun 1903 sebuah asosiasi artistik baru - "Persatuan Seniman Rusia" . Secara umum, penentuan nasib sendiri sekolah seni lukis Moskow dalam kaitannya dengan arah "dunia seni" St. Petersburg dengan kultus grafisnya harus dicatat sebagai faktor penting dalam perkembangan seni pada periode yang sedang dipertimbangkan.

Ciri penting lainnya dari periode ini adalah penyelarasan perkembangan jenis seni tertentu yang sebelumnya tidak merata: di samping seni lukis, arsitektur, seni dekoratif dan terapan, grafik buku, patung, dan pemandangan teater menjadi. Hegemoni seni lukis kuda-kuda yang menjadi ciri khas seni pertengahan abad ini, sudah menjadi bagian dari masa lalu. Dalam kondisi ketika bidang penerapan kreativitas visual berkembang luar biasa, jenis seniman universal baru sedang dibentuk yang "dapat melakukan segalanya" - untuk melukis gambar dan panel dekoratif, membuat sketsa untuk buku dan lukisan monumental, untuk memahat patung dan menyusun kostum teater. Karya-karya M. Vrubel, para seniman Dunia Seni, ditandai dengan ciri-ciri universalisme tersebut.

Kultus universalisme artistik memerintah di lingkaran seniman, dikelompokkan di sekitar industrialis dan dermawan S. I. Mamontov. Didirikan pada tahun 1872 dan memiliki "tempat tinggal" di dekat Moscow Abramtsevo, lingkaran ini menjadi semacam tempa ide dan bentuk seni Rusia baru. Kegiatan lingkaran secara bertahap memperoleh orientasi terhadap seni teater-dekoratif dan dekoratif-terapan, menuju kebangkitan seni rakyat. Kerajinan dikumpulkan, motif cerita rakyat dipelajari dalam seni rupa - dalam cetakan populer, bordir, mainan, ukiran kayu.

Badan Federal untuk Pendidikan

Lembaga pendidikan tinggi negara pendidikan profesional "Universitas Ekonomi Negeri Ural"

Pusat Pendidikan Jarak Jauh

Tes

dengan disiplin: " Budaya"

pada topik:" Seni Rusia abad ke-20"

Pelaksana:

kelompok siswa: UZ-09 SR

Kobyakova Natalia

Kota Yekaterinburg

2009

pengantar

1. Seni Rusia abad ke-20

3. Realisme dalam seni visual dan sastra paruh pertama abad ke-20: bahasa baru, struktur artistik-figuratif lukisan realistis

4. Pembentukan budaya era Soviet. Prestasi dan kesulitan dalam pengembangan seni dalam kondisi totalitarianisme

5. Fenomena bawah tanah. Seni Soviet 50-80 tahun

6. Perkembangan budaya Rusia baru pada periode pasca-Soviet

Kesimpulan

Daftar literatur yang digunakan

pengantar

Kebudayaan merupakan salah satu bidang terpenting dalam kehidupan sosial. Dalam konsep “kebudayaan”, seseorang dan aktivitasnya bertindak sebagai basis sintesis, karena budaya itu sendiri adalah ciptaan seseorang, hasil dari upaya kreatifnya. Namun dalam budaya manusia tidak hanya bertindak, tetapi juga menjadi makhluk yang berubah.

Untuk alasan-alasan ini, percakapan tentang seni abad ke-20 harus dimulai dengan beberapa premis yang menjadi dasar untuk lebih mempertimbangkan seni itu sendiri. Dalam hal ini, sangat adil untuk menerima tesis berikut sebagai premis awal: seni abad ke-20 adalah titik balik, dan bukan hanya periode lama atau hanya periode baru dalam sejarahnya. Seni ini adalah krisis dalam arti kata kamus asli, yang mengekspresikan ketegangan tertinggi dari titik balik. Dalam seni abad ke-20, hukum yang melekat secara tepat dan eksklusif pada titik balik memerintah dengan kekuatan yang luar biasa dan sangat menentukan. Masing-masing era kritis dicirikan oleh kekhususan aspek sejarah seni rupa dan hubungannya.

Tes akan memeriksa nasib tragis budaya Rusia abad ke-20, perpecahannya menjadi domestik dan emigrasi, fenomena avant-garde Rusia dalam sejarah budaya artistik pada awal abad ke-20, tren utamanya, konsep artistik dan perwakilan; realisme dalam seni rupa dan sastra paruh pertama abad ke-20; pembentukan budaya era Soviet. Prestasi dan kesulitan dalam perkembangan seni rupa dalam kondisi totalitarianisme; fenomena bawah tanah; perkembangan budaya Rusia baru pada periode pasca-Soviet.

1. Seni Rusia abad ke-20

1.1 Nasib tragis budaya Rusia abad XX, terpecah menjadi domestik dan emigran

Tragedi nasib budaya Rusia abad ke-20, perpecahannya menjadi budaya domestik dan emigrasi sangat ditentukan oleh faktor-faktor berikut: masalah buta huruf (pada tahun 1926, 43% orang berusia 9-49 tahun dan sebagian besar usia yang lebih tua buta huruf), sistem pendidikan menengah khusus dan pendidikan tinggi mulai berkembang dengan cepat, atau lebih tepatnya dipercepat. Secara umum, "percepatan" sebagai karakteristik hubungan sosial mulai semakin sering memanifestasikan dirinya.

Perkembangan ilmu pengetahuan Soviet terhambat oleh suasana negara totaliter yang menindas, yang terutama mengental pada akhir tahun 1930-an. Ilmu-ilmu sosial ditempatkan di bawah kendali partai yang ketat. Hasrat pimpinan partai untuk memastikan penggalangan spiritual rakyat di sekitar tugas-tugas modernisasi masyarakat dalam basis material yang sangat lemah menyebabkan peningkatan faktor ideologis. Salah satu arah propaganda adalah seruan terhadap tradisi nasional. Dalam kaitan ini, peran pendidikan sejarah, penelitian sejarah yang berorientasi ke arah yang benar semakin berkembang.

Situasi yang lebih tragis berkembang di bidang sastra dan seni. Pada bulan April 1932, Komite Sentral Partai Komunis All-Union mengadopsi resolusi "Tentang restrukturisasi organisasi sastra dan seni", yang menghilangkan globalisme relatif periode NEP di bidang penciptaan artistik. Banyak kelompok sastra digantikan oleh satu Persatuan Penulis Soviet (Kongres Seluruh Serikat Penulis Soviet ke-1 diadakan pada tahun 1934). Sejak saat itu, partai telah berusaha untuk mendorong semua keragaman kreativitas artistik ke dalam "realisme sosialis". Penindasan tahun 30-an juga mempengaruhi penulis, terutama ideolog Rapp (L. Averbakh, V. Kirshon, G. Gorbachev, dll.), dari lebih dari lima puluh penulis yang termasuk dalam kelompok sastra yang bertahan hingga tahun 30-an, tiga ditindas - Mandelstam, Tretyakov, Babel. Dan penulis seperti Klyuev, Klychkov, Kasatkin, Pribludny, Vasiliev, Karpov meninggal, kecuali yang terakhir.

Tindakan rezim tersebut dan suasana yang diciptakannya menyebabkan gelombang emigrasi. Dan sebagai konsekuensinya, munculnya budaya emigran. Kepedihan dan penderitaan budaya emigrasi Rusia dapat dilihat di jalur kreatif Solzhenitsyn, Khlebnikov, fisikawan Gamow, filsuf Bulgakov, Berdyaev, Trubetskov, dan lainnya.Dalam kerangka arus dominan "realisme sosialis", karya dari jenis yang berbeda dibuat. Dalam literatur seperti "Hati Anjing", "Tuan dan Margarita" oleh Bulgakov, puisi oleh Mayakovsky dan Blok, novel dan cerita oleh Gorky, Ilf dan Petrov. Karya-karya banyak penulis fiksi ilmiah menonjol karena kecerahannya, puisi Zabolotsky, Akhmatova, Tsvetaeva, Gumilyov, film oleh sutradara Eisenstein, Pudovkin, Dovzhenko, dan lainnya [Ibid, 92].

2. Avant-garde Rusia sebagai fenomena dalam sejarah budaya seni pada awal abad ke-20

Avant-garde adalah nama konvensional untuk gerakan artistik yang menyatukan pola pikir seniman abad ke-20, yang dicirikan oleh keinginan untuk pembaruan radikal praktik artistik, pemutusan dengan prinsip dan tradisi yang mapan, pencarian baru, tidak biasa dalam isi, sarana ekspresi dan bentuk karya, hubungan seniman dengan kehidupan. Ciri-ciri avant-gardisme pada abad ke-20 memanifestasikan dirinya dalam sejumlah aliran dan tren modernisme, yang berkembang secara intensif pada periode 1905-30-an. (fauvisme, kubisme, futurisme, ekspresionisme, dadaisme, surealisme, seni abstrak, sejumlah tren rasionalistik dalam modernisme, dll). Sebenarnya, itu adalah gerakan yang membuat kudeta, tetapi di tahun 30-an memudar sebagai tren populer. Hanya setelah Perang Dunia ke-2 1939-45 dalam seni sejumlah negara Barat. Eropa dan Lat. Di Amerika, seiring dengan menguatnya posisi seni rupa yang “terlibat” secara realistis, terjadi kebangkitan kembali kecenderungan avant-garde. Neo-avant-gardisme muncul, yang sekarang sepenuhnya cocok dengan kerangka modernisme.

Perwakilan utama dari tren ini di Rusia adalah V. Malevich, V. Kandinsky, M. Larionov, M. Matyushin, V. Tatlin, P. Kuznetsov, G. Yakulov, A. Exter, B. Ender dan lainnya.

2.1 Tren utama dalam avant-garde Rusia. Konsep dan perwakilan artistik

Arah utama dari avant-garde meliputi fauvisme, kubisme, seni abstrak, suprematisme, futurisme, dadaisme, ekspresionisme, konstruktivisme, lukisan metafisik, surealisme, seni naif, dodecaphony dan aleatorics dalam musik, puisi konkret, musik konkret, seni kinetik, sebagai serta tokoh-tokoh besar seperti itu, yang secara umum tidak termasuk dalam salah satu arah yang ditunjukkan, seperti Picasso, Chagall, Filonov, Klee, Matisse, Modigliani, Le Corbusier, Joyce, Proust, Kafka, dan beberapa lainnya. Hanya klasifikasi bersyarat yang dimungkinkan, apalagi hanya menurut parameter individu, dari serangkaian fenomena avant-garde yang beraneka ragam, sangat berbeda dalam banyak hal.

Abstraksionisme. Para ahli teori dan praktisi utama adalah V. Kandinsky, P. Mondrian. Abstraksionisme menolak untuk menggambarkan bentuk-bentuk realitas yang dirasakan secara visual, dari isomorfisme dan berfokus secara eksklusif pada sifat warna yang ekspresif, asosiatif, sinestetik, bentuk warna abstrak non-isomorfik, dan kombinasinya yang tak terhitung jumlahnya. Karya abstrak pertama diciptakan pada tahun 1910 oleh Kandinsky. Dalam pemahaman Kandinsky, seorang seniman hanyalah mediator Spiritual, instrumen yang dengannya ia terwujud dalam bentuk artistik. Oleh karena itu, seni abstrak bukanlah penemuan seniman kontemporer, tetapi bentuk ekspresi diri Spiritual yang secara historis alami, memadai pada masanya.

Arah kedua berkembang di sepanjang jalan menciptakan jenis ruang artistik baru dengan menggabungkan semua jenis bentuk geometris, bidang berwarna, kombinasi garis lurus dan garis putus-putus. Perwakilan utamanya adalah Malevich dari periode Suprematisme geometris. Dalam hal ini, banyak karya abstraksionisme (terutama karya Kandinsky, Malevich, M. Rothko, sebagian Mondrian) dapat berfungsi sebagai objek meditasi dan mediator dalam praktik spiritual lainnya. Bukan kebetulan bahwa Malevich merasa dalam karya-karyanya kedekatan dengan ikon Rusia, dan di balik "Lapangan Hitam" -nya, reputasi "ikon abad ke-20" diperkuat. Penunjukan, yang diberikan pada awalnya dengan konotasi yang menghina dan ironis, dengan baik mengungkapkan esensi dari fenomena ini.

Suprematisme adalah salah satu bidang seni lukis abstrak yang dibuat pada pertengahan tahun 1910-an. K. Malevich. Tujuannya adalah ekspresi realitas dalam bentuk sederhana (garis, persegi, segitiga, lingkaran) yang mendasari semua bentuk lain dari dunia fisik. Lukisan terkenal Malevich "Black Square" (1915) menjadi manifesto bergambar Suprematisme.

Konstruktivisme. Sebuah tren yang muncul di Rusia (dari 1913-14) di antara seniman dan arsitek yang berorientasi materialistis di bawah pengaruh langsung kemajuan teknis dan sentimen demokratis komunitas revolusioner. Pendirinya adalah seniman V. Tatlin, perwakilan utama di Rusia adalah A. Rodchenko, L. Popov, V. Stepanova, saudara-saudara Stenberg, ahli teori N. Puni, B. Arvatov, A. Gan; di Barat - Le Corbusier, A. Ozanfan, T. Van Doosburg, V. Gropius, L. Mogoli-Nagy.

Pada pergantian abad, sebuah gaya muncul yang mempengaruhi semua bentuk seni plastik, dimulai, pertama-tama, dengan arsitektur (di mana eklektisisme berlaku untuk waktu yang lama) dan berakhir dengan grafik, yang menerima nama gaya. modern... Art Nouveau adalah tahap baru dalam sintesis arsitektur, lukisan, seni dekoratif. Art Nouveau memanifestasikan dirinya dengan cara berikut: dalam patung - fluiditas bentuk, ekspresi khusus siluet, dinamisme komposisi; dalam lukisan - simbolisme gambar, kecanduan legenda lain.

Munculnya modernitas tidak berarti bahwa ide-ide gerakan keliling mati pada akhir abad ini. Pada tahun 90-an, lukisan bergenre berkembang, tetapi berkembang agak berbeda dari pada gerakan ulang "klasik" tahun 70-an-80-an. Salah satu seniman terbesar, inovator lukisan Rusia pada pergantian abad adalah Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911).... Serov sering menulis perwakilan dari intelektual artistik: penulis, seniman, seniman. Tetapi tema khusus dalam karya Serov adalah tema petani. Dalam genre petaninya tidak ada ketajaman sosial keliling, tetapi ada rasa keindahan dan harmoni kehidupan petani, kekaguman akan kecantikan sehat orang-orang Rusia.

cara kreatif Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856-1910) lebih langsung, meskipun luar biasa kompleks. Pada tahun 90-an, ketika sang seniman menetap di Moskow, gaya penulisan Vrubel, penuh misteri dan kekuatan hampir iblis, berkembang. Kombinasi warna tidak mencerminkan realitas hubungan warna, tetapi memiliki makna simbolis. Dengan Vrubel kita memasuki abad baru, era "Zaman Perak", periode terakhir budaya St. Petersburg Rusia

Victor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905)- eksponen langsung simbolisme bergambar dan salah satu retrospektif pertama dalam seni rupa yang berbatasan dengan Rusia. Karya-karyanya adalah kesedihan elegi untuk "sarang mulia" lama yang kosong dan "kebun ceri" yang sekarat, untuk wanita cantik, yang spiritual, hampir tidak wajar, mengenakan beberapa kostum abadi yang tidak memiliki tanda-tanda eksternal tempat dan waktu. seniman "Dunia Seni"- sebuah organisasi yang muncul di St. Petersburg pada tahun 1898 dan menyatukan para master budaya artistik tertinggi, elit artistik Rusia pada tahun-tahun itu. Kepribadian Diaghilev, seorang dermawan dan penyelenggara pameran, dan kemudian impresario tur balet dan opera Rusia di luar negeri, sangat penting untuk pembentukan asosiasi ini. Ketika pada bulan Maret 1903 pameran kelima "Dunia Seni" terakhir ditutup, pada bulan Desember 1904 edisi terakhir majalah "Dunia Seni" diterbitkan, sebagian besar seniman pindah ke "Persatuan Seniman Rusia" yang diselenggarakan atas dasar pameran Moskow "36" ... Pada tahun 1910, upaya dilakukan untuk menghembuskan kehidupan ke "Dunia Seni" (dipimpin oleh Roerich).

Pada tahun 1903, seperti yang telah disebutkan, salah satu asosiasi pameran terbesar di awal abad ini muncul - "Persatuan Seniman Rusia". Peserta pameran "Union" adalah seniman dengan sikap yang berbeda: S. Ivanov, M. Nesterov, A. Arkhipov, saudara-saudara Korovin, L. Pasternak. Urusan organisasi bertanggung jawab atas A.M. Vasnetsov, S.A. Vinogradov, V.V. Penjilid buku. Pilar-pilar gerakan V.M. Vasnetsov, Surikov, Polenov adalah anggotanya. K. Korovin dianggap sebagai pemimpin "Persatuan".

Pada tahun 1910 sejumlah seniman muda - P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, R. Falk, A. Kuprin, M. Larionov, N. Goncharova dan lainnya - bersatu dalam organisasi "Jack of Diamonds», Yang memiliki piagam sendiri, menyelenggarakan pameran dan menerbitkan koleksi artikelnya sendiri. "Jack of Diamonds" sebenarnya ada sampai tahun 1917. Sama seperti post-impresionisme, pertama-tama Cézanne, adalah "reaksi terhadap impresionisme", jadi "Jack of Diamonds" menentang ketidakjelasan, tidak dapat diterjemahkan, nuansa halus dari bahasa simbolis "Biru". Mawar" dan gaya estetika "Dunia Seni".

Penyederhanaan ekstrim dari bentuk, hubungan langsung dengan seni signage terutama terlihat di M.F. Larionov (1881-1964), salah satu pendiri "Jack of Diamonds", tetapi pada tahun 1911 putus dengannya dan menyelenggarakan pameran baru: "Donkey's Tail" dan "Target". Temanya adalah kehidupan sehari-hari jalan provinsi, barak tentara. Pada tahun 1913 Larionov menerbitkan bukunya "Luchism" - pada kenyataannya, yang pertama dari manifesto seni abstrak, pencipta sebenarnya di Rusia adalah V. Kandinsky dan K. Malevich. M.Z. Chagall (1887–1985) menciptakan fantasi yang diubah dari kesan membosankan kehidupan kota kecil Vitebsk dan ditafsirkan dalam semangat naif-puitis dan simbolis yang aneh.

Seni tahun-tahun pra-revolusioner di Rusia ditandai oleh kompleksitas luar biasa dan kontradiksi pencarian artistik, oleh karena itu pengelompokan berturut-turut dengan pengaturan program dan simpati gaya mereka sendiri. Tetapi bersama dengan para peneliti di bidang bentuk abstrak dalam seni Rusia saat ini, baik "dunia seni", dan "goluborozovtsy", "sekutu", seni "dalam" generasi kedua " Z.E. Serebryakova (1884-1967). Akhirnya, kreativitas Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin (1878–1939), seorang seniman-pemikir yang kemudian menjadi master seni terkenal di periode Soviet.

Era kapitalisme industri yang sangat maju membawa perubahan signifikan dalam Arsitektur, terutama dalam arsitektur kota. Jenis baru struktur arsitektur muncul: pabrik dan pabrik, stasiun kereta api, toko, bank; dengan munculnya bioskop, bioskop. Revolusi dibuat dengan bahan bangunan baru: beton bertulang dan struktur logam, yang memungkinkan untuk tumpang tindih dengan ruang raksasa, membuat pajangan besar, dan menciptakan pola ikatan yang aneh.

Dalam dekade terakhir abad ke-19, menjadi jelas bagi para arsitek bahwa arsitektur telah mencapai jalan buntu dalam penggunaan gaya sejarah masa lalu; mereka membutuhkan, menurut para peneliti, bukan "penataan ulang" gaya sejarah, tetapi pemahaman kreatif baru yang terakumulasi di lingkungan kota kapitalis yang berkembang pesat. Tahun-tahun terakhir XIX - awal abad XX. - ini adalah masa dominasi modernitas di Rusia, contoh mencolok di mana di Rusia adalah kreativitas FO. Shekhtel(1859-1926). Rumah apartemen, rumah mewah, bangunan perusahaan perdagangan, dan stasiun kereta api - dalam semua genre ditinggalkan oleh F.O. Tulisan tangan Shekhtel sendiri. Di Art Nouveau, evolusi tertentu dapat dilacak, dua tahap perkembangan: yang pertama dekoratif, dengan hasrat untuk ornamen, patung dekoratif dan keindahan (keramik, mosaik, kaca patri), yang kedua lebih konstruktif, rasionalistik.

Mikhail Vrubel

Vrubel Mikhail Alexandrovich (1856–1910), seniman Rusia, perwakilan terbesar dari Simbolisme dan Art Nouveau dalam seni rupa Rusia. Lahir di Omsk pada 5 Maret (17), 1856. Vrubel belajar di Akademi Seni St. Petersburg (1880-1884) di bawah Pavel Petrovich Chistyakov; dia mengambil pelajaran cat air dari Ilya Efimovich Repin. Lukisan Renaisans Venesia memiliki pengaruh khusus pada Vrubel. Diundang untuk memulihkan Gereja St. Cyril (abad ke-12), Vrubel dalam beberapa kasus harus melakukan komposisi baru (khususnya, "Keturunan Roh Kudus", 1884); pada saat yang sama sang seniman melukis ikon "Bunda Allah dan Anak" (Museum Seni Rusia Kiev). Kemegahan warna Vrubel yang mempesona dimanifestasikan sepenuhnya dalam lukisan "Gadis dengan latar belakang karpet Persia" (1886, ibid.). Setelah pindah ke Moskow, Vrubel menjadi salah satu anggota paling aktif dari kelompok seni Savva Mamontov. Di sini pelukis melukis sejumlah lukisan terbaiknya, bekerja di majolica - patung Tsar Berendey, Lel, Volkhova, semuanya di Galeri Tretyakov, Moskow, mengacu pada desain, melakukan sketsa untuk kompor keramik, vas, bangku (Museum di Abramtsevo) . "Gaya Rusia" dari hal-hal ini menemukan ekspresinya dalam skenografinya, terkait dengan opera Rusia swasta Moskow Savva Ivanovich Mamontov, termasuk dalam desain Sadko (1897) dan The Tales of Tsar Saltan (1900) oleh Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov . Bakat Vrubel sebagai dekorator juga dimanifestasikan dalam panel besarnya "Princess Dreams", yang ditugaskan untuk Pameran Nizhny Novgorod (1896, Galeri Tretyakov).

Setan, 1890, Penerbangan Faust dan Mephistopheles, 1896, Putri Angsa, 1900, Seraphim Azrael bersayap enam, Pan 189

Suasana dongeng, ciri khas lukisan "Pan" (1899), "Putri Angsa", "Menuju Malam", "Lilac" (semuanya 1900), tragedi itu mencapai puncaknya pada gambar Vrubel yang kembali untuk ilustrasinya pada puisi Lermontov " Setan "(cat air, kapur, 1890-1891, Galeri Tretyakov dan Museum Rusia, St. Petersburg), - dalam lukisan" Setan "(1890) dan" Setan Dikalahkan "(1902; keduanya bekerja - Galeri Tretyakov).

Pada tahun 1902, Vrubel terkena penyakit mental yang serius, tetapi pada periode berikutnya (terutama dihabiskan di klinik swasta di Moskow dan St. Petersburg) ia menciptakan banyak karya yang ditandai dengan keterampilan yang luar biasa ("Mutiara", 1904; Potret Valery Yakovlevich Bryusov , 1906), - karya transisi dari Art Nouveau ke avant-garde. Pada tahun 1906 artis itu menjadi buta. Vrubel meninggal di St. Petersburg pada 1 April (14), 1910. Pengaruh seninya bersifat universal: sampai tingkat tertentu, hampir semua master utama seni Rusia abad ke-20 mengalaminya.

42 "Dunia Seni" - sebuah fenomena penting dalam kehidupan artistik Rusia pada akhir abad ke-19 - awal abad ke-20, yang memainkan peran besar dalam pengembangan tidak hanya seni rupa di Rusia, tetapi juga teater, musik, arsitektur, dan seni terapan.

Tempat lahir "Dunia Seni" adalah lingkaran kaum intelektual Petersburg, yang muncul pada tahun 1890-an. Itu termasuk artis A. N. Benois, K. A. Somov, L. S. Bakst. Pada akhir dekade ini, "Dunia Seni" terbentuk sebagai asosiasi ideologis dan artistik. Itu dihadiri oleh V.A. Serov, yang mendukungnya dengan otoritasnya. EE Lansere dan MV Dobuzhinsky bergabung dengan inti dari kelompok muda. Peran organisasi besar dimainkan oleh S.P.Dyagilev, yang dikhususkan untuk kepentingan seni. Dari tahun 1899 hingga 1904, tokoh-tokoh "Dunia Seni" menerbitkan majalah sastra dan seni. Namun, itu tidak seragam dalam fokusnya. Departemen seninya, yang dipimpin oleh master seni visual yang luar biasa, sangat berbeda dari departemen sastra-filosofis, yang memiliki karakter simbolis-religius.

Dunia Seniman menganggap tujuan utama mereka adalah pembaruan seni Rusia, peningkatan budaya artistik, keterampilan, dan pengenalan luas dengan tradisi warisan asing dan domestik. Seniman Mir menyelenggarakan pameran seni dalam dan luar negeri yang ekstensif, adalah penggagas banyak upaya artistik. Mereka kemudian menyatakan diri mereka sebagai penentang baik akademis rutin maupun kehidupan sehari-hari yang remeh dari Pengembara belakangan.

Dalam praktik kreatif mereka, Dunia Seniman berangkat dari pengamatan kehidupan tertentu, menggambarkan alam dan manusia kontemporer. Pada tahun-tahun awal kehidupan asosiasi, Dunia Seniman memberikan penghormatan kepada individualisme. Kemudian, pada dekade pra-revolusioner, mereka sebagian besar merevisi posisi estetika mereka, mengakui individualisme sebagai perusak seni. Selama periode ini, modernisme menjadi musuh ideologis utama mereka.

Dalam dua jenis seni, para seniman "Dunia Seni" telah mencapai kesuksesan yang sangat signifikan: dalam teater dan dekoratif, yang mewujudkan impian mereka tentang harmoni seni, tentang sintesis mereka, dan dalam grafik.

Grafis menarik dunia seni rupa sebagai salah satu bentuk seni massa, mereka juga terkesan dengan bentuk ruangnya, yang tersebar luas pada tahun-tahun itu di banyak jenis seni. Selain itu, grafis menuntut perhatian khusus, karena mereka jauh lebih berkembang daripada lukisan. Terakhir, prestasi di industri percetakan dalam negeri juga turut andil dalam perkembangan grafis.

Lanskap Petersburg tua dan pinggirannya, keindahan yang dimuliakan para seniman, serta potret, yang dalam karya mereka pada dasarnya mengambil tempat yang sama dengan yang indah, menjadi orisinalitas grafik kuda-kuda Dunia Seni. A.P. Ostroumova-Lebedeva memberikan kontribusi besar pada grafik awal abad ke-20; dalam karyanya ukiran kayu didirikan sebagai bentuk seni independen. Karya romantis V.D.Falileev, yang mengembangkan seni ukiran di linoleum, sangat aneh. Fenomena paling signifikan di bidang etsa adalah karya V. A. Serov. Mereka dibedakan oleh kesederhanaan mereka, keparahan bentuk dan keterampilan yang sangat baik dalam menggambar. Serov juga mendorong pengembangan litografi ke depan, menciptakan sejumlah potret luar biasa dalam teknik ini, dibedakan oleh ekspresinya dengan ekonomi sarana artistik yang luar biasa.

Master Dunia Seni telah mencapai sukses besar di bidang ilustrasi buku, meningkatkan budaya artistik buku ke tingkat yang tinggi. Yang sangat signifikan dalam hal ini adalah peran A. N. Benois, E. E. Lansere, M. V. Dobuzhinsky. I. Ya. Bilibin, D. N. Kardovsky, G. I. Narbut, D. I. Mitrokhin, S. V. Chekhonin dan lainnya bekerja dengan baik dalam grafik buku.

Pencapaian terbaik seni grafis pada awal abad ini, dan pertama-tama, "Dunia Seni", berisi prasyarat untuk pengembangan grafis Soviet secara luas.

Avant-garde Rusia

Langkah malu-malu pertama menuju seni avant-garde dibuat pada tahun 1907 oleh para seniman asosiasi "Mawar Biru"- P. Kuznetsov, N. apunov, S. Sudeikin, M. Saryan, A. Fonvizin, N. Krymov. Gaya "Goluborozovtsev", halus, puitis, terkait erat dengan estetika simbolisme, diciptakan dengan penekanan pada neo-primitivisme, yang sebagian memengaruhi perkembangan karya "titan" avant-garde Rusia seperti M. Larionov, N. Goncharova atau K. Malevich.

Seni baru pertama kali dengan lantang mendeklarasikan dirinya pada tahun 1910 di pameran Jack of Diamonds, yang diselenggarakan atas inisiatif Mikhail Larionov. Master asli dan sangat berbeda mengambil bagian di dalamnya - Ilya Mashkov (1), Natalia Goncharova (2), Aristarkh Lentulov (3), Robert Falk, dan banyak lainnya. Semuanya disatukan oleh suasana "areal pictorial action", keinginan untuk menyampaikan suasana stan, pertunjukan yang adil.

Gaya bergambar "berlian valet" dicirikan oleh campuran aneh pasca-impresionisme Prancis dengan tradisi lukisan ikon Rusia murni dan metode seni rakyat (cetakan populer, nampan lukisan dan mainan, papan nama toko). Pameran ini benar-benar mengejutkan bagi orang-orang Moskow yang terhormat dan bahkan bagi kritikus seni yang telah melihat banyak. Namun, penyelenggaranya akan kesal jika efeknya berbeda. Bagaimanapun, pilihan nama pameran menjadi sangat mengejutkan: di jargon jalanan "jack of diamonds" berarti "penipu", "nakal", "orang yang tidak jujur".

Sayangnya (atau untungnya untuk pengembangan lebih lanjut dari avant-garde), pada tahun 1912, perbedaan kreatif mulai di antara anggota asosiasi. Larionov dan Goncharova berpisah dari nukleus utama, sementara sisanya mengumumkan pembentukan grup resmi di bawah nama "Jack of Diamonds". Dalam karyanya, orang-orang Diamonds mengandalkan penemuan Paul Cezanne, terutama di bidang warna dan ruang, oleh karena itu still life dan landscape menjadi genre favorit mereka.

Larionov dan Goncharova tidak menyetujui hasrat seni Prancis seperti itu, percaya bahwa mantan rekan mereka terlalu menghargai master Barat dan terlalu sedikit memperhatikan tradisi nasional. Pada tahun 1912 mereka menyelenggarakan pameran yang disebut "ekor keledai"- sebagai singgungan terhadap situasi yang muncul di "Salon Independen", di mana kanvas yang dilukis dengan ekor keledai dicoba untuk dilewatkan sebagai mahakarya seni avant-garde. Larionov dan Goncharova tidak sepenuhnya meninggalkan penggunaan teknik melukis oleh para master Eropa, tetapi menggabungkannya dengan pencapaian lukisan rakyat Rusia dan lukisan ikon (4). Arah lukisan integral tidak tumbuh dari pameran, tetapi ternyata sangat signifikan untuk pengembangan lebih lanjut dari avant-garde Rusia. Dalam setahun mereka menggelar pameran lain, "Target", di mana seniman futuris St. Petersburg ambil bagian. Di sana Larionov mendemonstrasikan karya "bercahaya" non-objektif pertamanya.

Kehidupan artistik St. Petersburg juga tidak berhenti. Pada tahun 1910, asosiasi kreatif muncul di sini "Persatuan Pemuda", yang tidak memiliki program khusus dan menyatukan perwakilan dari berbagai tren artistik (O. Rozanova, I. Klyun (6), N. Altman, A. Ekster, N. Udaltsova, M. Shagal). Tidak seperti Moskow, Petersburger lebih dipengaruhi oleh Kubisme dan futuris Italia, dan versi futurisme Rusia ternyata jauh lebih kaya dan lebih menarik daripada apa yang diusulkan Marinetti dan para pengikutnya. Menggabungkan prinsip-prinsip dua arah ini, mereka menciptakan gaya mereka sendiri atas dasar mereka - kubo-futurisme. Pekerjaan utama dilakukan pada periode 1911-1915. Karya Olga Rozanova sangat orisinal, sejajar dengan Kandinsky dan Malevich, yang mencari jalan menuju abstraksi.

Supremus berarti tertinggi, luar biasa. Istilah, yang diciptakan oleh Malevich untuk arah lukisan baru, seharusnya berarti keunggulan lukisan baru atas segala sesuatu yang datang sebelumnya, kemenangan warna murni, dibebaskan dari dunia benda.

Pada tahun-tahun pertama setelah Revolusi Oktober, banyak universitas dan lokakarya seni muncul di negara itu, di mana para master avant-garde mengambil bagian yang paling bersemangat. Institusi pendidikan utama adalah INKHUK (Lembaga Seni Budaya) dan VKHUTEMAS (Lokakarya Seni Tinggi dan Teknis), di mana tokoh-tokoh terkemuka avant-garde - Popova, Exter, Rodchenko, Malevich, Tatlin, Filonov - mengajar.

Karya Filonov menonjol dalam kaleidoskop beraneka ragam gaya dan fenomena dekade pertama abad kedua puluh. Dia memiliki kehormatan untuk menciptakan arah tertentu yang disebut "Seni analitis" (8). Pada bulan Maret 1914, ia mulai mengumpulkan di sekelilingnya sekelompok orang yang berpikiran sama yang mengeluarkan manifesto “Lokakarya intim pelukis dan juru gambar

Kesatuan kekuatan dan seni tidak ditakdirkan untuk bertahan lama. Sudah di tahun 1920-an, "mengacaukan mur" secara bertahap dimulai. Semakin banyak seniman avant-garde dituduh memisahkan diri dari orang-orang, dicela karena kompleksitas dan kecerdikan yang berlebihan.

Pada tahun 1932, non-campur tangan telah dikeluarkan dari bengkel seni, dan doktrin "realisme sosialis" akhirnya didirikan dalam seni.

Wassily Kandinsky

Kandinsky Wassily (1866-1944), seniman Rusia dan Jerman, ahli teori seni dan penyair, salah satu pemimpin avant-garde paruh pertama abad ke-20; menjadi salah satu pendiri seni abstrak. Lahir di Moskow pada 22 November (4 Desember 1866. Kembali di tahun-tahun gimnasiumnya, ia mulai aktif terlibat dalam musik dan melukis. Dari 1885 Kandinsky belajar hukum di universitas di Moskow, tetapi kemudian memutuskan untuk mengabdikan dirinya pada seni. Dari 1897 ia tinggal di Munich, di mana ia belajar di Akademi Seni lokal di bawah arahan Franz von Stuck. Dia sering bepergian di Eropa dan Afrika Utara (1903-1907), (lukisan "Kehidupan penuh warna", "Ladies in crinolines" dan lainnya). Pada tahun 1910, Kandinsky menciptakan improvisasi bergambar abstrak pertama dan menyelesaikan risalah "On the Spiritual in Art" (buku itu diterbitkan pada tahun 1911 dalam bahasa Jerman).

Kehidupan penuh warna, Moskow 1

Pada tahun 1914, Wassily Kandinsky kembali ke Rusia, tempat ia tinggal terutama di Moskow. ("Moskow. Lapangan Merah", 1916, Galeri Tretyakov; "Bermasalah", ibid; "Twilight", Museum Rusia; "Gray Oval", Galeri Seni, Yekaterinburg; semua karya - 1917). Pada tahun 1918 Wassily Kandinsky menerbitkan buku otobiografinya Steps. Namun, karena tidak menerima ideologi komunis, ia meninggalkan Rusia selamanya pada tahun 1921. Tinggal di Jerman. ("In the Black Square", 1923; "Several Circles", 1926; kedua lukisan tersebut berada di Museum Guggenheim, New York). Pada tahun 1924 master membentuk asosiasi dengan Jawlensky, L. Feininger dan P. Klee Empat Biru mengatur pameran bersama dengan mereka. Dengan dimulainya pendudukan Jerman (1939), ia kembali ke Paris, di mana ia terus bekerja secara aktif, termasuk dalam proyek balet film komedi, yang ingin ia buat bersama dengan komposer Hartmann.Kandinsky meninggal di Neuilly- sur-Seine pada 13 Desember 1944.

Pavel Filonov

lahir di Moskow. Yatim piatu lebih awal, ia pindah ke St Petersburg, di mana ia mengambil pelajaran melukis. Sejak 1908 Pavel Filonov belajar di Akademi Seni, dari mana ia dikeluarkan pada tahun 1910. Pada tahun 1911. dia menghubungi Persatuan Pemuda dan berpartisipasi dalam pameran mereka. Tahun berikutnya ia melakukan perjalanan ke Italia dan Prancis.

Karya-karya penting pertama Filonov, biasanya ditulis dalam media campuran di atas kertas (Pria dan Wanita, Pesta Para Raja, Timur dan Barat, Barat dan Timur; semua karya - 1912–1913, Museum Rusia, St. Petersburg), berdampingan erat dengan Simbolisme dan Art Nouveau merancang pemandangan panggung untuk tragedi Vladimir Mayakovsky "Vladimir Mayakovsky". lukisan seniman itu dipamerkan pada pameran seni pekerja gratis negara bagian pertama di Petrograd.

Pada tahun 1923. Pavel Filonov menjadi profesor di Akademi Seni dan anggota Institut Budaya Artistik (INHUK). Pada tahun yang sama, "Deklarasi Pertumbuhan Dunia" Pavel Filonov diterbitkan di majalah Zhizn iskusstva. Dua tahun kemudian, Pavel Filonov mengumpulkan sekelompok master lukisan analitis (sekarang dikenal sebagai sekolah Filonov). Karena kritik keras dan serangan terus-menerus terhadap Filonov, pamerannya direncanakan pada tahun 1929-1930. di Museum Rusia tidak terjadi. Pada tahun 1932. Kehidupan dan pekerjaannya tidak terganggu oleh perang. Dia meninggal karena pneumonia selama blokade Leningrad pada tahun 1941. Pada tahun 1967. pameran anumerta karya Pavlov Filonov diadakan di Novosibirsk.

Rumah kecil di Moskow

Malevich Kazimir (1878 (?) - 1935)- artis, salah satu pendiri. ahli geometri. abstrak seni., ayah dari Belarusia. - Seniman Belarusia dan Rusia, salah satu pendiri seni abstrak geometris .. Kazimir Malevich lahir pada 23 Februari 1878 atau 1879 di Kiev. Menurut kepercayaan populer, tanggal lahir K. Malevich adalah 1878, namun, menurut penelitian penulis Kiev D. Gorbachev, catatan arsip metrik yang ditemukan pada tahun 2004 menunjukkan bahwa tanggal lahir K. Malevich adalah 1879 .

Orang tua Malevich berasal dari Polandia. Ayah saya bekerja sebagai manajer di pabrik gula industrialis terkenal Ukraina, Tereshchenko. Menurut sumber lain, ayah Malevich adalah ahli etnografi dan cerita rakyat Belarusia Severin Antonovich Malevich (1845-1902). Ibu Ludwig Alexandrovna (1858-1942) adalah seorang ibu rumah tangga. Keluarga Malevich memiliki empat belas anak, tetapi hanya sembilan dari mereka yang bertahan hingga dewasa. Casimir adalah anak sulung. Dia mulai belajar menggambar sendiri, setelah ibunya memberinya satu set cat pada usia 15 tahun. Pada usia 17, ia menghabiskan beberapa waktu di Sekolah Seni Kiev N.I.Murashko. Pada tahun 1896 keluarga Malevich menetap di Kursk. Di sana Casimir bekerja sebagai pejabat kecil, tetapi meninggalkan dinas demi karier sebagai seniman. Karya pertama Malevich ditulis dengan gaya impresionisme. Kemudian Malevich menjadi salah satu peserta aktif dalam pameran futuristik. Pada tahun 1913 ia merancang opera futuristik Victory over the Sun.

Pada 1919-1922 Kazimir Malevich mengajar di Sekolah Seni Rakyat tentang "model revolusioner baru" di Vitebsk. Pada 1920-an ia mengambil bagian dalam desain pertunjukan V. V. Mayakovsky "Mystery-Buff".

Dari 1923 hingga 1927 - Direktur Institut Budaya Seni Negeri Leningrad. Dia adalah anggota Asosiasi Arsitek Kontemporer (OCA). Pada tahun 1930, karya seniman dipamerkan di pameran di Berlin dan Wina. Pada musim gugur 1930 Malevich ditangkap oleh NKVD sebagai "mata-mata Jerman." Dia tetap di penjara sampai Desember 1930. Lukisannya ditahan selama bertahun-tahun di Uni Soviet.

Malevich adalah promotor yang konsisten dari teorinya sendiri. Seiring waktu, sekelompok orang yang berpikiran sama UNOVIS (Hardeners of the New Art) terbentuk di sekelilingnya. Kreasi seniman avant-garde Rusia awal abad ini meledakkan kesadaran visual pro-Barat yang sudah ketinggalan zaman.

Dia adalah anggota kelompok seniman muda Donkey's Tail.

Lukisan paling terkenal oleh Malevich, Black Square (1915), yang merupakan semacam manifesto bergambar Suprematisme. Tambahan mistis pada gambar itu adalah "Lingkaran Hitam" dan "Salib Hitam". Menurut wasiatnya, setelah kematiannya, tubuh Malevich dikremasi dalam peti mati Suprematis, dan kemudian guci itu dimakamkan di bawah pohon ek favorit artis di dekat desa Nemchinovka. Sebuah monumen beton berbentuk kubus dengan gambar kotak hitam didirikan di atas kuburan. Selama perang, kuburan itu hilang. Saat ini, lokasinya telah ditetapkan dengan cukup akurat oleh para peminat. Makam itu terletak di dekat Sovetsky Prospekt di Nemchinovka, di sebelah timur kolam. Sebuah monumen kecil didirikan di lokasi kuburan.

Artikel ini berisi deskripsi singkat tentang gaya utama seni abad ke-20. Ini akan berguna bagi seniman dan desainer untuk mengetahuinya.

Modernisme (dari bahasa Prancis.moderne modern)

dalam seni, nama kolektif untuk tren artistik yang memantapkan diri pada paruh kedua abad ke-19 dalam bentuk bentuk kreativitas baru, di mana tidak begitu banyak mengikuti semangat alam dan tradisi, seperti pandangan bebas sang master, bebas untuk mengubah dunia yang terlihat atas kebijaksanaannya, mengikuti kesan pribadinya, ide batin atau mimpi mistis (tren ini dalam banyak hal melanjutkan garis romantisme). Yang paling signifikan, sering berinteraksi secara aktif, arahnya adalah impresionisme, simbolisme dan modernitas.Dalam kritik Soviet, konsep "modernisme" secara antihistoris diterapkan pada semua gerakan seni abad ke-20 yang tidak sesuai dengan kanon realisme sosialis.

Abstraksionisme(seni di bawah tanda "bentuk nol", seni non-objektif) adalah arah artistik yang muncul dalam seni paruh pertama abad ke-20, yang sepenuhnya meninggalkan reproduksi bentuk-bentuk dunia nyata yang terlihat. Para pendiri seni abstrak dianggap V. Kandinsky, P. Mondrian dan K. Malevich... V. Kandinsky menciptakan jenis lukisan abstraknya sendiri, membebaskan noda impresionis dan "liar" dari tanda-tanda objektivitas. Piet Mondrian menjadi tidak berarti melalui gaya geometris alam, yang dimulai oleh Cézanne dan Kubisme. Arus modernis abad ke-20, yang berfokus pada abstraksionisme, sepenuhnya menyimpang dari prinsip-prinsip tradisional, menyangkal realisme, tetapi pada saat yang sama tetap berada dalam kerangka seni. Sejarah seni dengan munculnya abstraksi telah mengalami revolusi. Tetapi revolusi ini tidak muncul secara kebetulan, tetapi secara alami, dan telah diprediksi oleh Plato! Dalam karyanya selanjutnya, Fileb, ia menulis tentang keindahan garis, permukaan, dan bentuk spasial dalam dirinya sendiri, terlepas dari tiruan objek yang terlihat, dari mimesis apa pun. Keindahan geometris semacam ini, berbeda dengan keindahan bentuk "tidak teratur" alami, menurut Platon, tidak memiliki sifat relatif, tetapi mutlak, tanpa syarat.

Fytypism- Arus sastra dan seni dalam seni tahun 1910-an. Otvodya cebe pol ppoobpaza ickycctva bydyschego, fytypizm in kachectve ocnovnoy ppogpammy vydvigal ideyu pazpysheniya kyltypnyx ctepeotipov dan ppedlagal vzamen apologiyu texniki dan gpyanaschegox HOWypbanizma Ide artistik penting dari fyturisme telah menjadi pencarian ekspresi fisik dari laju pergerakan sebagai kehidupan mendasar dari tempo kehidupan modern. Futurisme versi Rusia menyandang nama kybofyturism dan didasarkan pada hubungan prinsip-prinsip plastis kybisme fantastik dan eupopeytisitas umum. Dengan menggunakan persilangan, pergeseran, tumbukan, dan aliran bentuk, seniman mencoba mengungkapkan pluralitas impresi yang menghancurkan dari orang kontemporer, penduduk kota.

Kubisme- "revolusi artistik paling lengkap dan radikal sejak Renaisans" (J. Golding). Artis: Picasso Pablo, Georges Braque, Fernand Léger Robert Delaunay, Juan Gris, Gleizes Metzinger... Kubisme - (Kubisme Prancis, dari kubus - kubus) arah dalam seni kuartal pertama abad XX. Bahasa Plactic Kubisme didasarkan pada deformasi dan pengaturan parameter pada bidang geometris, perpindahan bentuk plactic. Banyak seniman Rusia telah mempelajari kybisme, sering kali menggabungkan prinsip-prinsipnya dengan penerimaan xydojustisme dan kepraktisan modern lainnya. Versi khusus interpretasi kybisme di tanah Rusia menjadi kybofuturisme.

Purisme- (Purisme Prancis, dari bahasa Latin purus - murni) terkini dalam lukisan Prancis akhir 1910-an – 1920-an. Perwakilan utama adalah artis A. Ozanfan dan arsitek C.E. Jeanneret (Le Corbusier)... Menolak kecenderungan dekoratif Kubisme dan gerakan avant-garde lainnya tahun 1910-an, deformasi alam yang mereka adopsi, kaum puritan berusaha keras untuk mentransfer bentuk objek yang stabil dan singkat secara rasional, seolah-olah "dibersihkan" dari detail, ke penggambaran elemen "utama". Karya-karya puritan dicirikan oleh kerataan, ritme halus siluet cahaya dan kontur dari jenis objek yang sama (kendi, gelas, dll.). Karena belum menerima pengembangan dalam bentuk kuda-kuda, prinsip-prinsip artistik purisme yang dipikirkan kembali secara signifikan sebagian tercermin dalam arsitektur modern, terutama di gedung-gedung Le Corbusier.

Serrealisme- tren kosmopolitan dalam sastra, lukisan, dan sinema, yang muncul pada tahun 1924 di Prancis dan secara resmi berakhir pada tahun 1969. Ini sangat berkontribusi pada pembentukan kesadaran manusia modern. Tokoh utama gerakan ini adalah Andre Breton- penulis, pemimpin dan inspirator ideologis saat ini, Louis Aragon- salah satu pendiri surealisme, yang kemudian berubah menjadi penyanyi komunisme, Salvador Dali- seorang seniman, ahli teori, penyair, penulis skenario, yang mendefinisikan esensi gerakan dengan kata-kata: "Surrealisme adalah saya!", Seorang sinematografer yang sangat surealis Luis Buñuel, pelukis Juan Miro- "bulu paling indah di topi surealisme", sebagaimana Breton menyebutnya, dan banyak seniman lain di seluruh dunia.

Fauvisme(dari fr. les fauves - liar (hewan)) Arahan lokal dalam melukis awal. abad XX. Nama F. diejek oleh sekelompok seniman muda Paris ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marke, E.O. Friez, J. Braque, A.Sh. Mangen, K. van Dongen), yang bersama-sama mengikuti sejumlah pameran pada tahun 1905-1907, setelah pameran pertama mereka pada tahun 1905, nama itu diadopsi oleh kelompok itu sendiri dan kokoh di belakangnya. Arahnya tidak memiliki program, manifesto, atau teori yang dirumuskan dengan jelas dan tidak bertahan lama, namun meninggalkan jejak yang nyata dalam sejarah seni rupa. Pada tahun-tahun itu, para pesertanya disatukan oleh keinginan untuk membuat gambar artistik secara eksklusif dengan bantuan warna terbuka yang sangat cerah. Mengembangkan prestasi artistik pasca-impresionis ( Cezanne, Gauguin, Van Gogh), mengandalkan beberapa teknik formal seni abad pertengahan (kaca patri, seni Romawi) dan ukiran Jepang, populer di kalangan artistik Prancis sejak zaman Impresionis, Fauves berusaha memanfaatkan kemungkinan pewarnaan lukisan semaksimal mungkin. .

Ekspresionisme(dari ekspresi Prancis - ekspresif) - tren modernis dalam seni Eropa Barat, terutama di Jerman, pada sepertiga pertama abad ke-20, yang terbentuk dalam periode sejarah tertentu - menjelang Perang Dunia Pertama. Dasar pandangan dunia Ekspresionisme adalah protes individualistis terhadap dunia yang buruk, meningkatnya keterasingan manusia dari dunia, perasaan tunawisma, keruntuhan, disintegrasi prinsip-prinsip yang tampaknya menjadi dasar budaya Eropa. Ekspresionis dicirikan oleh kecenderungan ke arah mistisisme dan pesimisme. Karakteristik teknik artistik Ekspresionisme: penolakan ruang ilusi, berjuang untuk interpretasi pesawat objek, deformasi objek, cinta disonansi warna-warni yang tajam, rasa khusus yang mengandung drama apokaliptik. Seniman menganggap kreativitas sebagai cara mengekspresikan emosi.

Suprematisme(dari supremus Latin - tertinggi, tertinggi; yang pertama; yang terakhir, ekstrem, tampaknya melalui supremacja Polandia - superioritas, supremasi) Arah seni avant-garde sepertiga pertama abad ke-20, pencipta, utama perwakilan dan ahli teori di antaranya adalah seniman Rusia Kazimir Malevich... Istilah itu sendiri sama sekali tidak mencerminkan esensi Suprematisme. Bahkan, dalam pemahaman Malevich, ini adalah karakteristik evaluatif. Suprematisme adalah tahap tertinggi dalam pengembangan seni di jalan pembebasan dari segala sesuatu yang non-artistik, di jalan wahyu terakhir dari yang non-objektif, sebagai esensi dari seni apa pun. Dalam pengertian ini, Malevich juga menganggap seni hias primitif sebagai Suprematis (atau "Supremoid"). Untuk pertama kalinya ia menerapkan istilah ini ke sekelompok besar lukisannya (39 atau lebih) yang menggambarkan abstraksi geometris, termasuk "Kotak Hitam" yang terkenal dengan latar belakang putih, "Salib Hitam" dan lainnya, dipamerkan di pameran futuristik Petrograd " zero-ten" pada tahun 1915 d. Ini adalah abstraksi geometris dan sejenisnya yang mengakar nama Suprematisme, meskipun Malevich sendiri mengaitkannya dengan banyak karyanya tahun 1920-an, yang secara lahiriah berisi beberapa bentuk objek tertentu, terutama figur manusia, tetapi mempertahankan "semangat Suprematis." Dan pada kenyataannya, perkembangan teori Malevich kemudian tidak memberikan alasan untuk mereduksi Suprematisme (setidaknya Malevich sendiri) hanya menjadi abstraksi geometris, meskipun mereka, tentu saja, merupakan inti, esensi, dan bahkan (hitam-putih dan putih). -dan-putih Suprematisme) membawa lukisan ke batas keberadaannya secara umum sebagai bentuk seni, yaitu, ke nol pelukis, di luar itu tidak ada lagi lukisan yang tepat. Jalan ini dilanjutkan pada paruh kedua abad ini dengan berbagai arah dalam kegiatan seni, yang meninggalkan kuas, cat, dan kanvas.

Rusia garda depan Tahun 1910-an menyajikan gambaran yang agak rumit. Hal ini ditandai dengan perubahan gaya dan tren yang cepat, banyaknya kelompok dan asosiasi seniman, yang masing-masing memproklamirkan konsep kreativitasnya sendiri. Hal serupa terjadi pada lukisan Eropa pada awal abad ini. Namun, kebingungan gaya, "kebingungan" tren dan arah tidak diketahui oleh Barat, di mana gerakan menuju bentuk-bentuk baru lebih konsisten. Banyak master dari generasi muda bergerak dengan kecepatan luar biasa dari gaya ke gaya, dari panggung ke panggung, dari Impresionisme ke Art Nouveau, kemudian ke Primitivisme, Kubisme atau Ekspresionisme, melalui banyak langkah, yang sama sekali tidak lazim bagi para master Prancis atau Jerman. lukisan. Situasi yang berkembang dalam lukisan Rusia sebagian besar disebabkan oleh suasana pra-revolusioner di negara itu. Dia memperburuk banyak kontradiksi yang melekat pada semua seni Eropa pada umumnya, karena Seniman Rusia mempelajari model-model Eropa, sangat mengenal berbagai aliran dan tren lukisan. Dengan demikian, "ledakan" Rusia yang aneh dalam kehidupan artistik memainkan peran historis. Pada tahun 1913, seni Rusia telah mencapai batas dan cakrawala baru. Fenomena tanpa objek yang sama sekali baru muncul - garis yang tidak berani dilintasi oleh kaum Kubisme Prancis. Satu per satu mereka melewati garis ini: Kandinsky V.V., Larionov M.F., Malevich K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.

Cubo-futurisme Tren lokal di avant-garde Rusia (dalam lukisan dan puisi) pada awal abad ke-20. Dalam seni visual, kubo-futurisme muncul atas dasar pemikiran ulang temuan bergambar, kubisme, futurisme, dan neo-primitivisme Rusia. Karya-karya utama diciptakan pada periode 1911-1915. Gambar-gambar kubo-futurisme yang paling khas berasal dari kuas K. Malevich, dan juga dilukis oleh Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Exter. Karya-karya kubo-futuristik pertama Malevich dipamerkan di pameran terkenal tahun 1913. "Target", di mana Luchizm Larionov melakukan debutnya. Dalam penampilan, karya-karya kubo-futuristik menggemakan komposisi oleh F. Leger yang dibuat pada saat yang sama dan merupakan komposisi semi-objek yang terdiri dari bentuk silinder, kerucut, labu, berongga seperti cangkang berwarna, sering kali memiliki kilau logam. Sudah dalam karya-karya Malevich yang pertama, kecenderungan menuju transisi dari ritme alami ke ritme mekanis murni dari dunia mesin terlihat ("Plotnik", 1912, "Grinder", 1912, "Portrait of Klyun", 1913) .

Neoplastisisme- salah satu jenis seni abstrak paling awal. Dibuat pada tahun 1917 oleh pelukis Belanda P. Mondrian dan seniman lain yang tergabung dalam asosiasi "Gaya". Neoplastisisme dicirikan, menurut penciptanya, oleh perjuangan untuk "harmoni universal", diekspresikan dalam kombinasi yang sangat seimbang dari angka-angka persegi panjang besar, dipisahkan dengan jelas oleh garis-garis hitam tegak lurus dan dicat dengan warna-warna lokal dari spektrum utama (dengan tambahan putih dan nada abu-abu). Neo-plasticisme (Nouvelle plastique) Istilah ini berasal dari Belanda pada abad ke-20. Pete Mondrian ia mendefinisikan konsep plastiknya sebagai suatu sistem dan dipertahankan oleh kelompok dan majalah "Style" ("De Sti-ji") yang didirikan di Leiden pada tahun 1917. Ciri utama neoplastisisme adalah penggunaan cara ekspresif yang ketat. Untuk membangun suatu bentuk, neoplastisisme hanya mengizinkan garis horizontal dan vertikal. Persilangan garis di sudut kanan adalah prinsip pertama. Sekitar tahun 1920, satu detik ditambahkan padanya, yang, dengan menghilangkan goresan dan menekankan bidang, membatasi warna menjadi merah, biru dan kuning, yaitu. tiga warna primer murni yang hanya dapat Anda tambahkan putih dan hitam. Dengan bantuan dari kekakuan ini, neoplastisisme dimaksudkan untuk melampaui individualitas untuk mencapai universalisme dan dengan demikian menciptakan gambaran baru dunia.

"baptisan" resmi orphism terjadi di Salon of the Independent pada tahun 1913. Ini adalah bagaimana kritikus Roger Allard menulis dalam laporannya di Salon: "... kami mencatat untuk sejarawan masa depan bahwa pada tahun 1913 sebuah sekolah Orphism baru lahir ..." (" La Cote" Paris 19 Maret 1913). Dia digaungkan oleh kritikus lain André Varnault: "Salon 1913 ditandai dengan lahirnya sekolah baru sekolah Orphic" (Comoedia Paris, 18 Maret 1913). Akhirnya Guillaume Apollinaire mendukung pernyataan ini dengan berseru, bukan tanpa kebanggaan: “Ini Orphism. Ini adalah pertama kalinya arah ini, yang telah saya prediksi, muncul ”(“ Montjoie! ”tambahan Paris pada 18 Maret 1913). Memang, istilah ini diciptakan apollinaire(Orphism as a cult of Orpheus) dan pertama kali diumumkan kepada publik selama kuliah tentang lukisan kontemporer dan diberikan pada bulan Oktober 1912. Apa maksudnya? Sepertinya dia sendiri tidak mengetahuinya. Selain itu, saya tidak tahu bagaimana mendefinisikan batas-batas arah baru ini. Faktanya, kebingungan yang berlangsung hingga hari ini telah terjadi karena fakta bahwa Apollinaire secara tidak sadar mengacaukan dua masalah yang saling terkait, tentu saja, tetapi sebelum mencoba menghubungkannya, dia seharusnya menekankan perbedaan mereka. Di satu sisi, ciptaan Delone ekspresif bergambar berarti sepenuhnya didasarkan pada warna dan, di sisi lain, perpanjangan kubisme karena munculnya beberapa arah yang berbeda. Setelah putus dengan Marie Laurencin pada akhir musim panas 1912, Apollinaire mencari perlindungan dengan keluarga Delaunay, yang menerimanya dengan pengertian yang bersahabat di bengkel mereka di rue Grand-Augustin. Baru musim panas ini, Robert Delaunay dan istrinya mengalami evolusi estetika mendalam yang mengarah ke apa yang kemudian disebutnya "periode destruktif" lukisan yang hanya didasarkan pada kualitas kontras warna yang konstruktif dan spasial-temporal.

Postmodernisme (postmodern, post-avant-garde) -

(dari Lat. post "setelah" dan modernisme), nama kumulatif dari tendensi artistik, terutama diidentifikasi dengan jelas pada 1960-an dan dicirikan oleh revisi radikal dari posisi modernisme dan avant-garde.

Ekspresionisme abstrak pasca-perang (akhir 40-an - 50-an abad XX) tahap perkembangan seni abstrak. Istilah itu sendiri diperkenalkan pada 1920-an oleh seorang kritikus seni Jerman E. von Sydow (E. von Sydow) untuk merujuk pada beberapa aspek seni ekspresionis. Pada tahun 1929, American Barr menggunakannya untuk mengkarakterisasi karya-karya awal Kandinsky, dan pada tahun 1947 ia menyebut karyanya sebagai "ekspresionis abstrak" Willem de Kooning dan Pollock... Sejak itu, konsep ekspresionisme abstrak telah dikonsolidasikan di balik bidang lukisan abstrak yang cukup luas, beragam secara gaya dan teknis (dan kemudian patung), yang berkembang pesat di tahun 50-an. di Amerika Serikat, di Eropa, dan kemudian di seluruh dunia. Nenek moyang awal Abstrak Ekspresionisme dianggap Kandinsky, ekspresionis, orfis, sebagian dadais, dan surealis dengan prinsip otomatisme mental mereka. Landasan filosofis dan estetika ekspresionisme abstrak sebagian besar adalah filosofi eksistensialisme, yang populer pada periode pascaperang.

siap pakai(Bahasa Inggris siap pakai - siap) Istilah ini pertama kali diperkenalkan ke dalam leksikon seni oleh seniman Marcel Duchamp untuk menetapkan karya-karya mereka, yang merupakan objek kegunaan utilitarian, ditarik dari lingkungan fungsi normalnya dan tanpa perubahan apa pun yang dipamerkan di sebuah pameran seni rupa sebagai karya seni. Redi-Maid menegaskan pandangan baru tentang benda dan benda itu. Sebuah objek yang tidak lagi memenuhi fungsi utilitariannya dan termasuk dalam konteks ruang seni, yaitu menjadi objek perenungan non-utilitarian, mulai mengungkapkan beberapa makna baru dan gerakan asosiatif yang tidak dikenal baik oleh seni tradisional maupun seni tradisional. lingkup kehidupan utilitarian sehari-hari. Masalah relativitas estetika dan utilitarian muncul dengan tajam. Buatan Ulang Pertama Duchamp dipamerkan di New York pada tahun 1913. Karyanya yang paling terkenal adalah Redi-Made. Baja "Roda dari sepeda" (1913), "Pengering untuk botol" (1914), "Air Mancur" (1917) - ini adalah penunjukan urinoir biasa.

Seni pop. Setelah Perang Dunia II, lapisan sosial besar orang terbentuk di Amerika, menghasilkan cukup uang untuk membeli barang-barang yang tidak terlalu penting bagi mereka. Misalnya penggunaan barang: Coca cola atau jeans Levi's menjadi atribut penting masyarakat ini. Seseorang yang menggunakan produk ini atau itu menunjukkan miliknya pada strata sosial tertentu. Budaya massa saat ini terbentuk. Hal-hal menjadi simbol, stereotip. Seni pop tentu menggunakan stereotip dan simbol. Seni pop(seni pop) mewujudkan pencarian kreatif orang Amerika baru, yang mengandalkan prinsip-prinsip kreatif Duchamp. Dia: Jasper Johns, K. Oldenburg, Andy Warhol, lainnya. Seni pop mendapatkan arti penting dari budaya massa, sehingga tidak mengherankan jika itu terbentuk dan menjadi arus seni di Amerika. Orang-orang yang berpikiran sama: Hamelton R, Ton Cina memilih sebagai otoritas Kurt Schwiters... Seni pop ditandai dengan sebuah karya - ilusi permainan yang menjelaskan esensi suatu objek. Contoh: pai K. Oldenburg digambarkan dengan berbagai pilihan. Seorang seniman mungkin tidak menggambarkan kue, tetapi menghilangkan ilusi, menunjukkan apa yang benar-benar dilihat seseorang. R. Rauschenberg juga aneh: dia menempelkan berbagai foto ke kanvas, menguraikannya dan menempelkan semacam orang-orangan sawah pada karya itu. Salah satu karyanya yang terkenal adalah boneka landak. Lukisannya juga terkenal, di mana ia menggunakan foto-foto Kenedy.

Primitivisme (Seni Naif)... Konsep ini digunakan dalam beberapa pengertian dan sebenarnya identik dengan konsep "Seni primitif"... Dalam bahasa yang berbeda dan ilmuwan yang berbeda, konsep-konsep ini paling sering digunakan untuk menunjukkan rentang fenomena yang sama dalam budaya artistik. Dalam bahasa Rusia (dan juga dalam beberapa yang lain) istilah "primitif" memiliki konotasi yang agak negatif. Oleh karena itu, lebih tepat untuk memikirkan konsepnya Seni naif... Dalam arti luas, ini adalah sebutan seni rupa, yang dibedakan oleh kesederhanaan (atau penyederhanaan), kejelasan dan kedekatan formal bahasa bergambar dan ekspresif, dengan bantuan yang visi khusus dunia, tidak dibebani oleh peradaban konvensi, diungkapkan. Konsep itu muncul dalam budaya Eropa baru pada abad-abad terakhir, oleh karena itu, ini mencerminkan posisi profesional dan ide-ide budaya ini, yang menganggap dirinya sebagai tahap perkembangan tertinggi. Dari posisi tersebut, seni naif juga dipahami sebagai seni kuno masyarakat kuno (sebelum Mesir atau sebelum peradaban Yunani kuno), misalnya seni primitif; seni masyarakat yang tertunda dalam perkembangan budaya dan peradaban mereka (penduduk asli Afrika, Oseania, Indian Amerika); seni amatir dan non-profesional dalam skala terluas (misalnya, lukisan dinding abad pertengahan Catalonia yang terkenal atau seni non-profesional dari pemukim Amerika pertama dari Eropa); banyak karya yang disebut "gothic internasional"; seni cerita rakyat; akhirnya, seni seniman primitivis berbakat abad ke-20, yang tidak menerima pendidikan seni profesional, tetapi merasakan karunia kreativitas artistik dan mengabdikan diri untuk realisasi independen dalam seni. Beberapa di antaranya (Perancis A. Rousseau, K. Bombua, Georgia N. Pirosmanishvili, Kroasia I. Generalich, Amerika NS. Robertson dan lain-lain) telah menciptakan karya seni sejati yang telah memasuki perbendaharaan seni dunia. Seni naif, dalam hal visi dunia dan cara penyajian artistiknya, agak mendekati seni anak-anak, di satu sisi, dan kreativitas orang sakit jiwa, di sisi lain. Namun, pada intinya berbeda dari keduanya. Yang paling dekat dalam hal pandangan dunia dengan seni anak-anak adalah seni naif masyarakat kuno dan penduduk asli Oseania dan Afrika. Perbedaan mendasar dari seni anak-anak terletak pada kesakralan yang mendalam, tradisionalisme dan kanonisitas.

Tanpa seni(Net Art - dari bahasa Inggris. Net - network, art - art) Bentuk seni terbaru, praktik seni modern, berkembang di jaringan komputer, khususnya, di Internet. Penelitinya di Rusia, yang berkontribusi pada pengembangannya, O. Lyalina, A. Shulgin, percaya bahwa esensi Net Art bermuara pada penciptaan ruang komunikasi dan kreatif di Web, memberikan kebebasan penuh keberadaan jaringan kepada semua orang. Oleh karena itu, esensi dari Net Art. bukan representasi, tetapi komunikasi, dan pesan elektronik adalah sejenis unit seninya. Setidaknya ada tiga tahap dalam perkembangan seni Net, yang muncul pada tahun 80-an - 90-an. abad XX. Yang pertama adalah ketika calon seniman web membuat gambar dari huruf dan ikon yang tersedia di papan ketik komputer. Yang kedua dimulai ketika seniman bawah tanah dan semua orang yang ingin menunjukkan sesuatu dari karya mereka datang ke Internet.

OP-ART(Bahasa Inggris Op-art - versi singkat dari seni optik - seni optik) adalah gerakan artistik paruh kedua abad ke-20, menggunakan berbagai ilusi visual berdasarkan kekhasan persepsi figur datar dan spasial. Arus melanjutkan garis rasionalistik teknisisme (modernisme). Kembali ke apa yang disebut abstraksionisme "geometris", yang perwakilannya adalah V. Vasarely(dari 1930 hingga 1997 ia bekerja di Prancis) - pendiri op-art. Kemungkinan Op-art telah menemukan beberapa aplikasi dalam grafik industri, poster, dan seni dekorasi. Arah seni op (seni optik) berasal dari tahun 50-an dalam abstraksionisme, meskipun kali ini variasinya berbeda - abstraksi geometris. Penyebarannya sebagai tren berasal dari tahun 60-an. abad XX.

Coretan(grafiti - dalam arkeologi, gambar atau huruf apa pun yang tergores di permukaan apa pun, dari kaleng cat Italia. Oleh karena itu nama lain untuk "seni semprot" - Seni semprot. Asal-usulnya dikaitkan dengan penampilan grafiti yang masif. di tahun 70-an. di gerbong kereta bawah tanah New York, dan kemudian di dinding gedung-gedung publik, tirai toko. Penulis pertama grafiti. sebagian besar adalah seniman muda yang menganggur dari etnis minoritas, terutama Puerto Rico, jadi dalam Graffiti pertama beberapa fitur gaya seni rakyat Amerika Latin muncul, dan fakta muncul di permukaan yang tidak dimaksudkan untuk ini, penulis mereka memprotes posisi mereka yang dicabut haknya. . Pada awal tahun 80-an. seluruh arah master G. yang hampir profesional dibentuk. Nama asli mereka, yang sebelumnya disembunyikan dengan nama samaran ( CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, SEEN, DAZE). Beberapa dari mereka mentransfer teknik mereka ke kanvas dan mulai memamerkan di galeri di New York, dan segera grafiti muncul di Eropa.

HIPERREALISME(hyperrealism - eng.), atau photorealism (photorealism - eng.) - artis. arus dalam lukisan dan patung berdasarkan fotografi, reproduksi realitas. Baik dalam praktiknya maupun dalam orientasi estetisnya terhadap naturalisme dan pragmatisme, hiperrealisme dekat dengan seni pop. mereka terutama dipersatukan oleh kembalinya ke figuratif. Ia bertindak sebagai antitesis terhadap konseptualisme, yang tidak hanya putus dengan representasi, tetapi juga mempertanyakan prinsip realisasi material seniman. konsep.

seni tanah(dari seni tanah Inggris - seni bumi), arah dalam seni sepertiga terakhirXxc., berdasarkan penggunaan lanskap nyata sebagai bahan dan objek artistik utama. Seniman menggali parit, membuat tumpukan batu yang aneh, melukis batu, memilih tempat-tempat yang biasanya tidak berpenghuni untuk tindakan mereka - lanskap murni dan liar, dengan demikian, seolah-olah mencoba mengembalikan seni ke alam. Berkat nya<первобытному>Secara tampilan, banyak aksi dan objek semacam ini yang mendekati arkeologi, maupun seni foto, karena sebagian besar masyarakat hanya dapat merenungkannya dalam rangkaian foto. Sepertinya kita harus berdamai dengan barbarisme lain dalam bahasa Rusia. Tidak tahu apakah itu kebetulan istilah itu<лэнд-арт>muncul di akhir 60-an, pada saat, dalam masyarakat maju, semangat memberontak dari badan mahasiswa diarahkan untuk menggulingkan nilai-nilai yang sudah mapan.

MINIMALISME(seni minimal - bahasa Inggris: seni minimal) - artis. aliran berproses dari transformasi minimal bahan yang digunakan dalam proses kreativitas, kesederhanaan dan keseragaman bentuk, monokrom, kreatif. pengendalian diri seniman. Minimalisme ditandai dengan penolakan subjektivitas, representasi, ilusionisme. Menolak klasik. teknik kreativitas dan tradisi. artis material, minimalis menggunakan material industrial dan natural geometris sederhana. bentuk dan warna netral (hitam, abu-abu), volume kecil, menggunakan serial, metode konveyor produksi industri. Artefak dalam konsep minimalis kreativitas merupakan hasil yang telah ditentukan dari proses produksinya. Setelah menerima perkembangan sepenuhnya dalam seni lukis dan patung, minimalis, dimaknai dalam arti luas sebagai ekonomi seniman. berarti, aplikasi yang ditemukan dalam jenis seni lainnya, terutama teater, bioskop.

Minimalisme berasal dari Amerika Serikat di jalur. lantai. 60-an Asal-usulnya dalam konstruktivisme, Suprematisme, Dadaisme, abstraksionisme, Amer formalistik. lukisan tahun 50-an, seni pop. Segera pelopor minimalis. adalah Amer. pelukis F. Stella, yang menyajikan pada tahun 1959-60 serangkaian "Gambar Hitam", di mana garis lurus yang dipesan berlaku. Karya minimalis pertama muncul pada tahun 1962-63. Istilah "minimalis". milik R. Walheim, yang memperkenalkannya dalam kaitannya dengan analisis kreativitas M. Duchamp dan artis pop yang meminimalkan campur tangan artis dengan lingkungan. Sinonimnya adalah "seni keren", "seni ABC", "seni serial", "struktur utama", "seni sebagai proses", "sistematis. lukisan". Di antara minimalis yang paling representatif adalah - C. Andre, M. Bochner, W. De Maria, D. Flavin. S. LeWitt, R. Mangold, B. Murden, R. Morris, R. Ryman... Mereka disatukan oleh keinginan untuk menyesuaikan artefak dengan lingkungan, untuk bermain dengan tekstur alami bahan. D. Giok mendefinisikannya sebagai “spesifik. objek ", berbeda dari klasik. karya dari plastik. seni. Dengan sendirinya, pencahayaan berperan sebagai cara untuk menciptakan seniman minimalis. situasi, solusi spasial asli; metode komputer untuk menciptakan karya digunakan.