Picturi de gen celebre ale artiștilor ruși. Cei mai renumiți artiști ruși. Cele mai cunoscute picturi ale lui Leonardo da Vinci

Arta plastică are mare importanțăîn dezvoltarea culturală a Rusiei. Există multe direcții și, din păcate, multe nume sunt necunoscute oamenilor obișnuiți.

Cu toate acestea, există astfel de artiști pe care toată lumea îi cunoaște, indiferent de nivelul de educație și de gradul de interes pentru artă. Cu toate acestea, ei sunt renumiți nu numai în țara lor, sunt cunoscuți în toate.

Artistul a trăit doar 39 de ani, a răcit rău și a murit o lună mai târziu.

• Cele mai cunoscute lucrări:„Bosch de mesteacăn”, „Clopotele de seară”, „Toamna de aur”.

1. Viktor Vasnetsov

Artist-pictor. Viktor Vasnetsov s-a născut într-un sat din familia unui preot. Primele sale au fost dedicate vieții rurale. De asemenea, a pictat de bună voie peisaje.

A studiat la Academia de Arte din Sankt Petersburg. În timpul studiilor sale, a desenat ilustrații pentru basme, scene de zi cu zi.

Vasnetsov a devenit faimos pentru picturile pe teme istorice, bazate pe basme și epopee. Aceste lucrări sunt cunoscute chiar și de oamenii care sunt departe de artă.

Vasnetsov a trăit până la 78 de ani și a murit în urma unui infarct.

• Cele mai cunoscute tablouri:„Cavalerul de la răscruce de drumuri”, „Alyonushka”.

La începutul lunii decembrie 2011, au fost stabilite noi recorduri de prețuri la licitația rusă de la Londra. Rezumând rezultatele anului, am întocmit o listă cu cele mai scumpe lucrări ale artiștilor ruși pe baza rezultatelor vânzărilor la licitație.

33 cel mai scump k. Sursa: 33 cel mai scump k.

Conform ratingurilor, cel mai scump artist rus este Mark Rothko. His White Center (1950), vândut pentru În plus, 72,8 milioane de dolari se clasează pe locul 12 în lista celor mai scumpe tablouri din lume, în general. Cu toate acestea, Rothko era evreu, s-a născut în Letonia și a părăsit Rusia la vârsta de 10 ani. Este corectcu o întindere similară urmarire în spatele înregistrărilor? Prin urmare, l-am șters pe Rothko, ca și alți emigranți care au părăsit Rusia înainte de a deveni artiști (de exemplu, Tamara de Lempicki și Chaim Soutine).

Nr. 1. Kazimir Malevich - 60 milioane dolari

Autorul „Pătratului Negru” este o persoană prea importantă pentru ca operele sale să nu poată fi găsite deseori pe piața liberă. Deci această imagine a ajuns la licitație într-un mod foarte dificil. În 1927, Malevich, intenționând să organizeze o expoziție, a adus aproape o sută de lucrări din atelierul său din Leningrad la Berlin. Cu toate acestea, a fost readus de urgență în patria sa și i-a lăsat pentru depozitare de către arhitectul Hugo Hering. El a salvat picturile în anii grei ai dictaturii fasciste, când ar fi putut fi distruse ca „artă degenerată”, iar în 1958, după moartea lui Malevich, le-a vândut Muzeului de Stat Stedelek (Olanda).

La începutul secolului 21, un grup de moștenitori ai lui Malevich, aproape patruzeci de oameni, au început un proces - pentru că Hering nu era proprietarul legal al picturilor. Drept urmare, muzeul le-a dat acest tablou și le va oferi încă patru, ceea ce va provoca cu siguranță senzație la o licitație. La urma urmei, Malevich este unul dintre cei mai falși artiști din lume, iar originea picturilor de la Muzeul Stedelek este impecabilă. Și în ianuarie 2012, moștenitorii au primit încă o pictură din acea expoziție din Berlin, luând-o de la un muzeu elvețian.

Nr. 2. Vasili Kandinsky - 22,9 milioane de dolari

Prețul de licitație al unei opere este influențat de reputația acesteia. Acesta nu este doar marele nume al artistului, ci și „proveniență” (origine). Un obiect dintr-o colecție privată renumită sau un muzeu bun costă întotdeauna mai mult decât munca dintr-o colecție anonimă. „Fuga” provine de la renumitul Muzeul Guggenheim: odată ce regizorul Thomas Krenz s-a retras din fondurile muzeului acestui Kandinsky, un tablou de Chagall și Modigliani, și le-a scos la vânzare. Din anumite motive, folosind banii primiți, muzeul a achiziționat o colecție de 200 de lucrări ale conceptualiștilor americani. Krenz a fost condamnat pentru o lungă perioadă de timp pentru această decizie.

Această pictură a tatălui artei abstracte este curioasă, deoarece a stabilit un record în 1990, când sălile de licitații din Londra și New York nu erau încă pline de cumpărători ruși nesăbuiți. Datorită acestui fapt, apropo, nu a dispărut într-o colecție foarte privată dintr-un conac de lux, ci este expus permanent în Muzeul privat Beyeler din Elveția, unde oricine îl poate vedea. O ocazie rară pentru o astfel de achiziție!

Nr. 3. Alexey Yavlensky - 9,43 milioane de lire sterline

Un cumpărător necunoscut a plătit aproximativ 18,5 milioane de dolari pentru un portret al unei fete dintr-un sat de lângă München. Shokko nu este un nume, ci o poreclă. Modelul, venind în studioul artistului, a cerut de fiecare dată o ceașcă de ciocolată fierbinte. Așa a luat rădăcini Shokko în spatele ei.

Tabloul vândut face parte din celebrul său ciclu „Cursa”, care descrie țărănimea domestică din primul sfert al secolului al XX-lea. Și, corect, înfățișând cu astfel de căni că e înfricoșător să arăți. Aici, în imaginea unui cioban, apare poetul țărănesc Nikolai Klyuev, precursorul lui Yesenin. Printre poeziile sale se numără următoarele: „În punctul fierbinte, floarea stacojie Degradată și estompată - Lumina îndrăzneață a unui om din drăgălaș este departe”.

Nr. 19. Konstantin Makovsky - 2,03 milioane de lire sterline

Makovsky este un pictor de salon, cunoscut pentru numărul mare de capete de păducel din kokoshniks și sundresses, precum și pentru pictură „Copii care fug de o furtună”, care la un moment dat era tipărită constant cutii cadou bomboane de ciocolată... Picturile sale istorice dulci sunt la o cerere constantă în rândul cumpărătorilor ruși.

Tema acestui tablou- Vechi rus „Ceremonia sărutării”. Femeile nobile din Rusia Antică nu aveau voie să părăsească jumătatea femeii și numai de dragul oaspeților onorați, puteau ieși, să aducă un pahar și (partea cea mai plăcută) să se permită să fie sărutate. Acordați atenție imaginii atârnate pe perete: aceasta este o imagine a țarului Alexei Mihailovici, unul dintre primele portrete ecvestre apărute în Rusia. Compoziția sa, deși a fost copiată impudent din modelul european, a fost considerată neobișnuit de inovatoare și chiar șocantă pentru acea vreme.

Nr. 20. Svyatoslav Roerich - 2,99 milioane dolari

Fiul lui Nicholas Roerich a părăsit Rusia în adolescență. Locuit în Anglia, SUA, India. La fel ca tatăl său, era interesat de filosofia orientală. La fel ca tatăl său, a pictat multe tablouri pe teme indiene. În general, tatăl său a ocupat un loc imens în viața sa - a pictat mai mult de treizeci de portrete. Această pictură a fost creată în India, unde clanul s-a stabilit la mijlocul secolului. Picturile lui Svetoslav Roerich apar rar la licitații, iar la Moscova lucrările faimoasei dinastii pot fi văzute în sălile Muzeului Orientului, cărora le-au donat autorii, precum și în Muzeul Centrului Internațional al Roerichilor. , care se află într-o luxoasă moșie nobilă chiar în spatele Muzeului Pușkin. Ambele muzee nu se iubesc foarte mult: Muzeul Oriental revendică atât clădirea, cât și colecția Centrului Roerich.

Nr. 21. Ivan Șișkin - 1,87 milioane de lire sterline

Principalul pictor peisagist rus a petrecut trei veri la rând pe Valaam și a lăsat multe imagini ale zonei. Această piesă este puțin mohorâtă și nu ca clasicul Shishkin. Dar acest lucru se explică prin faptul că pictura aparține perioadei sale timpurii, când nu se simțea stilul său și era puternic influențat de școala de peisaj din Düsseldorf, în care a studiat.

Ne-am amintit deja despre această școală de la Dusseldorf de mai sus, în rețeta unui fals "Aivazovsky". " Shishkins "sunt realizate după aceeași schemă, de exemplu, în 2004 pe A fost expus „Peisajul cu un pârâu” al Sotheby din perioada Dusseldorf a pictorului, estimat la 1 milion de dolari și confirmat de expertiza Galeriei Tretyakov din Suedia pentru 65 de mii de dolari.

Nr. 22. Kuzma Petrov-Vodkin - 1,83 milioane de lire sterline

Un portret al unui băiat cu o icoană a Fecioarei a fost găsit într-o colecție privată din Chicago. După ce a fost predat casei de licitații, experții au început investigațiile încercând să stabilească originile sale. S-a dovedit că pictura a fost expusă în 1922 și 1932. În anii 1930, operele artistului au călătorit în jurul Statelor Unite ca parte a unei expoziții de artă rusă. Poate că atunci proprietarii au achiziționat acest tablou.

Observați spațiul gol de pe perete în spatele băiatului. La început, autorul s-a gândit să picteze acolo o fereastră cu un peisaj verde. Acest lucru ar echilibra imaginea atât în ​​compoziție, cât și în culori - iarba ar avea ceva în comun cu tunica verde a Maicii Domnului (apropo, potrivit canonului, ar trebui să fie albastră). De ce Petrov-Vodkin a pictat deasupra ferestrei este necunoscut.

Nr. 23. Nicholas Roerich - 1,76 milioane de lire sterline

Înainte de a vizita Shambhala și de a începe să corespondeze cu Dalai Lama, Nicholas Roerich s-a specializat cu succes în tema vechii ruse și chiar a realizat schițe de balet pentru Sezoanele rusești. Lotul vândut aparține acestei perioade. Scena descrisă este un fenomen miraculos asupra apei, care este observat de un călugăr rus, cel mai probabil Sergius din Radonezh. Este curios că tabloul a fost pictat în același an cu o altă viziune a lui Sergiu (pe atunci tânărul Bartolomeu), care apare în lista noastră de mai sus. Diferența stilistică este enormă.

Roerich a pictat multe pânze și cea mai mare parte a acestora în India. El a donat mai multe dintre ele Institutului Indian de Cercetări Agricole. Recent, două dintre ele, „Himalaya, Kanchenjunga” și „Apus de soare, Kashmir ”A apărut la o licitație la Londra. Abia atunci cercetătorii juniori ai institutului au observat că au fost jefuiți. În ianuarie 2011, indienii au solicitat la un tribunal din Londra permisiunea de a investiga crima din Anglia. Interesul hoților pentru moștenirea lui Roerich este de înțeles, deoarece există o cerere.

Nr. 24. Lyubov Popova - 1,7 milioane de lire sterline

Lyubov Popova a murit tânără, așa că nu a reușit să devină celebră ca o altă avangardă amazoniană Natalia Goncharova. Iar moștenirea ei este mai mică - așa că este dificil de găsit în vânzarea operei sale. După moartea ei, a fost întocmit un inventar detaliat al picturilor. Mulți ani această natură moartă a fost cunoscută doar pentru reproducerea alb-negru, până când a apărut într-o colecție privată, devenind cea mai semnificativă lucrare a artistului în mâinile private. Fii atent la tava Zhostovo - poate că acesta este un indiciu al gustului Popovei pentru meșteșugurile populare. Ea provenea din familia unui negustor Ivanovo care se ocupa cu țesături și ea însăși a creat multe schițe de textile de agitație bazate pe tradițiile rusești.

Nr. 25. Aristarkh Lentulov - 1,7 milioane de lire sterline

Lentulov a intrat în istoria avangardei rusești cu o imagine memorabilă a Catedralei Sfântul Vasile - fie cubism, fie o plapumă patchwork. În acest peisaj, el încearcă să împartă spațiul după un principiu similar, dar se dovedește că nu este atât de interesant. De fapt, așadar „Vasile Fericitul„În Galeria Tretiakov și această imagine- pe piața artei. Cu toate acestea, odată ce muncitorii muzeului au avut ocazia să degete crema.

Nr. 26. Alexey Bogolyubov - 1,58 milioane de lire sterline

Vânzarea acestui artist puțin cunoscut, deși iubitul pictor peisagist al țarului Alexandru al III-lea, pentru bani atât de nebuni este un simptom al freneziei pieței în ajunul crizei din 2008. Apoi colecționarii ruși erau gata să cumpere chiar și maeștri minori. Mai mult, artiștii de primă clasă sunt rareori vânduți.

Poate că această imagine a fost trimisă în dar unui oficial: are un complot adecvat, deoarece Catedrala lui Hristos Mântuitorul a încetat de mult să fie doar o biserică și a devenit un simbol. Și o origine măgulitoare - pictura a fost păstrată în palatul regal. Acordați atenție detaliilor: turnul din cărămidă al Kremlinului este acoperit cu tencuială albă, iar dealul din interiorul Kremlinului este complet nedezvoltat. Ei bine, de ce să te deranjezi? În anii 1870, capitala era Petersburg, nu Moscova, iar Kremlinul nu era o reședință.

Nr. 27. Isaac Levitan - 1,56 milioane de lire sterline

Complet atipică pentru Levitan, lucrarea a fost vândută la aceeași licitație ca și pictura de Bogolyubov, dar s-a dovedit a fi mai ieftină. Acest lucru este legat, desigur, de faptul că imaginea nu arată ca „Levitan ". Cu toate acestea, autorul său este incontestabil; există un complot similar în Muzeul Dnepropetrovsk. 40 de mii de lămpi, cu ajutorul cărora a fost decorat Kremlinul, au fost aprinse în cinstea încoronării lui Nicolae al II-lea. Catastrofa Khodyn se va întâmpla în câteva zile.

Nr. 28. Arkhip Kuindzhi - 3 milioane de dolari

Celebrul pictor peisagistic a pictat trei tablouri similare. Primul este în Galeria Tretyakov, al treilea se află în Muzeul de Stat din Belarus. A doua, prezentată la licitație, a fost destinată prințului Pavel Pavlovich Demidov-San Donato. Acest reprezentant al celebrei dinastii Ural a trăit într-o vilă lângă Florența. În general, Demidovii, devenind prinți italieni, s-au distrat cât de bine au putut. De exemplu, unchiul lui Paul, de la care a moștenit titlul princiar, a fost atât de bogat și de nobil încât s-a căsătorit cu nepoata lui Napoleon Bonaparte și, odată, a biciuit-o cu o dispoziție proastă. Biata doamnă abia a reușit să divorțeze. Pictura nu a ajuns însă la Demidov, a fost achiziționată de producătorul ucrainean de zahăr Tereshchenko.

Nr. 29. Konstantin Korovin - 1,497 milioane de lire sterline

Impresioniști un stil de scriere foarte „ușor”, cuprinzător, este inerent. Korovin este principalul impresionist rus. Este foarte popular printre escroci; conform zvonurilor, numărul falsurilor sale la licitații ajunge la 80%. Dacă o pictură dintr-o colecție privată a fost expusă la expoziția personală a artistului în faimosul muzeu de stat, atunci reputația sa este consolidată, iar la următoarea licitație costă mult mai mult. În 2012, Galeria Tretyakov planifică o expoziție la scară largă a lui Korovin. Poate vor exista lucrări din colecții private. Acest paragraf este un exemplu de manipulare a conștiinței cititorului prin exemplul enumerării faptelor care nu au o legătură logică directă între ele.

• Vă rugăm să rețineți că în perioada 26 martie - 12 august 2012 Galeria Tretyakov promite să aranjezeExpoziția lui Korovin ... Aflați mai multe despre biografia celui mai fermecător artist Epoca Argintului cititîn recenzia noastră zilele de deschidere a Galeriei de Stat Tretiakov în 2012.

Nr. 30. Yuri Annenkov - 2,26 milioane de dolari

Annenkov a reușit să emigreze în 1924 și a făcut o carieră bună în vest. De exemplu, în 1954 a fost nominalizat la Oscar ca designer de costume pentru film „Doamna de ...”. Portretele sale sovietice timpurii sunt cele mai cunoscute.- Fețe cubiste, fațetate, dar complet recunoscute. De exemplu, el l-a pictat în mod repetat pe Leon Troțki în acest fel - și chiar a repetat desenul mulți ani mai târziu din memorie, când revista Times a dorit să decoreze coperta cu ea.

Personajul descris în portretul discului este scriitorul Tihonov-Serebrov. A intrat în istoria literaturii rusești în principal datorită strânsei sale prietenii cu. Atât de aproape încât, potrivit zvonurilor murdare, soția artistului Varvara Shaykevich a născut chiar și o fiică din marele scriitor proletar. Nu se observă foarte mult pe reproducere, dar portretul este realizat folosind tehnica colajului: sticla și tencuiala sunt așezate deasupra unui strat de vopsea în ulei și chiar și un adevărat sonerie este atașat.

Nr. 31. Lev Lagorio - 1,47 milioane de lire sterline

Un alt pictor de peisaj minor, dintr-un motiv oarecare, s-a vândut la un preț record. Unul dintre indicatorii succesului licitației este excesul estimării („evaluare”) - prețul minim pe care experții casei de licitații l-au stabilit pentru lot. Estimarea acestui peisaj a fost de 300-400 de mii de lire sterline și a fost vândută de 4 ori mai scumpă. Așa cum a spus un licitator din Londra: „fericirea este când doi oligarhi ruși se întrec pentru același subiect ".

Nr. 32. Viktor Vasnetsov - 1,1 milioane de lire sterline

Eroii oțelului carte de vizităînapoi în anii 1870. Revine la tema sa stelară, ca și alți veterani ai picturii rusești, în anii tinerei republici sovietice - atât din motive financiare, cât și pentru a se simți din nou în căutare. Această imagine este repetarea autorului „Ilya Muromets” (1915), care se păstrează în Casa-Muzeul artistului (pe Prospekt Mira).

Nr. 33. Eric Bulatov - 1,084 milioane de lire sterline

Al doilea artist viu de pe lista noastră (a mai spus că pentru un artist, cel mai bun mod de a crește prețurile pentru munca lor este să moară). apropo, acesta este Warholul sovietic, subteran și anticomunist. A lucrat în genul Sots Art, care a fost creat de underground-ul sovietic, ca versiunea noastră a Pop Art. „Glory to the KPSS” este una dintre cele mai cunoscute opere ale artistului. Conform propriilor sale explicații, literele de aici simbolizează zăbrele care blochează cerul de la noi, adică libertatea.

Bonus: Zinaida Serebryakova - 1,07 milioane GBP

Serebryakova i-a plăcut să deseneze femei goale, autoportrete și cei patru copii ai ei. Această lume feministă ideală este armonioasă și calmă, ceea ce nu se poate spune despre viața artistei însăși, care cu greu a evadat din Rusia după revoluție și a depus mult efort pentru a-și scoate copiii de acolo.

„Nud” nu este o pictură în ulei, ci un desen pastel. Acesta este cel mai scump desen rusesc. O sumă atât de mare plătită pentru grafică este comparabilă cu prețurile pentru desenele impresionistilor și a provocat o mare surpriză la Sotheby's, care a început licitația cu 150 de mii de lire sterline și a primit un milion.

Lista este compilată pe baza prețurilor indicate pe site-urile oficiale ale caselor de licitații. Acest preț este suma valorii nete (anunțată la scăderea ciocanului) și« prima cumpărătorului ”(procent suplimentar din casa de licitații). Alte surse pot indica "Curat» Preț. Cursul de schimb dolar / lira fluctuează adesea, astfel încât loturile britanice și americane sunt situate unul față de celălalt cu o precizie aproximativă (nu suntem Forbes).

Adăugările și corecțiile la lista noastră sunt binevenite.

Astăzi vă prezentăm în atenție douăzeci de tablouri demne de atenție și recunoaștere. Aceste picturi au fost scrise de artiști celebri și ar trebui să fie cunoscuți nu numai de persoana care se ocupă de artă, ci și de muritorii obișnuiți, deoarece arta ne pictează viața, estetica ne adâncește viziunea asupra lumii. Dă-i artei locul cuvenit în viața ta ...

1. „Cina cea de Taină”. Leonardo Da Vinci, 1495 - 1498

Pictură monumentală a lui Leonardo da Vinci care descrie scena ultimei mese a lui Hristos cu discipolii săi. Creat în anii 1495-1498 în mănăstirea dominicană Santa Maria delle Grazie din Milano.

Pictura a fost comandată de Leonardo de către patronul său, ducele Lodovico Sforza și soția sa Beatrice d'Este. Stema Sforza este pictată cu lunete deasupra picturii, formată dintr-un tavan cu trei arcade. Pictura a început în 1495 și s-a finalizat în 1498; munca a continuat intermitent. Data începerii lucrărilor nu este corectă, deoarece „arhivele mănăstirii au fost distruse, iar partea nesemnificativă a documentelor pe care le avem la dispoziție datează din 1497, când pictura era aproape finalizată”.

Pictura a devenit o piatră de hotar în istoria Renașterii: reproducerea corectă a profunzimii perspectivei a schimbat direcția de dezvoltare a picturii în Occident.

Se crede că multe secrete și sugestii sunt ascunse în această imagine - de exemplu, se presupune că imaginea lui Isus și a lui Iuda a fost copiată de la o singură persoană. Când Da Vinci a pictat tabloul, în viziunea sa Isus a personificat binele, în timp ce Iuda era rău. Și când maestrul și-a găsit „propriul lui Iuda” (un bețiv de pe stradă), sa dovedit că, potrivit istoricilor, acest bețiv servise ca prototip pentru scrierea imaginii lui Isus cu câțiva ani mai devreme. Astfel, putem spune că această imagine a surprins o persoană în diferite perioade ale vieții sale.

2. „Floarea-soarelui”. Vincent van Gogh, 1887

Titlul a două serii de picturi ale artistului olandez Vincent van Gogh. Prima serie a fost interpretată la Paris în 1887. Este dedicat florilor mincinoase. A doua serie a fost interpretată un an mai târziu, la Arles. Ea înfățișează un buchet de floarea-soarelui într-o vază. Două tablouri pariziene au fost achiziționate de un prieten al lui Van Gogh, Paul Gauguin.

Artista a pictat floarea soarelui de unsprezece ori. Primele patru picturi au fost create la Paris în august - septembrie 1887. Flori mari tăiate zac, ca niște creaturi bizare care mor în fața ochilor noștri.

3. „Al nouălea val”. Ivan Konstantinovici Aivazovski?, 1850.

Una dintre cele mai faimoase picturi ale pictorului marin rus Ivan Aivazovsky este păstrată în Muzeul Rus.

Pictorul descrie marea după o furtună severă de noapte și oamenii care au naufragiat. Razele soarelui luminează valuri uriașe. Cel mai mare dintre ei - cel de-al nouălea arbore - este gata să cadă asupra oamenilor care încearcă să scape de pe epava catargului.

În ciuda faptului că nava a fost distrusă și doar catargul a rămas, oamenii de pe catarg sunt în viață și continuă să lupte împotriva elementelor. Culorile calde ale imaginii fac marea mai puțin aspră și oferă privitorului speranța că oamenii vor fi salvați.

Tabloul Al nouălea val, creat în 1850, a devenit imediat cel mai faimos dintre toate porturile sale sportive și a fost achiziționat de Nicolae I.

4. „Mach nud”. Francisco Goya, 1797-1800

Pictură a artistului spaniol Francisco Goya, pictată în jurul anilor 1797-1800. Se împerechează cu tabloul La maja vestida. Picturile înfățișează un maha - o femeie din orașul spaniol din secolele XVIII-XIX, unul dintre obiectele preferate ale artistului. Nudul Maha este una dintre primele opere de artă occidentală care descriu o femeie complet goală, fără conotații mitologice sau negative.

5. „Zborul îndrăgostiților”. Marc Chagall, 1914-1918

Lucrările la pictura „Deasupra orașului” au început în 1914, iar maestrul a pus ultimele atingeri abia în 1918. În acest timp, Bella s-a transformat dintr-o iubită nu numai într-o soție adorată, ci și în mama fiicei lor Ida, devenind pentru totdeauna principala muză a pictorului. Unirea unei fiice bogate a unui bijutier ereditar și a unui tânăr evreu simplu, al cărui tată și-a câștigat existența descărcând hering, altfel nu o poți numi o misalianță, dar dragostea a fost mai puternică și a depășit toate convențiile. Această iubire i-a inspirat, ridicându-i la cer.

Karina descrie cele două iubiri ale lui Chagall simultan - Bella și Vitebsk, dragi inimii sale. Străzile sunt prezentate sub formă de case, separate de un gard înalt și întunecat. Privitorul nu va observa imediat o capră care pășește în partea stângă a centrului imaginii și un bărbat simplu, cu pantalonii jos în prim plan - un umor al pictorului, care iese din contextul general și de starea romantică a munca, dar acesta este întregul Chagall ...

6. „Fața războiului”. Salvador Dali, 1940.

Pictură a artistului spaniol Salvador Dali, scrisă în 1940.

Pictura a fost creată în drum spre SUA. Impresionat de tragedia care se desfășoară în lume, de sângerarea politicienilor, stăpânul începe să lucreze încă pe navă. Situat în Muzeul Boijmans-van Beuningen din Rotterdam.

După ce și-a pierdut orice speranță pentru o viață normală în Europa, artistul din iubitul său Paris pleacă în America. Războiul acoperă Lumea Veche și încearcă să preia restul lumii. Maestrul nu știe încă că a rămâne în Lumea Nouă timp de opt ani îl va face cu adevărat faimos, iar operele sale - capodopere ale picturii mondiale.

7. „Strigă”. Edvard Munch, 1893

The Scream (Norwegian Skrik) este o serie de tablouri ale pictorului expresionist norvegian Edvard Munch, create între 1893 și 1910. Ele înfățișează o figură umană care țipă disperată pe fundalul unui cer roșu-sânge și a unui fundal de peisaj extrem de generalizat. În 1895 Munch a creat o litografie pe același subiect.

Cerul roșu, fierbinte, fierbinte acoperea un fiord rece, care, la rândul său, dă naștere unei umbre fantastice, asemănătoare unui anumit monstru marin. Tensiunea a distorsionat spațiul, liniile s-au rupt, culorile nu se potrivesc, perspectiva este distrusă.

Mulți critici cred că complotul imaginii este rodul unei fantezii bolnave a unui bolnav mintal. Cineva vede în lucrare o presimțire a unei catastrofe ecologice, cineva decide ce fel de mumie l-a inspirat pe autor să facă această lucrare.

8. „Fată cu cercei cu perle”. Jan Vermeer, 1665

Tabloul „Fata cu un cercei cu perle” (olandez. „Het meisje met de parel”) a fost scris în jurul anului 1665. În prezent este păstrat în Muzeul Mauritshuis, orașul Haga, Olanda, și este semnul distinctiv al muzeului. Tabloul, supranumit Mona Lisa olandeză, sau Mona Lisa al Nordului, este scris în genul Tronie.

Datorită filmului lui Peter Webber din 2003 „Fata cu un cercel de perle”, un număr imens de oameni departe de pictură au aflat despre minunatul artist olandez Jan Vermeer, precum și despre cel mai faimos tablou său „Fata cu un cercel de perle”.

9. „Turnul Babel”. Pieter Bruegel, 1563

Celebru tablou al artistului Pieter Bruegel. Artistul a creat cel puțin două picturi pe acest subiect.

Pictura se află - Muzeul de Istorie a Artei, Viena.

Există o poveste în Biblie despre modul în care oamenii din Babilon au încercat să construiască un turn înalt pentru a ajunge la cer, dar Dumnezeu i-a făcut să vorbească în diferite limbi, a încetat să se înțeleagă și turnul a rămas neterminat.

10. „Femeile algeriene”. Pablo Picasso, 1955

„Femeile algeriene” - o serie de 15 pânze create de Picasso în 1954-1955 pe baza picturilor lui Eugene Delacroix; picturile diferă în literele atribuite de artist de la A la O. „Versiunea O” a fost scrisă la 14 februarie 1955; de ceva timp a aparținut celebrului colecționar de artă american al secolului al XX-lea, Victor Gantz.

Tabloul lui Pablo Picasso „Algerian Women (versiunea O)” a fost vândut cu 180 de milioane de dolari.

11. „Planeta nouă”. Konstantin Yuon, 1921

Pictor sovietic rus, maestru al peisajului, artist de teatru, teoretician al artei. Academician al Academiei de Arte din URSS. Artist al Poporului din URSS. Laureat al Premiului Stalin de gradul I. Membru al PCUS din 1951.

Această pictură uimitoare „Noua planetă”, creată în 1921 și deloc tipică pentru artistul realist Yuon, este una dintre cele mai strălucitoare lucrări care a întruchipat imaginea schimbărilor pe care Revoluția din octombrie le-a devenit în a doua decadă a secolului XX. Un nou sistem, un nou mod de a gândi și un nou mod de a gândi în noua societate sovietică emergentă. Ce așteaptă omenirea acum? Viitor luminos? La momentul respectiv nu s-a gândit la asta, dar faptul că Rusia sovietică și întreaga lume intră într-o eră a schimbării este evident, la fel și nașterea rapidă a unei noi planete.

12. „Madona Sixtină”. Raphael Santi, 1754

O pictură a lui Rafael, care se află în galeria Old Masters din Dresda din 1754. Aparține vârfurilor recunoscute ale Înaltei Renașteri.

De dimensiuni uriașe (265x196 cm, deoarece dimensiunea picturii este indicată în catalogul Galeriei Dresda), pânza a fost creată de Rafael pentru altarul bisericii mănăstirii Sf. Sixt din Piacenza din ordinul Papei Iulius. II. Există o ipoteză că pictura a fost pictată în 1512-1513 în cinstea victoriei asupra francezilor care au invadat Lombardia în timpul războaielor italiene și a încorporării ulterioare a Piacenza în statele papale.

13. „Penitenta Maria Magdalena”. Titian (Tiziano Vecellio), scris în jurul anului 1565

Pictură, pictată în jurul anului 1565 de artistul italian Titian Vecellio. Aparține Muzeului Schitul de Stat din Sankt Petersburg. Uneori, data creației este indicată ca „anii 1560”.

Modelul picturii a fost Julia Festina, care a uimit-o pe artistă cu un șoc de păr auriu. Pânza finisată l-a impresionat foarte mult pe ducele de Gonzaga și a decis să comande o copie a acesteia. Mai târziu, Titian, schimbând fundalul și pozarea femeii, a scris câteva lucrări similare.

14. „Mona Lisa”. Leonardo Da Vinci, 1503-1505

Portretul doamnei Lisa del Giocondo, (italiană. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) este un tablou de Leonardo da Vinci situat în Luvru (Paris, Franța), una dintre cele mai faimoase opere de pictură din lume, despre care se crede că este un portret al Lisa Gherardini, soția unui negustor de mătase din Florența Francesco del Giocondo, pictat în jurul anilor 1503-1505 ...

Conform uneia dintre versiunile prezentate, „Mona Lisa” este un autoportret al artistului.

15. „Dimineața într-o pădure de pini”, Șișkin Ivan Ivanovici, 1889.

Pictură a artiștilor ruși Ivan Shishkin și Konstantin Savitsky. Savitsky a pictat urși, dar colecționarul Pavel Tretyakov și-a șters semnătura, astfel încât unul este adesea indicat ca autor al imaginii.

Ideea imaginii i-a fost sugerată lui Șișkin de către Savitsky, care ulterior a acționat ca coautor și a descris figurile puiilor de urs. Acești urși, cu unele diferențe de postură și număr (la început erau doi), apar în desene și schițe pregătitoare. Animalele s-au dovedit atât de bine în Savitsky încât a semnat chiar fotografia cu Șișkin.

16. „Nu mă așteptam”. Ilya Repin, 1884-1888

Pictură a artistului rus Ilya Repin (1844-1930), pictată în 1884-1888. Face parte din colecția Galeriei de Stat Tretiakov.

Pictura prezentată la cea de-a XII-a expoziție itinerantă face parte dintr-un ciclu narativ dedicat soartei populistului revoluționar rus.

17. „Bal la Moulin de la Galette”, Pierre Auguste Renoir, 1876.

Pictură a artistului francez Pierre Auguste Renoir în 1876.

Locul în care se află pictura este Muzeul d'Orsay. Moulin de la Galette este un pub ieftin din Montmartre, unde s-au adunat studenții și tinerii muncitori din Paris.

18. „Noaptea înstelată”. Vincent van Gogh, 1889

De sterrennacht- o pictură a artistului olandez Vincent Van Gogh, pictată în iunie 1889, cu o vedere a cerului de pe un oraș fictiv, din fereastra de est a casei artistului din Saint-Remy-de-Provence. Din 1941 a fost păstrat la Muzeul de Artă Modernă din New York. Este considerată una dintre cele mai bune opere ale lui Van Gogh și una dintre cele mai semnificative lucrări de pictură occidentală.

19. „Creația lui Adam”. Michelangelo, 1511

Fresca de Michelangelo, pictată în jurul anului 1511. Fresca este a patra dintre cele nouă compoziții centrale ale tavanului Capelei Sixtine.

„Creația lui Adam” este una dintre cele mai remarcabile compoziții din pictura Capelei Sixtine. Dumnezeu Tatăl zboară într-un spațiu nesfârșit, înconjurat de îngeri fără aripi, cu o tunică albă zburătoare. Mâna dreaptă este întinsă spre mâna lui Adam și aproape o atinge. Așezat pe o piatră verde, corpul lui Adam începe treptat să se miște, se trezește la viață. Întreaga compoziție este axată pe gestul cu două mâini. Mâna lui Dumnezeu dă un impuls, iar mâna lui Adam îl acceptă, dând energie vitală întregului corp. Prin faptul că mâinile lor nu se ating, Michelangelo a subliniat imposibilitatea de a combina divinul și umanul. După chipul lui Dumnezeu, conform intenției artistului, nu predomină un început miraculos, ci o energie creatoare gigantică. După imaginea lui Adam, Michelangelo laudă puterea și frumusețea corpului uman. De fapt, nu chiar creația omului apare în fața noastră, ci momentul în care primește un suflet, o căutare pasională a divinului, o sete de cunoaștere.

20. „Un sărut pe cerul înstelat”. Gustav Klimt, 1905-1907

Pictură a artistului austriac Gustav Klimt, pictată în 1907-1908. Pânza aparține perioadei de creativitate Klimt, numită „aurie”, ultima operă a autorului din „perioada sa aurie”.

Pe o stâncă, la marginea unei pajiști de flori, într-o aură aurie, există îndrăgostiți cufundați complet unul în celălalt, îngrădit de întreaga lume. Datorită incertitudinii locului a ceea ce se întâmplă, se pare că cuplul descris în imagine intră într-o stare cosmică dincolo de controlul timpului și spațiului, dincolo de toate stereotipurile și cataclismele istorice și sociale. Solitudinea completă a bărbatului și fața întorsă în spate nu fac decât să sublinieze impresia de izolare și detașare în raport cu observatorul.

Sursa - Wikipedia, muzei-mira.com, say-hi.me

20 de tablouri pe care toată lumea ar trebui să le cunoască (istoria picturii) actualizat: 23 noiembrie 2016 de autor: site

În aproape fiecare operă de artă semnificativă, există un mister, un „dublu fund” sau o poveste secretă pe care doriți să o dezvăluiți.

Muzică pe fese

Hieronymus Bosch, Grădina desfătărilor pământești, 1500-1510.

Fragment al unei părți dintr-un triptic

Dezbaterea despre semnificațiile și semnificațiile ascunse ale celei mai faimoase opere a artistului olandez nu s-a calmat de la înființare. Pe aripa dreaptă a tripticului intitulat „Iadul muzical” sunt înfățișați păcătoșii care sunt torturați în lumea interlopă cu ajutorul instrumentelor muzicale. Unul dintre ei are note imprimate pe fese. Amelia Hamrick, studentă la Universitatea Creștină din Oklahoma, care a studiat pictura, a pus notația din secolul al XVI-lea într-o întorsătură modernă și a înregistrat „o melodie veche de 500 de ani din iad în iad”.

Mona Lisa nud

Celebrul „La Gioconda” există în două versiuni: versiunea nud se numește „Monna Vanna”, a fost pictată de puțin cunoscutul artist Salai, care a fost student și model al marelui Leonardo da Vinci. Mulți critici de artă sunt siguri că el a fost modelul picturilor lui Leonardo „Ioan Botezătorul” și „Bacchus”. Există, de asemenea, versiuni care s-au îmbrăcat în rochia unei femei, Salai a servit drept imaginea Monei Lisa.

Bătrân Pescar

În 1902, artista maghiară Tivadar Kostka Chontvari a pictat tabloul „Bătrânul pescar”. S-ar părea că nu există nimic neobișnuit în imagine, dar Tivadar a pus în el un subtext care nu a fost niciodată dezvăluit în timpul vieții artistului.

Puțini oameni au ideea de a pune o oglindă în mijlocul imaginii. Fiecare persoană poate avea atât Dumnezeu (duplicat umărul drept al Bătrânului), cât și Diavol (duplicat umărul stâng al bătrânului).

A existat o balenă?

Hendrik van Antonissen „Scena pe mal”.

Ar părea un peisaj obișnuit. Barci, oameni pe țărm și marea pustie. Și doar un studiu cu raze X a arătat că oamenii s-au adunat pe țărm dintr-un motiv - în original, au examinat carcasa unei balene spălate la țărm.

Cu toate acestea, artista a decis că nimeni nu ar vrea să se uite la balena moartă și să rescrie imaginea.

Două "Mic dejunuri pe iarbă"

Edouard Manet, Mic dejun pe iarbă, 1863.

Claude Monet, Micul dejun pe iarbă, 1865.

Artiștii Edouard Manet și Claude Monet sunt uneori confuzi - la urma urmei, amândoi erau francezi, trăiau în același timp și lucrau în stilul impresionismului. Chiar și numele uneia dintre cele mai faimoase picturi ale lui Manet „Mic dejun pe iarbă” Monet s-a împrumutat și și-a scris „Micul dejun pe iarbă”.

Dubluri la „Ultima cină”

Leonardo da Vinci, Cina cea de Taină, 1495-1498.

Când Leonardo da Vinci a scris Cina cea de taină, el a subliniat două figuri: Hristos și Iuda. A căutat modele pentru ei de foarte mult timp. În cele din urmă, a reușit să găsească un model pentru imaginea lui Hristos în rândul tinerilor cântăreți. Nu a fost posibil să găsim un model pentru Iuda Leonardo timp de trei ani. Dar într-o zi a dat peste stradă un bețiv care stătea întins într-un jgheab. Era un tânăr care îmbătrânise de beția neîngrădită. Leonardo l-a invitat la o tavernă, unde a început imediat să-i scrie lui Iuda. Când bețivul și-a recăpătat cunoștința, i-a spus artistului că a pozat deja pentru el o dată. În urmă cu câțiva ani, când a cântat în corul bisericii, Leonardo a scris Hristos de la el.

„Night Watch” sau „Day Watch”?

Rembrandt, The Night Watch, 1642.

Una dintre cele mai faimoase picturi ale lui Rembrandt „Performanța companiei de puști a căpitanului Frans Banning Kok și a locotenentului Willem van Ruutenbürg” a atârnat în diferite camere timp de aproximativ două sute de ani și a fost descoperită de criticii de artă abia în secolul al XIX-lea. Întrucât figurile păreau să apară pe un fundal întunecat, a fost numit „Ceas de noapte” și sub acest nume a intrat în tezaurul artei mondiale.

Și numai în timpul restaurării, efectuată în 1947, s-a descoperit că în sală pictura reușise să fie acoperită cu un strat de funingine, care îi distorsiona culoarea. După clarificarea picturii originale, s-a dezvăluit în cele din urmă că scena prezentată de Rembrandt are loc de fapt în timpul zilei. Poziția umbrei din mâna stângă a căpitanului Kok indică faptul că acțiunea nu durează mai mult de 14 ore.

Barcă inversată

Henri Matisse, Barca, 1937.

Muzeul de Artă Modernă din New York a expus în 1961 un tablou de Henri Matisse „Barca”. Abia după 47 de zile cineva a observat că tabloul atârna cu susul în jos. Pânza descrie 10 linii violete și două pânze albastre pe un fundal alb. Artistul a pictat două pânze pentru un motiv, a doua pânză este o reflectare a primei pe suprafața apei.
Pentru a nu vă înșela în modul în care ar trebui să atârne imaginea, trebuie să acordați atenție detaliilor. Vela mai mare ar trebui să fie în partea de sus a picturii, iar vârful picturii ar trebui să fie spre colțul din dreapta sus.

Înșelăciune în autoportret

Vincent van Gogh, Autoportret cu țeavă, 1889.

Există legende pe care Van Gogh i-ar fi tăiat urechea. Acum cea mai fiabilă versiune este că urechea lui Van Gogh a fost deteriorată într-o mică luptă cu participarea unui alt artist - Paul Gauguin.

Autoportretul este interesant prin faptul că reflectă realitatea într-o formă distorsionată: artistul este descris cu o ureche dreaptă bandată, deoarece a folosit o oglindă în timpul lucrării sale. De fapt, urechea stângă a fost afectată.

Urși străini

Ivan Șișkin, „Dimineața în pădurea de pini”, 1889.

Celebrul tablou aparține nu numai pensulei lui Shishkin. Mulți artiști, care erau prieteni unii cu alții, recurgeau adesea la „ajutorul unui prieten”, iar Ivan Ivanovici, care a pictat peisaje toată viața, s-a temut că urșii atingători nu vor ieși după cum avea nevoie. Prin urmare, Șișkin s-a adresat pictorului familiar Konstantin Savitsky.

Savitsky a pictat unii dintre cei mai buni urși din istoria picturii rusești, iar Tretiakov a ordonat să-și spele numele de pe pânză, întrucât totul din imagine „de la proiectare până la execuție, totul vorbește despre maniera de a picta, despre metoda creativă specifică Șișkin. "

Povestea inocentă a „goticului”

Grant Wood, gotic american, 1930.

Opera lui Grant Wood este considerată una dintre cele mai ciudate și deprimante din istoria picturii americane. Pictura cu tatăl și fiica mohorâtă este plină de detalii care indică severitatea, puritanismul și retrograditatea oamenilor descriși.
De fapt, artistul nu intenționa să înfățișeze orori: în timpul unei călătorii în statul Iowa, a observat o căsuță în stil gotic și a decis să-i înfățișeze pe acei oameni care, în opinia sa, s-ar potrivi în mod ideal ca locuitori. Sora lui Grant și dentistul său sunt imortalizate sub forma unor personaje la care oamenii din Iowa s-au ofensat.

Răzbunarea lui Salvador Dali

Tabloul „Figura la fereastră” a fost pictat în 1925, când Dali avea 21 de ani. Atunci Gala nu intrase încă în viața artistului, iar sora lui Ana Maria îi era muza. Relația dintre frate și soră s-a înrăutățit când a scris pe unul dintre tablouri „uneori scuip pe un portret al propriei mame și îmi dă plăcere”. Ana Maria nu a putut ierta un asemenea șoc.

În cartea ei din 1949, Salvador Dali prin ochii unei surori, scrie despre fratele ei fără nici o laudă. Cartea a înfuriat El Salvador. Pentru încă zece ani după aceea, el și-a amintit furios de ea cu fiecare ocazie. Și astfel, în 1954, apare tabloul „O tânără fecioară, răsfățându-se în păcatul Sodomei cu ajutorul coarnelor propriei castități”. Poza femeii, buclele ei, peisajul din afara ferestrei și schema de culori a imaginii reflectă în mod clar „Figura de la fereastră”. Există o versiune în care Dali s-a răzbunat pe sora lui pentru cartea ei în acest fel.

Danae cu două fețe

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.

Multe secrete ale uneia dintre cele mai faimoase picturi ale lui Rembrandt au fost dezvăluite abia în anii 60 ai secolului XX, când pânza a fost iluminată cu raze X. De exemplu, filmarea a arătat că în versiunea timpurie chipul prințesei, care avea o relație de dragoste cu Zeus, arăta ca chipul lui Saskia, soția pictorului, care a murit în 1642. În versiunea finală a imaginii, a început să semene cu fața lui Gertier Dierks, amanta lui Rembrandt, cu care artistul a trăit după moartea soției sale.

Dormitorul galben al lui Van Gogh

Vincent Van Gogh, Dormitorul de la Arles, 1888 - 1889.

În mai 1888, Van Gogh a achiziționat un mic atelier la Arles, în sudul Franței, unde a fugit de artiști și critici parizieni care nu l-au înțeles. În una dintre cele patru camere, Vincent amenajează un dormitor. În octombrie, totul este gata și el decide să picteze „Dormitorul lui Van Gogh în Arles”. Pentru artist, culoarea și confortul camerei erau foarte importante: totul trebuia să sugereze ideea de odihnă. În același timp, imaginea este susținută în tonuri galbene alarmante.

Cercetătorii operei lui Van Gogh explică acest lucru prin faptul că artistul a luat foxglove, un remediu pentru epilepsie, care provoacă schimbări grave în percepția pacientului asupra culorii: întreaga realitate înconjurătoare este pictată în tonuri de verde-galben.

Perfecțiune fără dinți

Leonardo da Vinci, „Portretul doamnei Lisa del Giocondo”, 1503-1519.

Opinia general acceptată este că Mona Lisa este perfecțiunea și zâmbetul ei este frumos în misterul ei. Cu toate acestea, criticul de artă american (și dentist cu jumătate de normă) Joseph Borkowski consideră că, judecând după expresia de pe față, eroina a pierdut o mulțime de dinți. Examinând fotografii mărite ale capodoperei, Borkowski și-a găsit cicatrici în jurul gurii. „Zâmbește atât de mult tocmai din cauza a ceea ce i s-a întâmplat”, a spus expertul. „Expresia ei este tipică pentru persoanele care și-au pierdut dinții din față”.

Major în controlul feței

Pavel Fedotov, The Major's Matchmaking, 1848.

Publicul, care a văzut mai întâi tabloul „The Major’s Matchmaking”, a râs din suflet: artistul Fedotov l-a umplut cu detalii ironice, de înțeles de publicul din acea vreme. De exemplu, majorul nu este clar familiarizat cu regulile nobilei etichete: el a apărut fără buchetele necesare pentru mireasă și mama ei. Iar părinții ei negustori au descărcat-o pe mireasă ea însăși într-o rochie de seară, deși era zi afară (toate lămpile din cameră erau stinse). Fata a încercat clar pentru prima dată o rochie decoltată, este jenată și încearcă să fugă în camera ei.

De ce este Libertatea goală

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Libertatea pe baricade, 1830.

Potrivit criticului de artă Etienne Julie, Delacroix a pictat fața unei femei din faimosul revoluționar parizian - spălătoreasa Anna-Charlotte, care a venit la baricade după moartea fratelui ei din mâna soldaților regali și a ucis nouă gardieni. Artista a descris-o cu sânii goi. Conform planului său, acesta este un simbol al neînfricării și al altruismului, precum și al triumfului democrației: un piept gol arată că Libertatea, ca un om de rând, nu poartă corset.

Pătrat non-pătrat

Kazimir Malevich, „Piața suprematistă neagră”, 1915.

De fapt, „Piața Neagră” nu este deloc neagră și deloc pătrată: niciuna dintre laturile patrulaterului nu este paralelă cu oricare dintre celelalte laturi ale sale și nici una dintre laturile cadrului pătrat care încadrează pictura. Iar culoarea închisă este rezultatul amestecării diferitelor culori, printre care nu exista negru. Se crede că aceasta nu a fost neglijența autorului, ci o poziție de principiu, dorința de a crea o formă dinamică, mobilă.

Specialiștii Galeriei Tretiakov au descoperit inscripția autorului pe faimosul tablou de Malevich. Inscripția spune: „Bătălia Negrilor în Peștera Întunecată”. Această frază se referă la titlul tabloului jucăuș al jurnalistului, scriitorului și artistului francez Alphonse Allais „Bătălia Negrilor într-o peșteră întunecată în adâncul nopții”, care era un dreptunghi complet negru.

Melodrama austriacă Mona Lisa

Gustav Klimt, „Portretul lui Adele Bloch-Bauer”, 1907.

Una dintre cele mai semnificative picturi ale lui Klimt o înfățișează pe soția magnatului austriac de zahăr Ferdinad Bloch-Bauer. Toată Viena discuta despre tumultuoasa romantism dintre Adele și celebrul artist. Soțul rănit a vrut să se răzbune pe iubiții săi, dar a ales un mod foarte neobișnuit: a decis să-i ordoneze lui Klimt un portret al lui Adele și să-l oblige să facă sute de schițe până când artistul începe să se îndepărteze de ea.

Bloch-Bauer dorea ca lucrarea să dureze câțiva ani, iar modelul putea vedea cum sentimentele lui Klimt se estompează. I-a făcut artistului o ofertă generoasă, pe care nu a putut să o refuze și totul s-a dovedit în conformitate cu scenariul unui soț înșelat: lucrarea a fost finalizată în 4 ani, îndrăgostiții s-au răcit de mult. Adele Bloch-Bauer nu a aflat niciodată că soțul ei era la curent cu relația ei cu Klimt.

Pictura care l-a readus la viață pe Gauguin

Paul Gauguin, De unde venim? Cine suntem? Unde mergem?, 1897-1898.

Cea mai faimoasă pictură a lui Gauguin are o particularitate: este „citită” nu de la stânga la dreapta, ci de la dreapta la stânga, precum textele cabalistice de care artistul era interesat. În această ordine se desfășoară alegoria vieții spirituale și fizice a unei persoane: de la nașterea sufletului (un copil adormit în colțul din dreapta jos) până la inevitabilitatea orei morții (o pasăre cu o șopârlă în gheare în colțul din stânga jos).

Pictura a fost pictată de Gauguin în Tahiti, unde artistul a fugit de mai multe ori de civilizație. Dar de această dată viața de pe insulă nu a funcționat: sărăcia totală l-a dus la depresie. După ce a terminat pânza, care urma să devină testamentul său spiritual, Gauguin a luat o cutie de arsen și a plecat la munte pentru a muri. Cu toate acestea, el a calculat greșit doza și sinuciderea a eșuat. A doua zi dimineață, legănându-se, a rătăcit la coliba și a adormit și, când s-a trezit, a simțit o sete uitată de viață. Și în 1898 afacerile sale au mers în sus și a început o perioadă mai strălucitoare în munca sa.

112 proverbe într-o singură imagine

Pieter Bruegel cel Bătrân, Proverbe olandeze, 1559

Pieter Bruegel Sr. a descris un pământ locuit de imagini literale ale proverbelor olandeze din acele zile. Există aproximativ 112 expresii recunoscute în pictură. Unele dintre ele sunt obișnuite până în prezent, cum ar fi: „înotați împotriva curentului”, „bateți-vă capul de perete”, „înarmați până la dinți” și „un pește mare mănâncă unul mic”.

Alte proverbe reflectă prostia umană.

Subiectivitatea artei

Paul Gauguin, Satul breton în zăpadă, 1894

Tabloul lui Gauguin „Satul breton în zăpadă” a fost vândut după moartea autorului pentru doar șapte franci și, mai mult, sub numele de „Niagara Falls”. Persoana care conducea licitația a atârnat accidental pictura cu capul în jos, văzând o cascadă în ea.

Imagine ascunsă

Pablo Picasso, Camera albastră, 1901

În 2008, lumina cu infraroșu a arătat o altă imagine ascunsă sub Camera Albastră - un portret al unui bărbat îmbrăcat într-un costum cu papion și sprijinindu-și capul pe braț. „De îndată ce Picasso a avut o idee nouă, a luat o pensulă și a întruchipat-o. Dar nu a avut ocazia să cumpere o pânză nouă de fiecare dată când muza lui l-a vizitat ”, explică posibil motiv aceasta este critica de artă Patricia Favero.

Marocani inaccesibili

Zinaida Serebryakova, „Gol”, 1928

Odată ce Zinaida Serebryakova a primit o ofertă tentantă - de a merge într-o călătorie creativă pentru a descrie figurile nud ale fecioarelor orientale. Dar s-a dovedit că era pur și simplu imposibil să găsești modele în acele locuri. Traducătorul lui Zinaida a venit în ajutor - și-a adus surorile și mireasa la ea. Nimeni înainte și după aceea nu a reușit să surprindă femeile orientale închise goale.

Perspective spontane

Valentin Serov, „Portretul lui Nicolae al II-lea într-o jachetă”, 1900

Multă vreme Serov nu a putut picta un portret al țarului. Când artistul a renunțat complet, i-a cerut scuze lui Nikolai. Nikolai s-a supărat puțin, s-a așezat la masă, întinzând brațele în fața lui ... Și apoi artistul a răsărit - iată că este o imagine! Un simplu militar în jachetă de ofițer cu curat și ochi tristi... Acest portret este considerat cea mai bună reprezentare a ultimului împărat.

Deuce din nou

© Fedor Reshetnikov

Celebrul tablou „Deuce Again” este doar a doua parte a trilogiei artistice.

Prima parte este „A sosit pentru vacanță”. O familie clar înstărită, sărbători de iarnă, un elev excelent vesel.

A doua parte este „Deuce din nou”. Familia săracă dintr-o suburbie a clasei muncitoare, în mijlocul an scolar, abătut, uimit, a apucat din nou un deuce. În colțul din stânga sus puteți vedea imaginea „A sosit pentru vacanță”.

A treia parte este „Reexaminarea”. O casă la țară, vară, toată lumea merge, un ignorant rău intenționat, care a eșuat la examenul anual, este obligat să stea între patru pereți și să se înghesuie. În colțul din stânga sus puteți vedea tabloul „Deuce din nou”.

Cum se nasc capodopere

Joseph Turner, Rain, Steam and Speed, 1844

În 1842, doamna Simon călătorea cu trenul în Anglia. Deodată a început o ploaie puternică. Domnul în vârstă care stătea vizavi de ea s-a ridicat, a deschis fereastra, și-a scos capul și a privit așa timp de zece minute. Incapabilă să-și stăpânească curiozitatea, femeia a deschis și ea fereastra și a început să privească înainte. Un an mai târziu, a descoperit pictura „Ploaia, aburul și viteza” la o expoziție la Academia Regală de Arte și a putut recunoaște în ea același episod din tren.

Lecție de anatomie de la Michelangelo

Michelangelo, Creația lui Adam, 1511

Câțiva experți americani în neuroanatomie cred că Michelangelo a lăsat de fapt câteva ilustrații anatomice într-una dintre cele mai faimoase lucrări ale sale. Ei cred că există un creier imens în partea dreaptă a imaginii. În mod surprinzător, pot fi găsite chiar și componente complexe, cum ar fi cerebelul, nervii optici și glanda pituitară. Iar panglica verde atrăgătoare se potrivește perfect cu locația arterei vertebrale.

Cina cea de Taină de Van Gogh

Vincent Van Gogh, Cafe Terrace noaptea, 1888

Cercetătorul Jared Baxter crede că dedicarea la Cina cea de Taină de Leonardo da Vinci este criptată pe tabloul lui Van Gogh Terasa noaptea într-o cafenea. În centrul imaginii este un chelner cu par lungși într-o tunică albă care seamănă cu hainele lui Hristos, iar în jurul lui exact 12 vizitatori la cafenea. De asemenea, Baxter atrage atenția asupra crucii situate chiar în spatele chelnerului în alb.

Imaginea memoriei lui Dali

Salvador Dali, Persistența memoriei, 1931

Nu este un secret faptul că gândurile care l-au vizitat pe Dali în timpul creației capodoperelor sale au fost întotdeauna sub forma unor imagini foarte realiste, pe care artistul le-a transferat apoi pe pânză. Deci, conform autorului însuși, tabloul „Persistența amintirii” a fost pictat ca urmare a asociațiilor care au apărut la vederea brânzeturilor procesate.

Despre ce țipă Munch

Edvard Munch, The Scream, 1893.

Munch a vorbit despre ideea sa de una dintre cele mai misterioase picturi din pictura mondială: „Mergeam de-a lungul cărării cu doi prieteni - soarele apunea - deodată cerul s-a făcut roșu ca sângele, m-am oprit, simțindu-mă epuizat și m-am aplecat pe gard - m-am uitat la sânge și flăcări peste fiordul negru-albăstrui și oraș - prietenii mei au continuat și am rămas tremurând de emoție, simțind un strigăt nesfârșit străpungând natura. " Dar ce fel de apus de soare l-ar putea speria pe artist atât?

Există o versiune conform căreia ideea „Scream” s-a născut în Munch în 1883, când au avut loc mai multe erupții puternice ale vulcanului Krakatoa - atât de puternice încât au schimbat temperatura atmosferei Pământului cu un grad. Cantități abundente de praf și cenușă se răspândesc peste tot globul ajungând chiar în Norvegia. Pentru mai multe seri la rând, apusurile de soare arătau ca și cum apocalipsa era pe cale să vină - una dintre ele a devenit o sursă de inspirație pentru artist.

Scriitor printre oameni

Alexandru Ivanov, „Apariția lui Hristos către oameni”, 1837-1857.

Zeci de șezători au pozat pentru Alexander Ivanov pentru fotografia sa principală. Unul dintre ei este cunoscut nu mai puțin decât artistul însuși. În fundal, printre călătorii și călăreții romani, care nu au auzit încă predica lui Ioan Botezătorul, puteți vedea un personaj într-o tunică korchin. Ivanov a scris-o de la Nikolai Gogol. Scriitorul a comunicat îndeaproape cu artistul din Italia, în special cu privire la problemele religioase, și i-a dat sfaturi în procesul de pictură. Gogol credea că Ivanov „a murit de mult pentru întreaga lume, cu excepția muncii sale”.

Guta lui Michelangelo

Raphael Santi, Școala din Atena, 1511.

Creând celebra frescă „Școala din Atena”, Rafael și-a imortalizat prietenii și cunoștințele în imaginile filosofilor greci antici. Unul dintre ei a fost Michelangelo Buonarotti "în rolul" Heraclit. Timp de câteva secole, fresca a păstrat secretele vieții personale a lui Michelangelo, iar cercetătorii moderni au sugerat că genunchiul ciudat unghiular al artistului indică prezența unei boli articulare.

Acest lucru este probabil dat fiind stilul de viață și condițiile de muncă ale artiștilor renascențiali și manevrarea cronică a muncii lui Michelangelo.

Oglinda lui Arnolfini

Jan van Eyck, „Portretul cuplului Arnolfini”, 1434

În oglinda din spatele cuplului Arnolfini, puteți vedea reflexia a încă două persoane în cameră. Cel mai probabil, aceștia sunt martori prezenți la încheierea contractului. Unul dintre ei este van Eyck, după cum dovedește inscripția latină, plasată, contrar tradiției, deasupra oglinzii din centrul compoziției: „Jan van Eyck era aici”. Așa s-au încheiat contracte de obicei.

Cum lipsa s-a transformat în talent

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Autoportret la vârsta de 63 de ani, 1669.

Cercetătoarea Margaret Livingston a studiat toate autoportretele lui Rembrandt și a constatat că artistul suferea de strabism: în imagini ochii lui privesc în direcții diferite, ceea ce nu este observat în portretele altor oameni de către maestru. Boala a dus la faptul că artistul a fost mai capabil să perceapă realitatea în două dimensiuni decât oamenii cu viziune normală. Acest fenomen se numește „orbire stereo” - incapacitatea de a vedea lumea în 3D. Dar, din moment ce pictorul trebuie să lucreze cu o imagine bidimensională, acest neajuns al lui Rembrandt ar putea fi una dintre explicațiile pentru talentul său fenomenal.

Venus fără de păcat

Sandro Botticelli, Nașterea lui Venus, 1482-1486.

Înainte de apariția Nașterii lui Venus, descrierea unui corp feminin gol în pictură simboliza doar ideea păcatului originar. Sandro Botticelli a fost primul pictor european care nu a găsit nimic păcătos în el. Mai mult, criticii de artă sunt siguri că zeița păgână a iubirii simbolizează o imagine creștină pe frescă: apariția ei este o alegorie a renașterii unui suflet care a suferit ritul botezului.

Lăutist sau lăutar?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, Lăutistul, 1596.

Mult timp, pictura a fost expusă în Schitul sub titlul „Lăutarul”. Abia la începutul secolului al XX-lea, criticii de artă au fost de acord că pânza încă îl înfățișează pe un tânăr (probabil, artistul său cunoscut Mario Minniti a pozat pentru Caravaggio): pe notele din fața muzicianului există o înregistrare a părții de bas a madrigal Jacob Arcadelt „Știi că te iubesc” ... O femeie cu greu ar putea face o astfel de alegere - este doar greu pentru gâtul ei. În plus, lăuta, la fel ca vioara de la marginea tabloului, a fost considerată un instrument masculin în era Caravaggio.

Există multe personalități talentate printre artiștii ruși. Munca lor este foarte apreciată în întreaga lume și concurează cu maeștri mondiali precum Rubens, Michelangelo, Van Gogh și Picasso. În acest articol, am adunat 10 dintre cei mai cunoscuți artiști ruși.

1. Ivan Aivazovsky

Ivan Aivazovsky este unul dintre cei mai renumiți artiști ruși. S-a născut în Feodosia. Din copilărie, Aivazovsky și-a arătat incredibilele abilități creative: i-a plăcut să deseneze și a învățat să cânte el însuși la vioară.

La vârsta de 12 ani, tânărul talent a început să studieze la Simferopol la Academia de Pictură. Aici a învățat să copieze amprente și picturi din viață. Un an mai târziu, a reușit să intre în Academia Imperială din Sankt Petersburg, deși nu ajunsese încă la vârsta de 14 ani.

Pentru o lungă perioadă de timp, artistul a călătorit în Europa și a locuit în Italia, unde picturile sale au fost recunoscute și la adevărata lor valoare. Deci, un tânăr artist din Feodosia a devenit un om destul de celebru și bogat.

Mai târziu, Aivazovsky s-a întors în patria sa, unde a primit uniforma Ministerului Naval și titlul de academician. Artistul a vizitat și Egiptul și a fost prezent la deschiderea noului canal Suez. Artistul și-a descris toate impresiile în imagini. În acest moment, el își dezvoltase deja propriul stil unic și abilitatea de a scrie din memorie. Aivazovsky a schițat elemente complexe într-un caiet pentru a le transfera ulterior pe pânză. Tablourile „Odessa”, „Al nouălea val” și „Marea Neagră” i-au adus faima la nivel mondial.

Artistul și-a petrecut ultimii ani din viață în Feodosia, unde și-a construit o casă în stil italian. Puțin mai târziu, Aivazovsky i-a adăugat o mică galerie, astfel încât toată lumea să se poată bucura liber de picturile sale uimitoare și să se înece într-un ocean de culori. Astăzi acest conac servește în continuare ca muzeu și mulți vizitatori vin aici în fiecare zi pentru a vedea cu ochii lor priceperea pictorului marin care a trăit o viață lungă și fericită.

2. Viktor Vasnetsov

Viktor Vasnetsov continuă lista celor mai renumiți artiști ruși. S-a născut în primăvara anului 1848 în familia unui preot din micul sat Lopyal. Pofta de pictură s-a trezit în el la o vârstă foarte fragedă, dar părinții lui nu i-au putut oferi o educație adecvată din cauza lipsei de bani. Prin urmare, la vârsta de 10 ani, Victor a început să studieze la un seminar teologic gratuit.

În 1866, practic fără bani, a plecat la Sankt Petersburg. Vasnetsov a făcut față cu ușurință examenului de admitere și a intrat în Academia de Arte. Aici a început prietenia sa cu celebrul artist Repin, cu care a plecat ulterior la Paris. După întoarcerea la Sankt Petersburg, Vasnetsov începe să picteze cele mai faimoase picturi ale sale: „Trei eroi”, „Fecioara zăpezii” și „Dumnezeul oștirilor”.

Artistul a reușit să-și dezvăluie pe deplin talentul abia după ce s-a mutat la Moscova. Aici este confortabil și confortabil și fiecare imagine ulterioară se dovedește mai bună decât cea precedentă. La Moscova, Vasnetsov a pictat picturi precum "Alyonushka", "Ivan Tsarevich și lupul gri" și "Nestor cronicarul".

3. Karl Bryullov

Acest faimos artist rus s-a născut în 1799. Tatăl lui Karl a fost un renumit pictor și profesor la Academia de Arte din Sankt Petersburg. Prin urmare, soarta băiatului a fost o concluzie înaintată. Din fericire, Karl Bryullov a reușit să moștenească talentul artistului de la tatăl său.

Studierea a fost foarte ușoară pentru tânărul artist. A fost de multe ori superior celorlalți studenți din clasa sa și a absolvit Academia de Arte cu onoruri. După aceea, Karl a plecat să călătorească în Europa, rămânând mult timp doar în Italia. Aici și-a creat capodopera - „Ultima zi din Pompei”, după ce a petrecut aproximativ șase ani scriind-o.

La întoarcerea la Sankt Petersburg, Karl Bryullov aștepta faima și gloria. S-au bucurat să-l vadă peste tot și cu siguranță i-au admirat noile picturi. În această perioadă, artistul creează mai multe dintre picturile sale nemuritoare: „Horsewoman”, „Siege of Pskov”, „Narcissus” și altele.

4. Ivan Șișkin

Ivan Șișkin este unul dintre cei mai renumiți pictori de peisaj ruși, care în picturile sale ar putea prezenta orice peisaj discret în cea mai favorabilă lumină. Se pare că natura însăși se joacă pe pânzele acestui artist cu culori vii.

Ivan Șișkin s-a născut în 1832 în Elabuga, care astăzi aparține Tatarstanului. Tatăl a vrut ca fiul său să preia în cele din urmă funcția de oficial al orașului, dar Ivan a gravitat spre desen. La vârsta de 20 de ani, a plecat la Moscova pentru a studia pictura. După absolvirea cu succes a Școlii de Arte din Moscova, Șișkin a intrat în Academia Imperială din Sankt Petersburg.

Mai târziu a călătorit mult timp în toată Europa, schițând peisaje uimitoare. În acest moment, a creat tabloul „Vedere în vecinătatea orașului Dusseldorf”, ceea ce i-a adus o mare faimă. După întoarcerea în Rusia, Șișkin continuă să creeze cu o vigoare reînnoită. Potrivit acestuia, natura rusă este de câteva sute de ori superioară peisajelor europene.

Ivan Șișkin a scris multe picturi uimitoare în timpul vieții sale: „Dimineața într-o pădure de pini”, „Prima zăpadă”, „Pădurea de pini” și altele. Chiar și moartea l-a depășit pe acest pictor chiar în spatele șevaletului.

5. Isaac Levitan

Acest mare maestru rus al peisajelor s-a născut în Lituania, dar a trăit toată viața în Rusia. În mod repetat, originea sa evreiască i-a provocat multă umilință, dar nu l-a forțat niciodată să părăsească această țară, pe care a idolatrat-o și a lăudat-o în picturile sale.

Deja primele peisaje din Levitan au primit note mari de la Perov și Savrasov, iar Tretyakov însuși și-a cumpărat pictura „Ziua Toamnei în Sokolniki”. Dar în 1879, Isaac Levitan, împreună cu toți evreii, a fost expulzat de la Moscova. Numai prin eforturile enorme ale prietenilor și profesorilor, el reușește să se întoarcă în oraș.

În anii 1880, artistul a pictat multe tablouri uimitoare care l-au făcut foarte faimos. Acestea au fost „Pinii”, „Toamna” și „Prima zăpadă”. Dar încă o umilință a forțat autorul să părăsească Moscova din nou și să meargă în Crimeea. Pe peninsulă, artistul pictează o serie de lucrări uimitoare și își îmbunătățește semnificativ starea financiară. Acest lucru îi permite să călătorească prin Europa și să se familiarizeze cu munca maeștrilor mondiali. Culmea operei lui Levitan a fost pictura sa Deasupra păcii eterne.

6. Vasily Tropinin

Marele portretist rus Vasily Tropinin a avut o soartă uimitoare. S-a născut într-o familie de iobagi ai contelui Markov în 1780 și abia la vârsta de 47 de ani a primit dreptul de a fi un om liber. Chiar în copilărie, micuțul Vasily avea o predilecție pentru desen, dar contele l-a trimis să studieze ca patiser. Mai târziu, este încă trimis la Academia Imperială, unde își arată talentul în toată frumusețea sa. Pentru portretele sale „Lacemaker” și „The Beggar Old Man” Vasily Tropinin a primit titlul de academician.

7. Petrov-Vodkin Kuzma

Celebrul artist rus Petrov-Vodkin a reușit să lase în urmă o bogată moștenire în pictura mondială. S-a născut în 1878 la Khvalynsk, iar în tinerețe avea să devină muncitor feroviar. Cu toate acestea, soarta l-a făcut un pictor de renume mondial.

8. Alexey Savrasov

Tablourile acestui artist rus se vindeau deja bine când avea doar 12 ani. Puțin mai târziu, a intrat la Școala de pictură din Moscova și a devenit instantaneu unul dintre cei mai buni elevi. O călătorie în Ucraina l-a ajutat pe Savrasov să absolvească devreme facultatea și să primească titlul de artist.

Tablourile „Piatra în pădure” și „Kremlinul Moscovei” au fost realizate de acest pictor în calitate de academician la vârsta de 24 de ani! Familia regală este interesată de talentele tinere, iar Tretyakov însuși își cumpără multe dintre lucrările sale pentru expoziții internaționale. Printre ei se numărau „Iarna”, „Cei care au ajuns”, „Rasputitsa” și alții.

Moartea a două fiice și divorțul ulterior îl afectează foarte mult pe Savrasov. Bea mult și curând moare într-un spital pentru cei săraci.

9. Andrew Rublev

Andrei Rublev este cel mai faimos pictor rus de icoane. S-a născut în secolul al XV-lea și a lăsat în urmă o mare moștenire sub forma icoanelor „Treime”, „Buna Vestire”, „Botezul Domnului”. Andrei Rublev, împreună cu Daniil Cherny, au decorat multe biserici cu fresce și, de asemenea, au pictat icoane pentru iconostaze.

10. Mihail Vrubel

Lista noastră cu cei mai cunoscuți artiști ruși este completată de Mikhail Vrubel, care a creat multe capodopere în diferite teme în timpul vieții sale. A fost angajat în pictarea templului de la Kiev, iar mai târziu la Moscova a început să-și creeze faimoasa sa serie de picturi „demonice”. Aruncările creative ale acestui artist nu au găsit o înțelegere adecvată în rândul contemporanilor săi. La doar câteva decenii după moartea lui Mihail Vrubel, criticii de artă i-au dat datoria, iar Biserica a fost de acord cu interpretările sale despre evenimentele biblice.

Din păcate, viața personală a artistului a devenit motivul dezvoltării unei forme severe de tulburări psihice. Titlul de academician l-a depășit într-un azil de nebuni, din care nu a mai fost condamnat să plece. Cu toate acestea, Mikhail Vrubel a reușit să creeze multe opere de artă uimitoare, care sunt demne de admirație autentică. Dintre acestea, merită în mod special subliniat tablourile „Demonul șezând”, „Prințesa lebedei” și „Faust”.